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Le blog de lapalettedecouleurs.over-blog.com

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Des centaines de vidéos pour vous aider à comprendre le dessin et la peinture (aquarelle, huile, acrylique), mais aussi l'écologie des cours d'eau, la lecture en écoutant de la musique relaxante

Publié le par laurent
Publié dans : #huile

Cette peinture met l'accent sur deux éléments essentiels dans la réalisation de paysages marins ou marines: Il s'agit du ciel et de la mer. Pour cette composition, le ciel est privilégié puisqu'il occupe environ les 2/3 de la toile.

 

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Publié le par laurent
Publié dans : #aquarelle

http://dessin-creation.com/cours-peinture-en-ligne-peindre-un-zebre-a-laquarelle-croquis/

PEINDRE UN ZEBRE A L’AQUARELLE : REALISER UN CROQUIS. TECHNIQUE DE DESSIN AU CRAYON

Vous l’aurez sans doute compris, l’article d’aujourd’hui vous prépare à changer de technique. Pour ça, rien de mieux qu’un animal noir et blanc afin de se familiariser d’abord avec le pinceau, sans se confronter directement à la couleur.Honneur au zèbre donc, animal idéal pour vous entraîner et prendre confiance dans votre trait. Mais pour le moment, essayons de comprendre son anatomie et les particularités de sa tenue de camouflage. Car évidement, pas d’aquarelle réussie sans une bonne technique de dessin au crayon.

 

modèle_dessin_zèbre

Sympathique  non ?

Observons sa silhouette. Il y a des points communs évidents avec son cousin le cheval, ce qui pourra aider ceux d’entre vous qui ont déjà dessiné des chevaux. Pour les autres, pas de panique, il existe une méthode simple pour bien réussir votre croquis. Voici comment procéder.

1/Apprendre à dessiner la silhouette et  les proportions globales

schéma_dessin_zèbre_1

Voici les contours de notre zèbre ultra simplifié.Notez que l’angle au sommet de la tête est quasiment un angle droit.

schéma_dessin_zèbre_2

Pour ne pas se tromper dans les proportions, observez la partie avant de la tête qui peut être séparée en trois parties égales

schéma_dessin_zèbre_3

Ajoutez un cercle qui englobe l’œil et le bas de la mâchoire, partie très prononcée chez cet animal.

schéma_dessin_zèbre_4

Observons l’intersection des 2 droites dans le cercle.

– l’une part de l’oreille pour rejoindre l’œil et le museau

– l’autre, parallèle au bas du cou, coupe le cercle en deux.

L’intersection de ces deux droites indique précisément l’emplacement de l’œil.

Regardons maintenant notre figure plus en détails, car sur notre image, notre zèbre n’est pas totalement de profil. Il y a en effet une légère perspective à prendre en compte. La suite de ce cours de dessin va vous expliquer la technique à suivre.

Voici comment la réaliser :

schéma_dessin_profil_zèbre_1

J’ai commencé par tracer une  croix sur le dessus de la tête : une droite qui part du haut jusqu\’aux naseaux, puis une autre joignant le haut des deux yeux. Suivez ensuite l’emplacement et l’extrémité de ces droites pour tracer la forme rectangulaire qui englobe le dessus de la tête.

schéma_dessin_profil_zèbre_2

J’ajoute à ça la forme rectangulaire qui schématise l’avant du museau.

schéma_dessin_profil_zèbre_3

Puis je schématise le côté de la tête, toujours avec le cercle représentant la mâchoire et la transition du cou. On se rend bien compte maintenant de la perspective. Le zèbre tourne légèrement la tête, comme pour nous regarder.

2/ Technique pour dessiner les rayures au crayon.

Cette parure hypergraphique est vraiment ce qui caractérise cet animal et ce qui lui donne un aspect si singulier. La nature fait vraiment très bien les choses car ces lignes ont une régularité et une disposition qui semble très logiques. Tenez encore une fois bien compte de la perspective pour ne pas vous tromper.

Voici un détail de la tête :

rayure_zèbre_schéma

Observez comme les rayures suivent bien les volumes de la mâchoire.

rayure_zèbre_schéma_2

Ce détail du haut de l’œil nous montre bien l’effet de perspective qu’il faut respecter. Les lignes deviennent de plus en plus fines au fur et à mesure qu’elles s’éloignent de l’œil.

rayure_zèbre_schéma_3

On voit bien sur le détail ci-dessus la forme des rayures qui suivent l’arrondi du cou. Notez que le noir des rayures se prolonge naturellement sur la crinière.

Voici, après ces quelques détails, l’avancé de mon croquis.

esquisse-zèbre

Mes proportions sont là, mes rayures déjà placées, ce qui facilitera considérablement la mise en couleur. Mon dessin est donc prêt à être aquarellé. Nous verrons cela dans notre prochain cours de peinture en ligne.

Petite technique de dessin supplémentaire : faite votre dessin sur un papier assez épais, au moins 250g, l’idéal pour l’aquarelle étant  le 300g. Plus votre papier sera épais, moins il gondolera.

J’espère que cette méthode pour apprendre à dessiner cet animal, vous donnera comme moi, l’envie d’aller plus loin et depeindre ce zèbre à l’aquarelle

1/Voir la vidéo pour apprendre à peindre ce zèbre à l’aquarelle.

Même si les rayures du zèbre vous paraissent faciles à reproduire, nous avons vu que ça n’était pas le cas. Pour l’aquarelle, ne vous précipitez pas non plus. L’idéal est d’avoir plusieurs croquis rapides à mettre en couleur  pour vous échauffer, avant de passer à la mise en couleur de votre zèbre. Eh oui,  cet exercice vous montre ( une fois de plus!) que pour appendre l’aquarelle, la patience est votre meilleur amie.

 

2/Voici pour finir quelques conseils techniques pour peindre à l’aquarelle :

– Ne jamais trop foncer tout de suite, procéder par couches successives

– Ne pas trop mouiller votre feuille et votre pinceau, vous risquez d’avoir des tâches et des auréoles sur votre dessin

– Ne pas travailler à sec car vos couleurs seront trop brutes et pas assez nuancées

– Ne pas attendre que cela sèche pour retoucher une partie qui ne vous satisfait pas. Utiliser un papier ou un mouchoir pour absorber l’eau et la couleur sur la zone que vous souhaitez retravailler

Merci à Léo.

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Publié le par laurent
Publié dans : #oeuvre expliquée, #peintres

Dessin et peinture - vidéo 1451: Reproduction d'un tableau de Van Gogh "" 1888 - Huile sur toile.

 

Cette oeuvre intitulée" la plaine de la crau avec la ruine de Montmajour" est réalisée en 1888 par le peintre impressionniste Vincent van Gogh.

Cette ruine située tout près d'Arles, au pied des Alpilles, dans le département des bouches du Rhône, en France est connue sous le nom de l'abbaye de Montmajour

 

 

Vincent van Gogh, par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #techniques peinture

 

Cette manière d'entrevoir le dessin de modèles nus est intéressante, car relativement facile à comprendre et à réaliser. la succession de spirales vous permet d'apprécier les volumes.

 

Le dessin de modèle vivant..

.. ou l’art de dessiner des gens tout nus.

  Le dessin de nu combine à merveille le côté créatif et technique du dessin. Il nous apprend l’anatomie générale et la gestuelle. Il permet un tas d’expérimentations comme de dessiner des deux mains, dessiner un modèle en mouvement ou encore tester différents médium et différents styles !

Avant de rentrer dans le vif du sujet j’aimerais insister sur 2 points : L’importance des poses courtes et la rigueur dans le temps de pose.

 

L’IMPORTANCE DES POSES COURTES ! (30 s à 2 min)

dessin rapide modèle vivant

 

Elles font peur au début ces poses ..

« 30 secondes ?? J’ai déja du mal à dessiner qu’est-ce que vous voulez que je fasse en 30 secondes seulement ??? »

Testez et vous verrez bien. Dessiner rapidement vous empêche de trop penser, il est là le secret.

Vous faites ainsi beaucoup moins d’erreur et cela décoince votre trait.

( Ci contre un exemple de 20 secondes. )

 

 

UNE RIGUEUR DANS LES TEMPS DE POSE :

5 min c’est 5 min, si un coup le professeur s’arrête à 4 ou laisse trainer jusqu’à 7, ça ne va pas.

Déjà, savoir en combien de temps on peut dessiner, est important pour jauger son travail. Mais surtout, lorsque l’on dessine pour une certaine durée, on calibre sa vitesse, on ne s’y prend pas de la même manière pour un dessin de 2 ou 10 minutes !

Laisser trainer une pause ou la couper prématurément c’est vous faire prendre de mauvaises habitudes. Cela vous coupe l’herbe sous le pied ou vous fait faire des erreurs en vous laissant le temps de revenir sur votre dessin car « il reste du temps en plus ».

 

modele vivant dessin de nu

 

LIBÉREZ VOTRE TRAIT

Les débutants font souvent des traits hésitant de 1 à 2 cm, tout doucement .. presque de peur de brusquer la feuille .. (c’est qu’elle est susceptible la petite, je ne compte plus le nombre de fois où je m’y suis coupé !)

Au contraire, il ne faut pas hésiter à faire de grands gestes, quitte au début à faire plusieurs lignes et à souligner ensuite la meilleure. Lâchez vous !

 

 


Vous n’êtes pas là pour faire de BEAUX dessins mais pour apprendre à faire de BONS dessins.


 

modele vivant dessin de nu
Pour  un mouvement plus souple et sensible,levez la main de la feuille et faites partir le mouvement non pas de votre poignet mais de l’épaule  ! (Ou encore de l’orteil droit si vous êtes balaise).

Vous aurez peut être au début un geste moins précis mais d’une plus grande amplitude. La précision viendra avec l’habitude.

C’est également pour cette raison qu’on nous conseille de dessiner sur un grand format (format raisin : 50x65cm) tout en prenant le plus d’espace possible sur la feuille, ça permet de libérer le geste et d’avoir un regard plus large.

 

Ah et la gomme vous pouvez la jeter par la fenêtre !

Il ne faut pas avoir peur de gribouiller et de considérer son  dessin davantage comme le résultat d’une recherche qu’un dessin en lui même.

Le crayon HB est inutile, il ne vous donnera que des dessins fades et sans contraste. Un crayon plus gras vous permettra plus de nuances de gris. Perso du 2B pour l’illustration et du 3B ou 4B pour le dessin d’observation.

 


On peut utiliser différentes méthodes et différents médium :

Travailler les masses avec une craie noire, dessiner un modèle en mouvement, à l’aquarelle, marqueur noir, encre de chine à sec avec une brosse, dessiner sur du papier kraft brun etc…

modele-vivant dessin de nu

 

Un seul mot d’ordre : faites vous plaisir !  :)

 


 

Le dessin de modèle vivant a beau être génial, pour une connaissance approfondie de l’anatomie Il vous faut travailler à partir de livres spécialisés, de photos ou même en vous admirant devant un miroir.

je ne peux que vous recommander les livres de Burne Hogarth, c’est l’un des meilleurs sur le sujet. Il décompose le corps humain et met en lumière comment les grandes masses du corps se lient entre elles.

 

 

Sans oublier « Forces » de Michael Mattesi pour vous familiariser et comprendre les forces qui jouent derrière les lignes.

Quand je vous disais qu’il y a de quoi faire !

 

 

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Publié le par laurent
Publié dans : #techniques peinture

Dessin et peinture - vidéo 1449 : Je veux apprendre à peindre (Il faut progresser) -  conseil 7.

C'est l'été, avec ses premiers départs en vacances. La destination pour beaucoup d'entre-vous est le bord de mer et la recherche du soleil pour les plus chanceux. Un bain de fraîcheur s'avère donc indispensable. 

L'objectif et la motivation du jeune peintre doit être la progression, pour améliorer sa pratique. C'est chercher à peindre toujours mieux, en développant ses compétences dans l'apprentissage, la quantité mènera forcément à la qualité; C'est par la répétition des gestes, des décisions, des conseils, des observations que vient la maîtrise du geste. Le savoir-faire vient par la suite couronner les efforts acharnés.

Pour progresser, il s'agit de connaître les constituants de la peinture et de les travailler point par point par des séries d'exercices ludiques.

C'est par la composition, la recherche de couleurs, l'obtention de proportions plus justes que l'évolution se fait pas à pas.

En peinture, les résultats sont à la hauteur des efforts consentis. Bien peindre, c'est comme acquérir une technique dans le sport ou bien dans les arts. Il faut une volonté manifeste pour se donner les moyens de réussir.

Rien n'est acquis, même pour les "doués" !!!

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Publié le par laurent
Publié dans : #techniques peinture

 Matériel peinture à l'huile

Matériel aquarelle

 

Matériel peinture acrylique

 

La dimension artisanale est importante dans la peinture. Le support, les brosses, les pigments, les médiums.... 

Comme l'artisan, le peintre connaît bien ses outils, leurs effets et leurs limites. Il ne doit pas lutter avec son matériel qui doit lui permettre de concrétiser sa vision sensible des choses. 

Pour ne pas s'enfermer dans une technique, il est important d'en expérimenter de nouvelles; pour enrichir son savoir et ses possibilités.

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique

 

L'acrylique fluide est une variante de la peinture acrylique qui, comme son nom l'indique, est plus liquide (fluide) que les peintures acryliques «classiques» tout en gardant la même intensité de la couleur. Pour utiliser un langage plus technique, la fluidité de cette peinture lui permet d'avoir une faible viscosité, permettant à la peinture de couler tout en restant parfaitement accrochée à la toile.( En utilisant la peinture acrylique classique diluée à l'eau, vous perdrez l'intensité de la couleur, sauf si vous restez dans des quantités d'eau inférieures à 50%, additionnées de médium ). On peut aussi préparer le mélange en utilisant des encres colorées et en y ajoutant un médium pour aérographe de préférence.

 

Le flacon pour la réalisation des détails
   
Comment faire vos propres acryliques fluides - image © 2007 Marion Boddy-Evans
 

 

Étape 1: Trouver un récipient approprié (voir ci-dessus)


 
Comment faire vos propres acryliques fluides - image © 2007 Marion Boddy-Evans
 

Image © 2007 Marion Boddy-Evans

Étape 2: Ajouter de l' eau

Vous pouvez simplement utiliser l'eau pour diluer les acryliques, mais rappelez-vous que vous ne pouvez pas  dépasser les 50% d'eau, sinon vous courez le risque de voir  la peinture perdre ses propriétés adhésives. 

 

 
  
  

Comment faire vos propres acryliques fluides - image © 2007 Marion Boddy-Evans
 

 

Étape 3: ajouter de la peinture acrylique 'Normale'

Une fois que vous avez mis l'eau dans votre flacon, il est temps d'ajouter un peu de peinture. La quantité est à déterminer. Trop et la peinture ne sera pas suffisamment liquide, pas assez et votre acrylique fluide perdra l'intensité de sa couleur. Privilégier l'intensité de la couleur plutôt que la transparence.

  
Comment faire vos propres acryliques fluides - image © 2007 Marion Boddy-Evans
 

 

Étape 4: envisager de faire un entonnoir

Comment faire vos propres acryliques fluides - image © 2007 Marion Boddy-Evans
 

 

Étape 5: Mélanger le tout soigneusement 

Comment faire vos propres acryliques fluides - Image: © 2007 Marion Boddy-Evans.  Autorisé à About.com, Inc
 

 

Étape 6: Utilisation de votre Fluide acrylique

Comment faire vos propres acryliques fluides - image © 2007 Marion Boddy-Evans
 

 

Étape 7: Nettoyer l'embout lorsque vous avez terminé

Comment faire vos propres acryliques fluides - image © 2007 Marion Boddy-Evans
 

 

Etape 8: Assurer l' étanchéité pour éviter le séchage

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Publié le par laurent
Publié dans : #huile, #techniques peinture

Dessin et peinture - vidéo 1446 : Une technique intéressante pour réaliser un paysage montagneux - huile sur toile.

 

 

 

 

Quelques conseils et idées pour la réalisation de paysages montagneux enneigés 

 

Le matériel pour peindre ce paysage se compose;

- De 2 pinceaux larges ou spalters.

- De 2 spatules biseautées.

- D' 1 pinceau éventail.

- D' 1 pinceau effilé.

- De couleurs:

Dessin et peinture - vidéo 1446 : Une technique intéressante pour réaliser un paysage montagneux - huile sur toile.

  

La toile est préparée avec une sous-couche blanche liquide à base de gesso. La grille présentée en introduction permet de sécher le pinceau nettoyé au white- spirit ou à l'essence de térébenthine.

Peindre de la partie supérieure de la toile vers la partie infèrieure, les couches successives qui donnent la profondeur de champ. 

On commencera donc par le ciel; On prépare un mélange comprenant 50% de bleu phtalo et 50% de noir, soit d'ivoire soit de  mars, pour un ciel bleu nuit.

Pour un ciel moins profond, l'association de bleu phtalo et de blanc de titane suffira.

Cette teinte va recouvrir les zones célestes, séparées par des surfaces blanches, légèrement bleutées, qui vont accueillir les nuages. Un pinceau large permettra de bien étendre la peinture. La couleur bleutée résiduelle sera conservée (Il ne doit rester que peu de couleur bleutée sur le pinceau), elle se diluera dans le blanc de titane pour former la masse nuageuse.

Un pinceau sec viendra atténuer le blanc pur et celui légèrement bleuté pour proposer un ciel harmonieux et voilé.

Les nuages: sont composés de blanc de titane, d'une pointe de rouge, l'ensemble est déposé au pinceau éventail, en un mouvement circulaire, pour créer les volumes. La partie supérieure est celle qui définit la masse nuageuse volumineuse, la partie inférieure plus rectiligne est estompée avec la brosse spalter. 

Le lac: Au bleu phtalo, on associera une infime quantité de vert phtalo, cette teinte sera largement déposée sur la partie inférieure de la toile. 

 Les différents couteaux en peinture à l'huile ou acrylique. 

 

Les sommets enneigés: Du noir, du rouge cramoisi ou alizarine grimson et un peu de blanc sont associés pour former, à la spatule ou au couteau, les contours et la couleur de fond des montagnes. Cette couleur est déposée sur les pics, puis étirée avec le bord biseauté du couteau, peu chargé de peinture, depuis le sommet vers le pied des reliefs montagneux. Le spalter va permettre, sur le piémont, de donner cette sensation de brume. 

La neige

- La première technique proposée, pour neige abondante, consiste à prendre très peu de peinture blanche, avec le bord biseauté du couteau et à descendre,  sans pression, l'outil à peindre le long du flanc de la montagne. Cette fine pellicule de blanc va laisser apparaître par endroits la paroi rocheuse.

- Une autre technique va permettre de donner du volume aux sommets enneigés sur une montagne stratifiée, les couches successives de neige sont déposées parallèlement et horizontalement avec la tranche de la spatule pour donner cette impression. Chercher le point de fuite en perspective pour peindre les strates, d'un blanc légèrement bleuté, sur les faces ombragées des versants.

On procède de manière identique pour les sommets légèrement avancés. Les strates de neige qui sont situées à l'ombre seront d'un bleu très clair.

La forêt masquée par la brume:

Est représentée sur la toile, par les taches grisâtres de l'arrière-plan, déposées verticalement avec l'angle du pinceau large. La teinte obtenue est une association du mélange qui a servi à peindre les montagnes (bleu de Prusse+noir d'ivoire+rouge cramoisi), auquel on ajoute une touche de vert ou sap green, un peu de blanc, afin d'obtenir un gris légèrement bleuté. Ce gris doit être de plus en plus clair près de la brume.

Cette ligne d'arbres est d'un gris plus soutenu, lorsque le plan se rapproche de l'observateur.

La dernière ligne d'arbres la plus avancée, d'un gris profond (noir+bleu+terre de sienne brûlée+vert), est peinte avec vigueur par tapotements réguliers, au pinceau spalter chargé de peinture sur les 2 faces.

L'illusion du reflet de ces arbres dans l'eau est obtenue:

-En estompant verticalement, la partie inférieure de cette tache de peinture grise.

-En séparant, au pinceau éventail, ces 2 gris par une ligne blanchâtre représentant le rivage et les ondulations sur l'eau..

Les grands mélèzes: sont esquissés avec le coin du spalter chargé d'un mélange gris-vert comprenant du noir, du bleu phtalo, du bleu de Prusse, de la terre de sienne brûlée, du vert ou sap green. Cette technique de base pour la formation rapide des grands arbres est réalisée en tapotant la toile avec l'extrémité du pinceau et en exerçant une pression vers le bas. La couleur des troncs est la résultante d'un mélange, non homogène, de blanc et d'un peu de terre de sienne brûlée.

Le feuillage des buissons: L'extrémité plate du spalter que l'on tient horizontalement, chargé du mélange précédent, est écrasée sur la toile pour créer la couche primaire des buissons, en exerçant cette fois-ci une pression vers le haut. Les tiges sont grattées sur la toile avec la spatule. Le reflet dans l'eau est obtenu en tirant la peinture vers le bas et en séparant le bord de l'eau du reflet par une ligne discontinue qui délimite la berge.

 Le relief, le volume et la lumière du feuillage:

- Celui des grands arbres est accentué par l'ajout d'un mélange de vert clair (sap green), de jaune de cadmium clair et de noir (le noir et le jaune de cadmium donnent un très beau vert), pour suggérer la lumière qui éclaircit par endroits le feuillage des arbres. 

- Pour la végétation de bordure, le contraste et le vert tendre lumineux seront fournis par l'association de 3 couleurs chaudes (jaune de cadmium, ocre jaune, jaune indien) mais aussi par le vert des mélèzes, associé à du blanc et du jaune de cadmium clair ou de l'ocre jaune

Le couteau va encore servir à préciser le sens du courant par des vaguelettes blanchâtres qui strient la surface de l'eau, si l'on veut donner l'illusion d'une rivière qui prend sa source à partir du lac.

Pour le rocher, on réutilise la teinte de fond, qui a servie à réaliser les sommets enneigés et le brun des troncs d'arbres. Pour la berge, on la délimite avec les 2 teintes précédentes et un peu de blanc pour la luminosité et le reflet. Les souches d'arbres sont peintes avec du vert foncé et de la terre de sienne brûlée.

   

 

Bob Ross en vidéos, par laurentsaintgermain

   

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Publié le par laurent
Publié dans : #techniques peinture, #peintres

Etre curieux et s'intéresser à toutes les formes d'art et de peinture est un moyen d'approfondir ses connaissances dans ce domaine. Il faut mordre à pleines dents tout ce qui a un lien avec la peinture. 

Internet est une formidable source d'inspiration pour le peintre amateur ou professionnel. Certains sites sont payants (à éviter), d'autres gratuits sont publiés par des gens compétents qui animent des blogs dont le seul but est de faire partager leur savoir ( ça existe encore !!! ). Ce sont parfois de vrais mines d'or, à condition de faire le tri. Parfois les articles ou les vidéos publiées le sont dans une langue étrangère ( anglais, espagnol, russe, etc...), c'est donc au gestionnaire du blog ou du site de faire que l'explication soit la plus explicite possible. 

Tout est utile pour approfondir la connaissance de la peinture ( lire la presse spécialisée, participer aux forums artistiques, visiter des expositions, suivre des stages et puis visionner les vidéos ). Au sujet de la publication des vidéos, j'ai utilisé cette forme de communication pour mon blog, car je considère que la vision par le geste est plus utile parfois que la parole ou l'écriture.

Un dernier point à soulever: Une peinture est la reproduction en 3D d'un sujet ou d'un objet. Le volume, la profondeur de champ et toutes les caractéristiques qui entrent dans la composition d'un tableau ne peuvent en général, pleinement s'appréhender qu'in-situ. Ces dimensions particulières ne peuvent réellement s'observer qu'en se déplaçant et le rapport physique à l'oeuvre ne peut pas toujours se concevoir sur un écran.    

Les mouvements en peinture et les grands maîtres, par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #techniques peinture

Dessin, par laurentsaintgermain

Etre un bon peintre, c'est être avant toute chose un bon dessinateur. Le dessin est le point de départ d'une oeuvre, ce qui facilite la tâche pour entreprendre une belle peinture. Il est évident qu'être un piètre dessinateur rendra difficile la réalisation et la progression du peintre.

Aussi la pratique du croquis est indispensable pour progresser en dessin mais aussi en peinture." Voir ce qui est important" telle est le devise du dessinateur, il faut se concentrer sur l'essentiel et minimiser le superflu. Comme pour le "daily painting", il est nécessaire de pratiquer régulièrement pour intégrer les problématiques posées par la composition, le centre d'intérêt, les valeurs, les volumes, la profondeur de champ, les proportions, etc...

La pratique du dessin apporte l'assurance du geste et la rapidité dans la prise de décision.

Le peintre néoclassique français Jean, Auguste, Dominique Ingres se plaisait à dire que <<Le dessin comprend les 3/4 et demi de ce qui concerne la peinture>>

 

Jean, Auguste, Dominique Ingres, par laurentsaintgermain

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