Différentes versions sont proposées, qui aboutissent par l'utilisation de couleurs et de teintes sensiblement identiques, à la réalisation de cette marine romantique.

Peindre les bananes, par laurentsaintgermain

 Quelques conseils pour pratiquer la peinture en plein air:

- Choisir un moment de l'année offrant une météo clémente, même après un épisode neigeux. Il est indispensable de peindre dans les meilleures conditions météorologiques et ne pas avoir à lutter contre les éléments. 

- Amener un parapluie avec soi pour contrôler l'ombre projetée sur la toile ou les insolations,  prévoir un système de fixation qui s'adapte au déplacement du soleil, un tabouret et un chevalet qui garde une bonne stabilité.

- Privilégier l'utilisation d'une petite palette et le petit matériel que l'on pourra ranger dans la "boite chevalet".

- La petite palette recevra le minimum de couleurs de base, comme le montre celle proposée ci-dessus. La tendance est de se laisser happer par la multiplicité des couleurs et attiré par le paysage de ne pas voir l'essentiel des teintes utiles, préférer la simplicité.

- Utiliser de la peinture fraîche à peine sortie du tube, pour obtenir des couleurs puissantes et des contrastes pertinents. Recouvrir la palette lorsque l'on travaille en extérieur.

- Prendre le temps de bien observer le paysage, se déplacer pour trouver le meilleur point de vue et le centre d'attraction ou d'intêret, qui se trouve parfois à coté de l'endroit choisi.

- Essayer de prévoir le déplacement de la lumière sur les objets, en observant le  parcours des rayons du soleil, en anticipant le positionnement de la scène et en posant immédiatement les ombres, pour se consacrer essentiellement à la lumière. En peignant en plein air, on capte plus facilement la sensation de lumière, bien que celle-çi soit plus difficile à fixer que les ombres.

Lorsque la visibilité horizontale varie entre 1000 et 5000 mètres, on parle de brouillard. lorsqu'elle est inférieure à 1000 m, on parle de brume.

La vidéo nous permet de peindre ce phénomène météorologique particulier qui est la résultante de la condensation de fines gouttelettes d'eau ou de glace.

La brume sèche se forme en général pendant les périodes de beau temps, elle est accompagnée d'un peu de vapeur d'eau et elle est constituée par un mélange de fumée, de sable, de poussière et de particules d'impuretés dans les couches plus basses de l'atmosphère.

La brume humide est constituée de beaucoup de gouttelettes d'eau, cela peut entraîner rapidement du brouillard et diminuer la visibilité.

Avec la brume, les objets situés au premier plan d'un paysage sont visibles distinctement.

Le but est donc de réaliser, de manière diffuse, l'arrière plan du paysage voilé par la brume et d'y associer le premier plan qui en émerge à partir d'une peinture déjà esquissée.

Un médium est déposé sur la partie basse de la toile, pour pouvoir repeindre sur la peinture acrylique.

- A partir d'un mélange de blanc de titane, d'un peu de bleu de cobalt et de violet dioxazine, on crée ce voile léger et dilué qui vient couvrir, sans le cacher, cette partie du tableau pour créer cet atmosphère particulier.

La réalisation des détails du premier plan s'effectue alors de manière classique à partir de mélanges de couleurs:

- Vert clair (sap green) et un peu de terre de sienne brulée pour le fond végétal le plus foncé ( herbe, feuillage; etc..) qui sera éclairci par ajout de blanc, pour créer les contrastes jusqu'à la limite de la brume.

- le mélange, ocre jaune, blanc et vert, va être déposé sur les parties lumineuses du premier plan végétal, pour donner de la profondeur de champ en dégageant les bosquets. Dans ce mélange, l'ajout d'ocre jaune et de blanc va créer par différents tons, le relief nécessaire à la concrétisation de cette partie du champ.

- Le piquet de bois qui est implanté sur un point nodal (règle des tiers) sera peint avec le mélange le plus foncé (brun van dyck et bleu de cobalt) pour la partie sombre et avec de la terre de sienne brulée et du blanc, pour le poteau éclairé par la lumière diffuse. Il est un point de fixation du regard et invite l'observateur à entrer dans la composition. 

Dans cette leçon, nous allons apprendre à dessiner un cheval en mouvement avec des crayons de graphite. Bien que ce dessin puisse sembler difficile à réaliser pour un débutant, nous allons partager le processus en deux étapes simples.

La première étape se concentrera sur le dessin de la forme de base du cheval avec des lignes lâches et légères. On se focalisera sur les contours du sujet. Cette première étape est rapide mais essentielle. Nous sommes soucieux de trouver les bonnes proportions.

La deuxième étape se concentrera sur le développement de la tonalité et les contrastes pour la mise en valeur des volumes, donc des zones lumineuses et sombres du dessin. Cette étape qui prend du temps va donner vie à la forme du cheval et créer l'illusion nécessaire pour que la robe de l'animal soit réalisée avec exactitude.

Matériel pour le dessin

  Le dessin ne nécessite pas un investissement énorme pour le matériel. Un support de qualité (papier en principe) et quelques crayons de dessin sont tout ce qui est nécessaire pour créer un travail réussi. Alors que de nombreux fabricants de crayons vendent des ensembles de crayons avec une variété de dureté graphite, du H dur au B très tendre, en passant par le HB. Nous utiliserons pour ce dessin que du  "HB" et "2B".

Esquisse des contours

Nous esquisserons avec des traits légers les contours ou les lignes de construction du cheval (droites ou courbes), pour éviter de détériorer le grammage du papier.c. Il s'agit d'une esquisse qui pourra être modifiée à tout moment.  

 

Travail des ombres et de la lumière 

- Une fois les lignes de contours en place, on va approfondir le ton et la valeur en faisant apparaître le volume de l’animal au moyen de hachures espacées pour les zones lumineuses et plus rapprochées pour les ombres. Nous commencerons par la tête du cheval puis par la partie gauche du corps de l’animal, afin d'éviter le maculage (pour les droitiers), c’est à dire salir le dessin avec la pomme de la main posée sur la feuille. Les traits doivent être légers, car si l'on noircit trop vite le corps de l'animal, il sera difficile, voire impossible, d'effacer les erreurs commises.

 

-         Nous allons progressivement et patiemment travailler le long du corps du cheval, en prêtant attention aux changements subtils de ton et de valeur, nous pouvons développer l'illusion des muscles du cheval présents sous la peau.

Dans les parties du corps où les contours croisés sont un peu plus difficiles à dessiner par simple hachures classiques, sans utilisation de l'estompe, nous pouvons appliquer les traits du crayon graphite par des mouvements courbes, en épousant la forme de la zone à dessiner (par exemple le poitrail), pour créer des transitions homogènes de ton et de valeur. La pression sur le crayon doit être constante. C'est le resserrement de l'espace entre les hachures et la superposition des couches qui produit une transition de valeur uniforme.

 

Le mouvement

-         De nombreux facteurs jouent un rôle dans la façon dont nous approchons les parties du dessin et dans la manière d’aborder le sujet dans son milieu naturel :

-         Le cheval est à l'extérieur, les ombres projetées sous la tête, le corps et les parties de la jambe arrière, mais aussi le jeu de l’ombre et la lumière sur la robe de l’animal sont là pour montrer l’influence de la lumière du soleil naturel.

-         Le cheval court également dans un champ de terre sablonneuse . Ce mouvement est accentué par la présence de la poussière. L'inclinaison du corps du cheval contribue à accentuer  cette illusion.

 

La mise en relief se poursuit à l'arrière du cheval. Pour chaque partie du corps, nous portons toujours une attention particulière à la forme, car c’est elle qui dicte l’orientation des traits directionnels appliqués au crayon. La queue du cheval est dessinée avec des traits aux orientations multiples et Courbes, parfois très fines, aux variétés multiples.

 

 

-        L'ombre portée sous le cheval est un autre élément important qui indique la présence de la lumière naturelle et la renforce. Dans ce cas, il n'est pas nécessaire d'inclure plus d'informations autour du cheval, qui devient alors le sujet central de la composition où la structure détaillée de l'ombre vient compléter les informations nécessaires.

Il est temps à présent d’affiner les contrastes ombre-lumière pour élargir la gamme des valeurs, en utilisant le crayon 2B à la place du crayon HB. 

-         Une fois le dessin arrivé à son terme, nous pouvons utiliser une gomme "mie de pain", c'est la seule gomme qui permet d'effectuer des retouches ou d'enlever des taches ou des marques de crayons graphite.

 

Comme avec n'importe quel support de dessin, la réussite d'un sujet, avec le crayon graphite ou le fusain, exige de la patience et de l'attention aux changements subtils de valeur. En travaillant lentement, nous aurez le plein contrôle de l'effet recherché, peu importe le sujet que vous essayez d'aborder. Commencer par les hachures les plus espacées et par conséquent les plus claires, terminez par les ombres aux hachures plus serrées en devenant plus précis.

 Peindre Les chevaux en vidéo, par laurentsaintgermain