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Le blog de lapalettedecouleurs.over-blog.com

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Des milliers de vidéos pour vous aider à comprendre le dessin et la peinture (aquarelle, huile, acrylique), mais aussi l'écologie des cours d'eau, la lecture en écoutant de la musique relaxante

Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #huile, #marine

 

Photo de référence Wave

 

Dans cette vidéo , nous étudierons comment peindre une vague en formation, en  Créant cette spontanéité qui peut sembler une tâche ardue. Mais avec un peu de patience, une compréhension dans l'utilisation du pinceau et la mise en valeur des couleurs appropriées, ce processus est réellement gérable et assez amusant à réaliser.

 

Matériaux pour cette peinture

Matériaux suggérés

 

  • Peintures acryliques Liquitex
  • Panneau Gesso
  • Brosses en nylon
  • Crayon en graphite «H»

Pour cette leçon et pour un budget normal,  je vous recommande les couleurs par Basics de chez Liquitex.

Nous allons travailler sur une toile légèrement texturée et recouverte de gesso. Cet apprêt va éviter que l'eau ne soit absorbée rapidement, à cause de la qualité moyenne des toiles vendues à bas prix dans le commerce et va permettre aux aux couches de peinture de mieux fusionner en créant des transitions plus douces. 

Il existe une variété de types de pinceaux qui fonctionnent bien avec les peintures acryliquesCertains artistes préfèrent les brosses à poils de porc plus rigides pour les supports entoilés, qui conviennent mieux aux applications de couleur épaisses. Pour les surfaces telles que les panneaux, on utilisera des brosses à poils de nylon, plus doux.aux variétés de nylon plus doux.  

Mélanger des bleus et des verts

La peinture que nous allons créer comporte une variété de vert, de bleu et de bleu-vert (turquoise). Nous allons utiliser une variété de pigments pour créer les couleurs de l'eau et les turquoises que nous trouvons dans les vagues et le ciel. 

Pour la majorité de la peinture, nous allons nous en tenir à une combinaison de bleu céruléen, de bleu de Prusse et de vert émeraude. Pour ajuster les valeurs de ces teintes, nous utiliserons le gris de Payne qui est un gris foncé et plus froid. Cela est particulièrement vrai dans un tableau comme celui-ci où une obscurité plus froide est nécessaire pour créer des valeurs plus naturelles et plus sombres.

Voici un aperçu de tous les pigments utilisés  (le blanc de titane n'est pas représenté)…


Couleurs utilisées pour peindre les vagues

La vague dominante au milieu de la composition et les zones juste en face de celle-ci sont beaucoup plus lumineuses et de teintes légèrement différentes. Nous devrons mélanger un turquoise légèrement différent, afin de nous assurer que cette zone contraste avec les parties environnantes.

Pour faire un bleu turquoise plus lumineux et proche de la couleur de l'eau,, nous allons utiliser un mélange de bleu phtalo et de vert phtalo. Pour que cette couleur soit conforme, nous allons y ajouter un peu de blanc de titane.

Mélanger une Turquoise brillante

La photo de référence va nous aider à préciser  les valeurs , les formes et les textures, tout en nous laissant un espace de liberté créatrice. 

Mise en place des formes, de la couleur et des valeurs.

Nous commençons par l'horizon et par les grandes surfaces à peindre, sans se préoccuper des détails, en dessinant les grandes lignes avec un crayon graphite "H". 

En partant de la surface la plus éloignée de l'observateur, on dépose des aplats en progressant vers le premier plan. 

Le ciel est traité globalement, avec un mélange de bleu céruléen, d'une touche d'outremer, de bleu de Prusse, de gris de Payne et de blanc de titane. Nous allons remplir le ciel avec une application solide.

Une fois que le ciel est complètement sec, nous pouvons utiliser du ruban adhésif pour tracer la ligne d'horizon, démarcation entre ciel et mer. 

On peindra les eaux proches de l'horizon avec un bleu profond, association de bleu de Prusse et de gris de Payne.  

Au fur et à mesure que nous nous rapprochons de l'observateur, le bleu devient plus vert en remplaçant progressivement le gris de Payne par du vert émeraude,  

Blocage dans les couleurs initiales

Le plan suivant laisse la place à du bleu céruléen.

Au tout premier plan, un bleu de Prusse associé à du gris de Payne vient créer un triangle plus sombre. 

 Les vagues lointaines

Après avoir retiré le ruban adhésif, nous pouvons commencer à développer la présence d'ondes lointaines. L'illusion d'ondes, comme avec tout autre sujet, dépend de l'utilisation de la valeur. La valeur, l’obscurité ou la légèreté de la couleur, crée l’illusion de forme et de texture dans un dessin ou une peinture.

En positionnant des valeurs plus claires et plus sombres, nous pouvons créer l’illusion de vagues lointaines et de volume.

Peinture des reflets et des ombres sur des vagues lointaines

Les coups de pinceau, plus sombres et plus clairs, appliqués aux ondes sont courts et rapprochés, mais au fur et à mesure que nous progressons, ils s’agrandissent avec plus d’espace entre eux. Au milieu, nous commençons à voir des formes triangulaires clairement définies de tons plus sombres avec de forts traits diagonaux plus clairs situés vers le haut.

  Pour les vagues lointaines, nous utilisons le bleu de Prusse et le gris de Payne, en ajoutant du blanc de titane pour les reflets et du gris de Payne pour les ombres. Mais au fur et à mesure que nous travaillons vers le centre, nous commençons à ajouter le vert émeraude.

Définir la forme des vagues

Nous continuerons à travailler avec les valeurs claires et sombres pour développer l'illusion de la forme et du volume de chacune des plus petites vagues et ondulations.  

Contraste croissant et ajout de reflets aux vagues

Cette phase consiste à détailler la réalisation de la vague du second plan, en éclaircissant la teinte et le bleu-ver plus épais, puis en peignant l'écume sur la partie supérieure. 

Les couleurs et les valeurs de la déferlante

Nous sommes maintenant prêts à passer à la vague du premier plan, qui deviendra finalement le point central de la peinture. La source de lumière provient d’en haut et légèrement derrière l’onde. Cela signifie que lorsque la vague se brise et s'amincit au sommet, une lumière pénètre par l'arrière. Cela produit des valeurs de plus en plus claires vers le sommet de la vague.

Les teintes sont plus claires, plus intenses et légèrement différentes des couleurs qui entourent cette vague. Comme nous l'avons mentionné précédemment, nous utiliserons un bleu turquoise à tendance verte. Cette couleur est plus lumineuse et contrastera avec les verts bleus qui l’entourent.

Peinture des couleurs initiales pour la vague moyenne

Cette couleur turquoise plus brillante est obtenue à partir d'une combinaison de bleu phtalo et de vert phtalo ( 2 couleurs idéales pour peindre la mer), puis éclaircie avec du blanc de titane. 

Ajouter et peaufiner les détails de la vague

Nous pouvons maintenant passer en revue les formes, les couleurs et commencer à affiner les détails. Ce processus consiste à se servir des coups de pinceau pour  donner un sens et une direction à la vague et à l'écume. 

Peindre les détails de la vague

 L'eau est en mouvement et nous voulons que cette sensation de mouvement soit évidente dans le tableau.

Afin de capturer ce mouvement de l'eau, nous allons diriger les coups de pinceau  en fonction du «flux» de la vague. Nous pouvons voir ce déplacement illustré ci-dessous…

Coups de pinceau directionnels pour la vague moyenne

Lorsque la vague descend ou monte, les coups de pinceau doivent également suivre le mouvementDans la courbure de la vague, les coups de pinceau sont principalement diagonaux.

On trouve également des traits directionnels au sommet de la vague, lorsqu'elle se retourne. Ces coups de pinceau contrastent avec les traits diagonaux de l'intérieur.

Coups de pinceau directionnels sur le dessus de la vague

Comme nous l'avons fait avec notre première vague, nous allons ajouter l'écume le long du sommet de la vague. Remarquez à quel point l'écume change de forme, de valeur et de couleur au fur et à mesure de son avancée.

Pour faire ressortir davantage la partie la plus claire des embruns, nous ajouterons  une touche de jaune cadmium au blanc titane. Cet ajout subtil de jaune augmente le contraste avec les verts bleus plus froids et donne une indication de la chaleur de la lumière naturelle.

Peindre l'écume

L’écume est peinte à l’aide d’un petit pinceau plat et rond. Des traits essentiellement horizontaux et légèrement diagonaux vont créer la forme de la vague. Un mélange dilué de bleu-vert est d'abord ajouté, avant d'être intensifié avec des couches supplémentaires de peinture progressivement plus épaisse. Dans la courbure de la vague, en dehors des zones éclairées par la lumière, les valeurs sont légèrement plus sombres.

Peinture écume de mer

Comme nous l'avons fait avec les embruns, nous ajouterons une touche de jaune cadmium.

Peindre la vague au premier plan

La vague au tout premier plan est beaucoup plus sombre et plus bleue, mais cela ne change rien à la façon dont nous abordons le développement de l'écume. Nous appliquerons toujours du blanc de titane dilué, avec un pinceau plat et plus large qu'au départ. 

Peindre la vague au premier plan

Finir les détails

Nous pouvons projeter des gouttelettes diluées de blanc de titane pour indiquer la présence des embruns et la projection de l'écume.  

Nous ajouterons à nouveau une touche de jaune cadmium aux bords extérieurs des embruns. Pour ajouter un peu plus de contraste, nous allons ainsi assombrir la vague juste derrière les embruns.

Ajouter des embruns à la vague au premier plan

 

Nous avons créé une peinture qui n’est pas une copie de la photo, mais une œuvre personnalisée intéressante.

 

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #huile, #paysage

 

 

 
Pour la réalisation des troncs d'arbres: Préparer deux mélanges de bleu et de blanc. L'un contiendra plus de blanc que de bleu est sera utilisé pour peindre les parties du tronc exposées à la lumière. Le bleu sera un peu plus présent pour le second mélange qui couvrira les parties ombrées. Pour peindre les troncs en un seul passage,avec ces 2 préparations, se référer à la méthode proposée sur la vidéo. 
Pour donner de la profondeur de champ au sous-bois, jouer sur la proportion de bleu dans les différents mélanges. 
Avec l'arête du couteau, peindre en bleu, les branches et branchages. Le diamètre du tronc au dessous du départ d'une branche est égal au diamètre de la branche+ celui du tronc au dessus de la séparation. 
Utiliser maintenant le plat de la spatule ou du couteau pour représenter la végétation au sol. 
Le premier plan est composé de graminées dont les tiges souples et verticales sont la résultante de l'application de la peinture avec l'arête du couteau. Au préalable, le rouge cramoisi viendra occasionnellement apporter chaleur et contraste sur la végétation. 
Le paysage, dans son ensemble se résume en une opposition entre ombre (bleu outremer) et lumière ( blanc de titane) par l’intermédiaire d'une multitude de combinaisons..
 
 

Peinture au couteau, par pph

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Publié le par laurent
Publié dans : #nature morte, #pastel et fusain

Citron Référence Photo

Photo de référence

La référence de photo à partir de laquelle nous travaillons provient de pixabay.com . Ceci est un site merveilleux pour trouver des références de photo. Trouver des références de photos appropriées a toujours été difficile dans le passé. Mais avec de nouveaux sites Web comme pixabay.com, il devient beaucoup plus facile de trouver de superbes images qui conviennent à la pratique.

 

Dessiner ou peindre un citron avec des pastels

 Nous allons créer la représentation d'un citron avec des pastels, En travaillant rapidement et le plus fidèlement possible, le dessin dans un délai de 30 minutes. Même si nous ne consacrons que quelques minutes à cet exercice, nous exerçons toujours les mêmes «muscles» visuels que lorsque nous créons un dessin.

La clé pour développer vos compétences en dessin réside dans la répétition et la pratique. Quelques minutes par jour de pratique permettront d’acquérir de meilleures compétences en dessin. Prenez vos pastels et place à l’exécution.

 

 

 
 

Un des aspects intéressants des pastels est que nous pouvons superposer les couleurs rapidement. Cela signifie que nous pouvons construire une image en peu de temps. Bien que le travail avec les pastels soit clairement un travail de dessin , le processus de pensée est plus étroitement lié à celui de la peinture.

Lorsque nous peignons avec un support de peinture opaque comme les acryliques ou les huiles, nous travaillons les formes avec une couleur de base. Nous pouvons ensuite développer les valeurs et les textures sur cette forme, ce qui conduit à une illusion de représentation. Les pastels fonctionnent de la même manière. Nous allons commencer par des blocs de couleur et les développer avec des applications supplémentaires pour développer la forme et la texture du sujet.

Matériaux pour cet exercice de dessin

Dans ce dessin, nous n'utiliserons que quelques couleurs de base et une surface de support pastel adaptée à de multiples applications en couches successives. Toutes les marques de pastels tendres conviennent - vous pouvez même utiliser des crayons pastel si vous préférez. Dans cette leçon, les pastels Rembrandt sont utilisés. Ils sont considérés comme des pastels de qualité professionnelle et sont très riches en pigmentation. Ayant utilisé de nombreuses marques différentes au fil des ans, ces pastels sont mes préférés.

La surface est en papier pastel Mi-Teintes. Un gris plus chaud est choisi car la plupart des couleurs du citron et des zones environnantes sont plus chaudes. Cependant, vous pouvez choisir une surface plus froide pour produire un contraste si vous le souhaitez. Le papier est principalement recouvert d'applications pastel dans ce cas, de sorte que le papier a un effet minimal sur l'image finale.

Le papier pastel Mi-Teintes est un papier de haute qualité pour les pastels, mais son prix est relativement bas. Il comporte deux côtés distincts. Un côté du papier est grossier et fortement texturé. L’autre face est plus lisse, Nous travaillons sur le côté plus lisse du papier

 

 

Comment dessiner un citron avec des pastels - étape par étape

Divisons maintenant le processus en éléments faciles à comprendre. Nous allons commencer par un croquis simple utilisant un crayon de couleur pastel brun clair. Nous éviterons d'utiliser le noir, car sa couleur est si forte et il l'emporterait sans aucun doute sur les jaunes que nous ajouterons plus tard. Vous pouvez utiliser n'importe quelle couleur plus chaude que vous le souhaitez ici, mais je vous conseillerais d'éviter les couleurs plus froides, comme le bleu.

Esquisse d'un citron

Étant donné que les pastels peuvent être appliqués de manière opaque, nous allons d'abord commencer à nous intéresser à l'arrière-plan, puis au milieu et enfin au premier plan.

Le fond semble être noir dans notre référence. Le noir est une couleur incroyablement forte, souvent délaissée par les peintres "impressionnistes". À lui seul, le noir peut donner une image d'une apparence plate et non naturelle. Pour cette raison, nous allons ajouter un peu de couleur. Comme la plupart des couleurs au premier plan sont chaudes, nous pouvons utiliser une couleur plus froide pour créer un contraste subtil en température. Nous allons d'abord déposer du bleu et le répartir avec notre doigt. Au-dessus, nous ajouterons du noir et continuerons à étaler les pastels. Cela produira un arrière-plan très sombre, mais légèrement teinté de couleur bleutée. Cela évite que l’arrière-plan «noir» sombre submerger le dessin.

 N'oubliez pas que le citron recouvre également la table, il est donc logique de la traiter avant de peindre le citron. Une terre de Sienne brun-rougeâtre ou brûlée est utilisée pour esquisser la forme de base.

Dessiner le fond derrière le citron

Des ombres portées sont ensuite ajoutées sur le dessus de la table et sous le citron avec un crayon de couleur pastel noir. Cette couleur se mélangera naturellement avec la couleur ajoutée pour la table, atténuant la force du noir.

Avec le fond en place, nous pouvons nous concentrer sur le citron. Nous allons commencer par un jaune moyen, qui sert de couleur de base. Le citron est couvert entièrement de cette couleur.

Blocage de la couleur pour le citron

Nous pouvons maintenant commencer à ajuster les teintes successives pour développer le volume, la forme et la texture du citron. Nous allons commencer par les tons les plus sombres dans la zone d' ombre, sur le corps du citron. Un brun moyen est appliqué en premier. Le marron est utilisé car il est chaud comme la couleur de base de l'agrume, mais plus foncé. Au fur et à mesure que ce brun est ajouté, il est mélangé avec le jaune déjà en place.

Un peu de teinte est également ajoutée dans l'ombre. Tout d'abord, une touche de rouge est appliquée, suivie d'un peu d'orange. Cela ajoute un peu plus de profondeur à la couleur et un intérêt supplémentaire.

Pour traiter les zones d'ombre les plus sombres, situées près de la base du citron, un brun plus foncé est utilisé. Encore une fois, cette couleur est mélangée pour créer une gradation.

Ajout d'ombres sur le corps du citron

Nous allons maintenant commencer à développer certaines des valeurs les plus légères. Étant donné que la source de lumière provient du coin supérieur droit, la plupart de ces tons plus clairs existeront dans la partie supérieure droite du citron. Nous allons commencer avec un jaune légèrement plus clair que notre couleur de base. Les marques sont faites avec une touche légère par des touches circulaires pour imiter la texture grossière du fruit.

Dessiner les valeurs les plus claires sur le citron

Ensuite, nous allons ajouter une forte lumière dans le quadrant supérieur droit du citron, avec un jaune très clair, en utilisant à nouveau des traits circulaires. Cette couleur peut paraître blanche mais il y a, en réalité, une légère teinte de jaune.

Nous allons ajouter du jaune-vert pour la tige. Ensuite, comme nous l'avons fait avec l'agrume, nous commencerons à développer les valeurs plus claires et plus sombres. Un brun foncé est utilisé pour l'ombre sur le dessous de la tige et un gris est appliqué sur la pointe.

Tirer la tige sur le citron et ajouter des reflets

Un jaune-vert plus clair est déposé sur la tige pour agir comme point dominant. Étant donné que cette zone est relativement petite, un mélange est utilisé pour sa réalisation.

À ce stade, une grande partie du dessin est terminée. Nous allons maintenant améliorer l'illusion de lumière et nettoyer le dessin.

Une touche de jaune-orange clair est ajoutée à la table pour augmenter le jeu de lumièreDe plus, l'ajout de cette couleur augmente le contraste entre l'ombre portée produite par le citron et la lumière sur la table.

Contraste croissant sur la table

Les pastels produisent naturellement des poussières colorées. Pendant le processus de dessin, cette poussière pénètre dans des zones inattendues. Périodiquement, nous allons nettoyer ces morceaux de poussière en les mélangeant. Maintenant que nous sommes à la fin du dessin, nous devrons procéder à un dernier "nettoyage" de cette poussière qui reste encore à la surface. Dans ce cas, nous utiliserons simplement notre doigt pour faire entrer la poussière colorée dans le papier, en restaurant l’intensité de la couleur et en complétant le dessin.

Dessin au citron

Peindre les citrons en vidéo. par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #corps humain, #huile

 

Dessin et peinture - vidéo 26 : Des modèles à la conception d'un nu - acrylique ou huile.

 

   

 

 

 

La réalisation d'un nu se résume à l'utilisation des couleurs de le peau. La couleur de la peau chez l'être humain, encore appelée teint ou complexion, présente une gradation continue de marron-foncé au mat clair presque blanc, avec parfois des tons rosés ou cuivrés1. La quantité et la nature des mélanines (tendance noire) et des phéomélanines (tendance brune) contenues dans la peau, ainsi que leur répartition, sont les principaux critères déterminant sa couleur. Par ailleurs, le carotène alimentaire peut, en quantité importante, donner une composante légèrement jaunâtre à la peau blanche. L’hémoglobine des capillaires sanguins donne une coloration rosée aux peaux claires, sauf chez les personnes ayant une couche de graisse sous-cutanée épaisse, comme c'est souvent le cas chez les Extrême-Orientaux.  

 

 

Des modèles à dessiner et à peindre. par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #huile, #musique zen, #techniques peinture

 

Image associée

 

Vidéos musiques relaxantes, yoga, méditation, par l'équipe livres audio, pdf et musique relaxante

 

 Les peintures utilisées : blanc de titane, noir d'Ivoire, rouge de Naples et peinture dorée métallique.

Et pâte de structure.

 

 

Comment utiliser le "modeling paste" ? par laurentsaintgermain

 

 

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #techniques peinture, #mixed media
 
 

 

 
De nombreux objets sont collés pour donner du volume et de l'originalité à la composition..
 
 
 

Le mixed media ou technique mixte. par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #techniques peinture, #mixed media
 

 

 
      Ce projet a d'abord été inspiré par les couleurs de l'automne, lors d'une promenade dans la campagne où une infinité de teintes ont permis l'aboutissement de ce travail et de cette composition (feuilles, des arbustes et des branches). La palette de couleurs choisie est venue des couleurs qui composaient cette magnifique journée ensoleillée. Les bruns et jaunes  représentant la terre, les feuilles et l'écorce des arbres. Les verts: l'herbe et les arbres. Les bleus: le ciel et le blanc / jaune: la lueur du soleil.
 
 

Le mixed media ou technique mixte. par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #peinture abstraite, #techniques peinture

 

Dessin et peinture - vidéo 2693 : Comment utiliser du papier sulfurisé pour réaliser une toile à la peinture fluide ? - pouring méthode.

 

 

 

 La technique par glissage sur peinture fluide avec du papier sulfurisé est très simple et très facile à réaliser, avec d'excellents résultats.

Pourquoi prendre du papier sulfurisé ? : Il n’absorbe pas et glisse sur la peinture lors du passage sur le mélange, tout en gardant sa rigidité et sa souplesse. Le rouleau de papier absorbant de cuisine peut, par contre, se déchirer et ruiner votre travail. Le papier sulfurisé est relativement résistant à la déchirure et convient donc mieux à la manipulation, mais l'on peut utiliser d'autres moyens.

Les peintures acryliques fluidifiées et diluées sont coulées sur la toile selon différentes techniques. Cela donne des résultats assez aléatoires. Chaque image est unique. Pour la préparation nous avons besoin de:

1. peinture acrylique

 Nous avons besoin de peintures acryliques pour artistes, ici il n’y a pas de marque spécifique. Vous pouvez utiliser ce que vous aimez. Les peintures acryliques de marque, ont généralement une consistance plus épaisse et donc une consommation moindre. Les marques bon marché sont souvent plus diluées, il vous faut un peu plus de couleur en quantité. J'utilise différentes marques, je cherche ce qui va le mieux.

2. médium de lissage

médium de lissage permet à la peinture acrylique d'être plus fluide et plus épaisse qu'une peinture diluée avec de l'eau. Il existe maintenant de nombreuses variétés (médiums vendus dans les magasins de loisirs créatifs ou sur internet, Floetrol: adjuvant pour peinture vendu dans les magasins de bricolage, colle pour écolier: la plus pratique et le moins onéreuse).

3. l'eau

 La peinture acrylique doit être un peu plus liquide, en utilisant de l'eau du robinet. À la fin, la couleur pré mélangée doit s'écouler uniformément, comme le miel liquide chaud.

4. huile de silicone

L'huile de silicone est utilisée pour obtenir de belles grosses cellules. L'huile de silicone uniquement dans des couleurs colorées, ni dans le noir, ni le blanc. Ajoutez 3-5 gouttes d’huile de silicone aux couleurs prêtes à l’emploi et n’agiter que brièvement, une à trois rotations. J'utilise du silicone pur pour tapis roulant, ou bombe lubrifiante contenant du silicone, de différentes marques ou cosmétiques, pour le traitement des cheveux, à base de diméthicone.

5. Traitement final 

  La support sèche, plus ou moins rapidement suivant la chaleur, environ 2à3 jours, la peinture acrylique fluide ne brillera pas aussi bien que lorsqu'elle était humide. Pour rétablir cet éclat, vous pouvez utiliser un vernis pour créer plus de brillance.

La recette pour la peinture fluide : 1 partie de couleur acrylique, 1 part de médium, 1/2 partie d'eau !!

 Il est important de commencer par apprêter la toile avec du gesso ou une peinture fluide pour éviter au mélange fluide, qui va y être déposé, d'être absorbé par la toile, compte tenu de la qualité médiocre de celles qui sont vendues à bas prix, faites à partir de pâte à papier.

   Calcul de la quantité de matière fluide, à préparer, pour être déposée sur la toile:

   Environ 0,3 gramme de matière, par centimètre carré. Supposons que nous utilisons, une toile de 40 x 40 cm = 1600 cm2. Le calcul est le suivant: 1600 x 0,3 grammes = 480 grammes arrondis à 500 grammes.  Pour un mélange  bicolore (1 couleur + blanc) de 40x40 cm, il faut 100 g de peinture colorée, 100 g de médium, 50 g d'eau + 100 g de blanc, 100 g de médium fluide, 50 g d'eau Sur les bouteilles est généralement indiqué la valeur en  millilitres, que l'on peut convertir approximativement en grammes ( 250 ml de couleur ne correspond pas  exactement à 250 g, mais la différence est négligeable, compte tenu de la densité ).

 

La méthode du "médium pouring" avec du médium de lissage, par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #techniques peinture

 

http://www.degoursac.com/wp-content/uploads/2014/04/Maquillage-bouche-discret.jpg

 Résultat de recherche d'images pour "chut"

 

La bouche est la partie la plus importante à réaliser, avec les yeux, en réussissant ces 2 parties, vous avez réussit 70% de votre portrait, vraiment, ce sont les zones qui amènent le plus de vie à votre portrait.

 

Ce sont les muscles qui font que la bouche soit aussi expressive.

La bouche est un volume bombé, on peut la simplifier avec 5 petits coussinets placés comme ceci, 3 en haut et 2 en bas.

Les commissures de la bouche ne sont pas sur le même niveau que le milieu.

C’est flagrant en vue de profil.

On trouve 4 formes basiques de bouches

Les différences entre une bouche d’homme et de femme :

  • La commissure et la lèvre supérieure sont plus plates chez l’homme
  • L’ombrage est léger et suggéré chez l’homme, on a rarement besoin de préciser la lèvre inférieur alors que chez la femme celui-ci demande plus de précision

 

PAS-À-PAS FACE

1/ Tracez un M

La fente de la lèvre est la ligne la plus importante, bien avant le bord extérieur des lèvres comme le font beaucoup de débutants.

Cette ligne a une forme de M.

On retrouve cette même forme au milieu, en haut de la lèvre et en bas du nez.

Montrer la bouche de profil.

Dessinez légèrement au début pour confirmer la forme lors d’un second passage, la lèvre supérieure est généralement plus fine que la lèvre inférieure.

2/ Les commissures et la lèvre inférieure

Ajouter une ombre arrondie aux commissures, beaucoup de muscles partent de là, ils sont plus enfoncés que les joues.

La lèvre inférieure est généralement plus éclairée que la lèvre supérieure, l’ombre sera donc ici et sous le bord de la lèvre.

3/ Le philtrum

L’espace entre plan du nez et le plan de la bouche.

Il a la même forme que l’ombre sous la lèvre inférieure.

Le petit renfoncement au milieu de cette zone fait que l’ombre et la lumière vont être inversés à l’intérieur comme l’ellipse à l’intérieur d’un vase.

4/ Connectez les lignes de la lèvre supérieure

5/ Ombrez la bouche en fonction de la source lumineuse

 

PAS-À-PAS 3/4

Imaginez la bouche sur un cylindre pour comprendre comment elle réagit en perspective.

La lèvre supérieure est plus avancée que celle du bas.

L’ombrage

La lèvre supérieure sera généralement dans l’ombre et la moitié inférieure de cette dernière est encore plus sombre car inclinée vers l’intérieur.

Ombrez en fonction des 5 coussinets et du modèle que vous avez.

La lèvre inférieure a une forme bombée comme l’oeil, ses bords seront donc plus sombre que le centre mais tout dépend de votre source lumineuse.

Comme elle est orientée vers le haut, son ombre sera toujours plus sombre que celle de la lèvre supérieure.

Cette ombre ne doit pas être négligée car elle exprime la structure de la bouche et du menton

Elle peut se placer différemment selon le profil de votre modèle. (EX+droites repères)

 

 Dessiner la bouche, les lèvres, par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #pastel et fusain

 

Résultat de recherche d'images pour "gif animé fusain"

 

 

 

Je vais partager avec vous une technique de fusain utilisable par tout passionné de dessin, que vous soyez débutant ou expérimenté. Pour cela, vous aurez besoin d’un minimum de matériel, le fusain est donc idéal pour être pratiqué chaque jour lors de vos portraits ou de vos croquis.   C’est quoi ? Utilisé par les hommes préhistoriques dans leurs cavernes, le fusain est probablement la plus ancienne technique artistique. Il est obtenu à partir d’une branche de l’arbre du même nom qui a été calciné. Son inconvénient principal est qu’il est très friable, ce qui n’est pas gênant au milieu d’une caverne mais le devient vite lorsque l’on dessine dans son salon! Le fusain a bien sûr plusieurs avantages :

  • On peut obtenir des tracés très contrastés par rapport au blanc de la feuille, d’un noir très chaud à un gris très léger
  • Le fusain peut être comparer à un pinceau plutôt qu’à un crayon
  • L’outil idéal pour les esquisses et les dessins préparatoires

LES TYPES Tendre, dur ou compressé Cela varie en fonction de la composition des bois qui ont été carbonisés. Optez pour un fusain naturel et tendre, les autres auront tendance à marquer beaucoup plus le papier. Pour cela, n’optez pas pour le premier prix mais plutôt pour des marques comme Lefranc & Bourgeois ou Sennelier.   LES FORMES Vous pouvez en trouver sous 2 grandes formes 1/ Bâtonnet, idéal pour couvrir de grandes surfaces et pouvant aller de 4mm à 18 mm de diamètre :

  • La Mignonnette : 4 mm de diamètre
  • Le Petit buisson : 6 mm de diamètre
  • Le Gros buisson : 10 mm de diamètre
  • Le Chunky : 18 mm de diamètre

On peut également le mettre dans un porte-mine pour plus de précision.   PRÉPARER SON FUSAIN Frottez-le simplement sur une feuille à part pour lui donner la forme que vous désirez (droit, pointu ou en biseau). 2/ Crayon : Bon compromis entre le bâtonnet et le crayon. La mine de fusain est entourée de bois, le crayon est donc moins salissant que le bâtonnet, tout en ayant des noirs très intenses. Le crayon glisse beaucoup moins donc il vous faut déjà avoir un trait sûr pour l’utiliser car les retouches sont quasi impossibles.   ESTOMPER Certains vous diront qu’il ne faut pas utiliser les doigts et que vous devez absolument utiliser une estompe, on m’a même conseillé une fois un coton tige ! Moi, j’adore utiliser mes doigts pour barbouiller sur la feuille, on m’a souvent dit que ça amenait beaucoup de douceur aux dessins, je vous montrerais ça tout à l’heure.   GOMMER Vos doigts vont être rapidement plein de fusain, c’est là que la gomme va vous être indispensable. Elle va vous servir à deux choses :

  • Enlever les pigments de fusain sur la feuille
  • Ajouter des traits de lumière

Je vous conseille d’utiliser la gomme de type “mie de pain”, avant les artistes utilisaient vraiment de la mie de pain fraîche pour gommer. Maintenant, c’est une pâte en caoutchouc modelable qui s’adapte très bien aux petites comme aux grandes zones. Si vous n’avez pas de gomme, vous pouvez aussi prendre une peau de chamois, vous pourrez utiliser aussi pour polir votre voiture. Elle absorbe facilement les surplus de fusain de la feuille de papier, pour la rendre propre malaxez-la et les pigments disparaîtront dans la gomme. Elle peut être utilisée pour dessiner aussi lorsque la feuille est saturée de fusain. Tapotez la zone à effacer, ne frottez pas sinon cela ne fera qu’abîmer la feuille.   CHOISIR SON PAPIER Le fusain s’exprime mieux sur du papier à grains et un peu épais plutôt que lisse mais rien ne vous empêche de commencer sur du papier d’imprimante, vous pourrez moins faire de retouches. Pour le format, optez pour des blocs A4 et plus, pour être à l’aise dans la feuille.   CONSERVATION Il existe des produits spécialisés en bombe ou en flacons dans les boutiques de fournitures d’art. Sinon vous pouvez tout aussi bien utiliser une bombe de laque à cheveux, mettez-vous dans une pièce aérée et vaporisez à environ 15cm de la feuille, en bougeant tout le temps pour éviter que des petites gouttes ne se forment. Après avoir fixer votre dessin, je ne conseille pas de faire de retouches dessus sauf au niveau des contours, sinon ça abîme beaucoup la feuille qui absorbe beaucoup moins le fusain.   Dans quel cas l’utiliser ? Le fusain est conseillé pour :

  • Les portraits et les dessins animaliers (moins pour les paysages)
  • Retransmettre l’essence du modèle et synthétiser les formes principales contrairement au crayon graphite qui est un outil permettant une grande précision ce qui peut être un gros piège.
  • Raisonner en terme de couches d’ombres et lumières plutôt qu’en contours

Comment l’utiliser ? TENIR SON FUSAIN Sa fragilité ne lui permet pas d’être tenu comme un crayon. Le mouvement doit partir du coude et tout votre bras doit être détendu. Pensez à débloquer votre poignet et ne tenez votre fusain avec légèreté car il se casse très facilement.   Il y a 2 positions : - Celle pour définir la forme rapidement, elle est un peu délicate à comprendre et à adopter au début, on va la faire ensemble étape-par-étape :

  1. Ouvrir sa main, repliez légèrement le bout des doigts
  2. Déposez le fusain, le faire glisser jusqu’en bas
  3. La saisir avec le pouce et l’index essentiellement
  4. La main et le poignet sont détendus et tournez légèrement le poignet.
  5. Il y a de nombreuses ses variantes qui viennent en pratiquant comme…

- Celle pour définir les détails, qui est un peu similaire à de la prise de notes à une différence : mes doigts sont placés au milieu du crayon et non pas près de la pointe, cela me donne une plus grande amplitude de mouvement. Veuillez à ne pas être trop rapproché de la feuille. Si vous pliez le coude, cela veut dire que vous êtes trop prêt de votre feuille alors éloignez un peu le bloc de croquis en le mettant sur les genoux ou sur un chevalet.   CONTOURS Voyons ce que ça donne au niveau du trait, essayez aussi chez vous. En variant la pression et l’angle du fusain, mes traits peuvent être très fins ou très épais et sombres. Utilisez aussi le fusain sur toute la longueur, cela peut être intéressant pour définir de grandes zones. Avec un fusain, ce serait vraiment dommage de ne pas utiliser toutes ces variétés de traits et faire des contours linéaires, de la même épaisseur. L’épaisseur du trait va nous être très utile pour suggérer l’intensité de la lumière dans notre portrait. N’ayez pas peur de ces traits épais et noirs, apprenez à les dompter, pour qu’ils soient à votre avantage. Pour cela, commencez y aller franchement sur la feuille, posez le fusain et ne le levez pas jusqu’à que votre trait soit arrivé vraiment au bord de la feuille. Je ne vous demande pas de le continuer sur la table ou les murs,  comme on dit allez-y franco et lachez-tout !   VALEURS Ce que l’on appelle “valeurs” en dessin, ce sont les nuances de gris qui vont de la plus claire à la plus foncée et qui permettent d’exprimer l’intensité de la lumière En général, j’utilise 3 couches d’ombres, une légère et une forte. Avec le fusain, on obtient une palette de nuances de gris plus importante qu’avec le crayon. Pour faire des ombres efficaces, vos traits doivent être bien rapprochés et compacts sinon les traits seront toujours visibles sur la feuille après avoir estomper.  Lors d’un dégradé, je vais gérer ma pression sur le fusain, j’appuie fort au début (sans casser le bâton) puis de plus en plus léger tout en ayant des traits bien rapprochés et une longueur identique tout le long. Recommencez souvent cet exercice, si vos ombres sont efficaces, votre dessin n’en sera que plus crédible. Pour estomper, je vais effacer perpendiculairement au sens du dégradé  Avant d’utiliser vos doigts, assurez-vous qu’ils ne soient pas humides.

 

Le dessin au fusain, par laurentsaintgermain

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