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Le blog de lapalettedecouleurs.over-blog.com

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Des milliers de vidéos pour vous aider à comprendre le dessin et la peinture (aquarelle, huile, acrylique), mais aussi l'écologie des cours d'eau, la lecture en écoutant de la musique relaxante

Publié le par laurent
Publié dans : #huile, #fleurs

 

Dessin et peinture - vidéo 1919 : Deux fleurs à la peinture à l'huile.

roseBARRE.gif

Rien à dire, il suffit d’observer !

Vidéo peindre des fleurs, par laurentsaintgermain

roseBARRE.gif

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Publié le par laurent
Publié dans : #pastel et fusain

Afficher l'image d'origine

La grenade est le fruit du grenadier, arbre de la famille des lythracées. Autrefois considérée comme le fruit préféré des dieux égyptiens, elle est très appréciée aujourd'hui pour ses nombreuses vertus, notamment au niveau cardiovasculaire. Riche en vitamine C et en antioxydants, elle est tonifiante et peut être consommée sous la forme de fruit frais ou transformée en jus.

400/ Montée au Feu LAC d' AYRETTE ...

Le tutoriel

 Dessin de la composition 

        Pour ce tuto, choisir le papier pastel noir pour faire ressortir les couleurs contrastées des grenades. Transférer ou dessiner l’esquisse avec un crayon pastel blanc ou une craie.

Dessiner les petites feuilles

Renforcer les contours des feuilles avec un crayon ocre jaune, puis commencer à les colorer. Ensuite, avec un Jaune beaucoup plus clair, peindre les parties lumineuses. Avec une gomme mie de pain, ôter les marques en dehors de la partie peinte. Maintenant nous pouvons ajouter un peu de vert plus foncé pour les zones d'ombre.

Dessiner la  première grenade    

 

    Nous allons donner des couleurs à cette grenade en commençant par un peu de jaune pour la zone de surbrillance. Ombrer avec du rouge vif, puis les côtés avec de l’ocre jaune. Continuer à ombrer la grenade, puis avec un crayon jaune clair, dessiner les points les plus influencés de la partie supérieure. Finir en éclaircissant les côtés. Utilisez un rouge très foncé et brun pour les gammes tonales très foncées. Ne pas mélanger les teintes.

Dessin de la seconde grenade

 

La deuxième grenade est rouge, beaucoup plus foncée que la précédente. pour marquer une  forte transition dans la couleur. Ajouter d'abord la zone en surbrillance. Pour la zone ombrée, utiliser un crayon pourpre foncé.

Renforcer les détails  

  Ajouter les nuances pour bien marquer les craquelures de la peau du fruit qui éclate sous l'effet de la chaleur, peindre les bords de ces fentes, avec du jaune.Travailler l'attache de la partie supérieure de la grenade, son ombre portée sur le fruit et la lumière réfléchie sur le côté droit.

Répéter la procédure 

 Peindre les feuilles puis les grenades du compotier en prenant soin d'étudier les zones d'ombre et celles en surbrillance. C'est l'opposition clair-obscur qui va  donner de la rondeur aux grenades.

Peindre les rehauts de lumière. 

Utiliser:

- Le crayon pastel blanc pour travailler sur les zones de surbrillance.

 - Le crayon noir pour les parties les plus sombres des ombres.

Pour éviter de tacher le papier pastel noir, utiliser une feuille de papier sous votre main, car les taches sur cette couleur de support sont facilement visibles.

Finir l'arrière plan derrière les feuilles vertes, avant de d'entreprendre leur réalisation. les teintes sont identiques à celles utilisées au premier chapitre, à l'exception des ombres d'un vert plus profond, parce que situées loin de la principale source de lumière.

 les fruits qui occupent la partie droite du compotier, loin de la source lumineuse, située à gauche de la composition, sont naturellement plus sombres. 

Dessiner les feuilles dans l'ombre

 Pour les feuilles à droite, il est préférable de peindre toutes les zones les plus claires avant d'ajouter les zones d'ombre plus foncées. Il est plus facile de procéder de cette façon. Seules les pointes de ces feuilles captent la lumière. Faire des comparaisons avec la photographie.

 Peindre le petit fruit

Terminez le petit fruit. Il est d'un bleu verdâtre complémentaire du rouge orangé des grenades. 

Améliorer avec un pastel doux

 Avec une craie de pastel rouge illuminer les grenades.

Peindre le compotier

 Commencer par souligner les motifs avec un crayon blanc, Puis avec un crayon bleu clair, remplir l'ensemble du compotier. Ajouter les quelques feuilles restantes. Délimiter les bords de l'objet. 

Préciser l'influence de la source lumineuse

Après avoir positionné la couleur de base, utiliser un crayon blanc pour ajouter les zones en surbrillance (motifs et parties bombées du compotier). 

Dessiner le bord de la table

 

C'est ce qui va indiquer que le compotier et les grenades ne sont pas en suspension dans l'air. Ajouter le bord de la table avec un crayon marron clair.

 

400/ Montée au Feu LAC d' AYRETTE ...

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Publié le par laurent
Publié dans : #pastel dessin et fusain

 

 

Dessin et peinture - vidéo 1918 : Quelques vidéos de dessins en accéléré.

EMOTICON crayons 25

Le moineau de nos villes et nos campagnes

EMOTICON crayons 28

 

Dessin et peinture - vidéo 1918 : Quelques vidéos de dessins en accéléré.

Des noix plus vraies que nature

EMOTICON crayons 27

 

Dessin et peinture - vidéo 1918 : Quelques vidéos de dessins en accéléré.

 

Cette nature morte est réalisée sans interruption, d'un seul trait continu de stylo bille.

EMOTICON crayons 21

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #huile

 

Dessin et peinture - vidéo 1920 : En lisière du bois par une belle journée d'automne - peinture asiatique à l'acrylique ou à l'huile.

48/ SALAGOU : Mont LIAUSSON et son Village ...

On peut si nécessaire désactiver le son

Un glacis est une couche de peinture transparente (huile ou acrylique) qui peut être appliquée sur un fond, un autre glacis ou même un empâtement. La lumière qui traverse le glacis, tout en étant modifiée par celui-ci laisse apparaître la "sous couche". C'est le cas sur cette vidéo, où l'on réalise en premier lieu les arbres qui vont occuper le fond du paysage. Sur cette sous couche, on recouvre les arbres avec un glacis bleu-ciel, qui va faire disparaître la végétation. Avec un papier absorbant, on retire l'excédent de peinture encore humide, pour faire place à un sous-bois noyé dans la brume. Le but recherché est atteint.  

Cette technique a été beaucoup utilisée par les plus grands peintres de la Renaissance au XIX ème siècle. Pour obtenir des effets intéressants, il est possible de superposer les glacis, en laissant sécher entre chaque glacis.  

De nombreux médiums et vernis peuvent être mélangés à la peinture pour obtenir transparence et translucidité. il n'est pas toujours nécessaire de traiter en glacis la totalité du tableau, mais seulement une partie.

48/ SALAGOU : Mont LIAUSSON et son Village ...

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Publié le par laurent
Publié dans : #huile

Dessin et peinture - vidéo 1914 : Le vase de dahlias - peinture impressionniste à l'huile.

2/ MYLENE FARMER  + vers 2014 : TIMELESS 2013 !!!

 MYLENE FARMER 2015 : Mise à jour du 08/11 ...

 

        Si vous désirez écouter de la musique relaxante, tout en regardant la vidéo de démonstration sur cette page:

Cliquer sur l’image carrée de la vidéo musicale choisie, une page youtube s’ouvre et lance la vidéo en musique.

      Réduire la fenêtre de la page youtube, en cliquant sur le moins tout en haut et à droite. Plus de page, mais de la musique.

       Rouvrir la page de "lapalettedecouleurs" contenant l’article sous fond de musique.

Lire la vidéo consacrée à la réalisation du bouquet de fleurs et le tour est joué en musique. 

 

Vidéos musiques relaxantes, yoga, méditation, par l'équipe livres audio, pdf et musique relaxante

 MYLENE FARMER 2015 : Mise à jour du 08/11 ...

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #paysage, #peinture abstraite

 

Dessin et peinture - vidéo 1915 - Démonstration en triptyque d'une peinture abstraite à l'acrylique - soleil couchant sur mer agitée.

Cliquer sur l'image pour l'agrandir

 

2/ MYLENE FARMER  + vers 2014 : TIMELESS 2013 !!!

Vous pouvez accélérer la  vitesse de lecture de la vidéo, en cliquant sur la roue dentée située en bas à droite et faire varier le nombre.

2/ MYLENE FARMER  + vers 2014 : TIMELESS 2013 !!!

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Publié le par laurent
Publié dans : #aquarelle, #techniques peinture, #corps humain

Dessin et peinture - vidéo 1916 : Tout est dans le regard - peinture aquarelle.

Collection : GASTON : TEST 2014 + L' INTEGRALE 2015 : Mises à jour ...

La technique utilisée pour la réalisation de l’aquarelle est celle dite « humide sur humide » ou « mouillé sur mouillé ».

 

Qu'est ce que la technique « humide sur humide » ? 

 

La technique humide sur humide est une méthode propre à l'aquarelle. Considérée comme la technique la plus délicate à contrôler, elle est essentielle à bien des égards.

 

La difficulté réside dans la maîtrise de l'évolution du degré d'humidité du papier associée à l'application de pigments en gérant convenablement l'eau et les pigments présents dans les pinceaux.

 

Cette technique permet de faire des fusions de couleurs de toutes sortes, douces et légères, intenses et contrastées, différents degrés de flous, jusqu'au retraits de couleurs pour rattraper le blanc du papier et donner ainsi une ambiance et une atmosphère toute particulière.

 

Cependant, comme pour toute aquarelle, l'étape principale reste avant tout la réflexion avant de peindre (réserves, points, forts, harmonie des couleurs, élimination du superflu..).  Avoir conçue son aquarelle mentalement avant de commencer à pendre est une des clefs de la réussite et permet d'aborder sans trop d'appréhension son travail.

 

Une fois le papier imbibé d'eau vous avez un certain temps pour intervenir en fonction de l'avancement du séchage. L'expérience et surtout la pratique vous permettra de déterminer à quel moment intervenir pour la réalisation d'un effet particulier.

 

Collection : GASTON : TEST 2014 + L' INTEGRALE 2015 : Mises à jour ...

Dessiner les yeux, par laurentsaintgermain

Collection : GASTON : TEST 2014 + L' INTEGRALE 2015 : Mises à jour ...

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Publié le par laurent
Publié dans : #aquarelle, #pastel et fusain, #paysage

415/ AUTOMNE 2014 ...

Pourquoi les feuilles des arbres changent-elles de couleur en automne?

Réponse simple :

La couleur verte des feuilles est due à un pigment présent en grande quantité dans les cellules de celles-ci: la chlorophylle . Cette substance nécessaire à la nutrition de la plante est en permanence renouvelée durant le printemps et l’été.  

La teinte verte du feuillage est due à une grande concentration de chlorophylle 

En automne, les nervures chargées de transporter la sève irriguent de moins en moins bien les extrémités des feuilles . La chlorophylle ne peut donc plus être remplacée efficacement et son taux se réduit progressivement.

La diminution de la chlorophylle au sein de la feuille permet de révéler la présence d’autres pigments auparavant masqués par la teinte verte prédominante . La feuille passe alors par différentes teintes jaunes, orangées et rouges à mesure que ses pigments se dégradent.

La variation de teinte des feuilles est en fait due à une décoloration successive 

Une fois que la sève n’irrigue plus du tout la feuille, celle-ci se détache de son support et finit sa décoloration après être tombée .  

Les feuilles se déshydratent et finissent par perdre toutes leurs couleurs à la fin de l'automne 
(Source : intra-science.com)
    

415/ AUTOMNE 2014 ...

Peindre des arbres en automne, par laurentsaintgermain415/ AUTOMNE 2014 ...

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Publié le par laurent
Publié dans : #aquarelle, #corps humain

Dessin et peinture - vidéo 1910 : La fille aux roses et aux papillons - portrait à l'aquarelle

96/ Barres, Lignes de Séparation ....

96/ Barres, Lignes de Séparation ....

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Publié le par laurent
Publié dans : #peintres, #oeuvre expliquée, #Peinture acrylique

Dessin et peinture - vidéo 1911 : Une oeuvre expliquée de Edvard Munch (1863-1944) - "Le cri" 1893 - Une démonstration à l'acrylique (étape par étape).

400/ Montée au Feu LAC d' AYRETTE ...

 

Utiliser un médium mat ( gel transparent qui n’altère pas la couleur) pour améliorer la consistance des mélanges durant toutes les étapes de la création de cette copie, pour faciliter l' interpénétration des couleurs et pour travailler Les ombres et les reflets du visage.

l'esquisse du dessin est réalisée à la craie blanche, le dessin est très simplement composé de courbes et de traits rectilignes, ce qui montre déjà le caractère tortueux et angoissant qui relève de la psychanalyse. C'est sur une toile préparée avec une teinte composée de terre de Sienne diluée a laquelle on associera un peu d'orangé de cadmium que le décor est planté.

Pour donner de la force à la peinture, respecter les ondulations orangées et jaunes du ciel tourmenté (des courbes bleutées seront ajoutées en cours de réalisation).

Les montagnes sinueuses, à l'arrière plan du fjord, sont d'un bleu nuit très profond (noir, terre d'ombre et des rehauts de bleu de céruléen pour les reflets).

 La teinte qui illumine, Par son éclat, L'eau du fjord et la partie droite du tableau, est composée de bleu, de terre d'ombre associés à beaucoup de blanc de titane et de médium, on y ajoutera un peu d'orangé de cadmium dans un deuxième temps, après la réalisation des rambardes du pont.

En opposition à la partie supérieure de la toile, tout en ondulations et en courbures, le pont et sa rambarde vont, de manière rectiligne, transpercer la partie inférieure du tableau par une succession de coups de pinceau parallèles qui vont déposer de la couleur bleue et orangée, en faisant coexister ces 2 couleurs complémentaires, pour donner plus de force à la scène, autour du personnage. Les madriers qui constituent le revêtement sont précisés par ajout de blanc.

L'intense lumière qui provient de l'arrière plan vient éblouir la scène et rehausser de blanc, d'orangé et de jaune, les rambardes de l'ouvrage de bois et la tablier du pont.

Esquisser avec du noir ou du brun, les silhouettes des personnages qui s'éloignent de la scène, Puis celle du personnage principal avec un bleu-nuit.

La tête livide du personnage central s'exprime dans un gris blanchi par la douleur intérieure (blanc+bleu+brun). La même teinte est utilisée pour les mains qui effleurent le visage et pour le cou. Les orbites des yeux et la bouche sont d'un gris plus soutenu. Les yeux qui sortent de leur orbite sont blancs, un point noir vient marquer la pupille de l'homme en pleine souffrance, ce noir que l'on retrouve autour de la bouche grande ouverte. Une gamme de gris va enfin modeler la tête pour obtenir l'expression d'un visage exsangue.   

Le matériel utilisé se compose essentiellement de:

  • 3 pinceaux plats de taille variable en fonction de la dimension de la toile.
  • 1 pinceau plat à arête biseautée
  • 1 petit pinceau pointu et effilé.

  • Et ci-dessous, la palette de couleurs proposée.
     

Dessin et peinture - vidéo 1911 : Une oeuvre expliquée de Edvard Munch (1863-1944) - "Le cri" 1893 - Avec une démonstration à la peinture acrylique (étape par étape).

400/ Montée au Feu LAC d' AYRETTE ...

L'artiste a associé une note dans un de ses journaux a propos de cette œuvre: « J'étais en train de marcher le long de la route avec deux amis - le soleil se couchait - soudain le ciel devint rouge sang – j'ai fait une pause, me sentant épuisé, et me suis appuyé contre la grille - il y avait du sang et des langues de feu au-dessus du fjord bleu-noir et de la ville - mes amis ont continué à marcher, et je suis resté là tremblant d'anxiété - et j'ai entendu un cri infini déchirer la Nature ».

 

C'est une composition qui appartient au domaine de l'art figuratif . Elle possède un point de fuite situé à gauche et une grosse bande verticale le long du tableau à droite. On peut donc déduire le sens de lecture, de la droite vers la gauche. Le spectateur est inclus dans le tableau en se trouvant devant le personnage central ce qui nous donne l'impression de vivre la scène.
On peut distinguer plusieurs parties distinctes sur ce tableau.

 

En premier la partie inférieure gauche du tableau. C'est elle qui donne le point de fuite grâce à la barrière et au sol du pont qui sont peint de façon rectiligne. Au niveau du point de fuite on aperçoit deux ombres représentant des personnes qui semblent s'éloigner du personnage central (représentant l'artiste d'après la note associée à l'oeuvre). On retrouve dans cette partie des couleurs rougeâtres assez sombre.

 

Ensuite le ciel contrairement à la partie précédente est extrêmement sinueux les courbes sont horizontales et en le regardant on comprend aisément l'expression «  langues de feu » que l'artiste a employé.

 

Enfin la partie centrale de l’œuvre qui illustre le fjord, le précipice situé à droite et les montagnes au fond. Celle ci comme la partie précédente est extrêmement sinueuse mais ici les courbes sont verticales et nous donnent une impression de vertige. Cette zone centrale crée un contraste de couleur entre le bleu sombre du fjord qui vient choquer contre le rouge ardent du ciel qui est appuyé par l'alternance des courbes.

 

On peut remarquer que l'artiste a échangé les couleurs du ciel et de la terre comme pour troubler le spectateur et appuyer la sensation de « cri » déjà représenté par toutes ces courbes qui déforment l'image. Le fjord est tellement courbé qu'il en tombe dans le précipice à droite de l'image.

 

On ne semble pas pouvoir échapper au cri de la Nature, à moins de se boucher les oreilles; ce que fait le personnage central . Le spectateur ne peut échapper au vertige des courbes: à droite la barre verticale à gauche le point de fuite. Ce vertige s'exprime de l'angoisse provoquée par le personnage central, comme le pressentiment d'un malheur que les deux personnages à l'arrière-plan semblent ignorer.

 

Le personnage central est représenté vraiment étrangement, on dirait qu'il est déjà mort , une sorte de mélange entre un fantôme dont le corps ondule et flotte dans les airs et un squelette ou un cadavre de par sa tête qui semble être dépourvue de cheveux, ses yeux qui semble creux et sa bouche grand ouverte. Sa bouche semble penser qu'il est en train de crier lui aussi pourtant en même temps il se bouche les oreilles. Ce qui pourrait nous faire penser à une sorte de cri intérieur que l'artiste a essayer de représenter en se représentant de cette façon. Un cri pour montrer sa peur de la maladie et de la mort et par la même occasion de sa solitude d'où l'éloignement par rapport aux autres personnages.
On pourrait aussi renforcer l'idée de la mort par la position à gauche des hommes et à droite du précipice (l'enfer) et de la barre verticale marquant un arrêt : la mort.

 

Enfin on peut remarquer qu'aucune partie de ce tableau est complètement claire et nette, on a l'impression qu'un flou est présent sur toute l'image. Autant les personnages au loin que les bateaux, le village ou même que le personnage central du premier plan. Ce qui peux renforcer l'idée de la peur de la maladie de l'artiste qui était atteint d'une hémorragie du vitré .

 

On peut donc dire que ce tableau d'Edvard Munch de part son angoisse qu'il suscite ne peux pas laisser le spectateur indifférent. Il faut d'ailleurs savoir que l'artiste l'a représenté d'une cinquantaine de façon différentes et que c'est une œuvre qui a donné naissance au courant surréaliste

400/ Montée au Feu LAC d' AYRETTE ...

Edvard Munch, par laurentsaintgermain

400/ Montée au Feu LAC d' AYRETTE ...

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