Le premier avantage de l'acrylique est sa rapidité de séchage: c'est aussi son pire inconvénient. On peut contrecarrer ces quelques petits défauts.

Comment éviter qu'elle se dessèche ?

1° Sur la palette: il est possible de relancer une acrylique légèrement durcie sur la palette, à l'aide d'un diluant fluide ou en utilisant un humidificateur de palette ( spray liquitex). En cours de travail, penser au retardateur (gel ou liquide) à ajouter aux couleurs.

2° En pratique: Voici une méthode pour conserver les couleurs sur la palette, entre 2 séances de peinture.

° Placer quelques feuilles de papier essuie-tout, imbibées d'eau, sur vos couleurs acryliques.

° Envelopper le tout dans un sac plastique. cet ensemble hermétiquement fermé conservera, pendant plusieurs jours, toutes les qualités de vos pigments.

° L'utilisation d'un pulvérisateur en cours de travail est indispensable, surtout si vous travaillez, en période estivale, en extérieur ou dans des locaux surchauffés.

Comment utiliser sa palette ?

Disposer les couleurs en arc de cercle sur la palette et travailler les mélanges, au centre, de manière à toujours garder les couleurs de base propres.

Comment mélanger ses couleurs ?

Le couteau à palette

et non à peindre, plat et souple, permet de travailler ses mélanges avant de les poser sur la toile.

Couteau à peindre

Au pinceau, les poils seraient trop chargés en matière, à cause de la consistance de la peinture.

Certains peintres préfèrent opérer directement sur la toile, en prélevant un peu de chaque couleur avec pinceau ou couteau en les mêlant sur la toile ou le support.

Et dans quel ordre ?

Lorsqu'une couleur claire, entre dans un mélange ( du jaune et du bleu pour créer du vert), on commence par poser la couleur claire puis d'y apporter progressivement la couleur foncée.

Comment éviter le gaspillage ?

Le matériel de qualité coute de plus en plus cher, pour éviter des dépenses inutiles, il vaut mieux prendre soin de ce que l'on utilise. Pour limiter le gaspillage de matière, une astuce consiste, en fin de séance, à placer votre palette (ne pas la surdimensionner) dans une grande boite plastique, à y ajouter un peu d'eau en surface, à fermer avec du film alimentaire et à mettre le tout au frais. Les couleurs garderont leur fraicheur pendant 3 jours.

Peindre à l'acrylique, par laurentsaintgermain

La pierre noire que l'on utilise pour dessiner est une roche nommée ampélite, schiste argileux, mélange naturel de carbone et d'argile que l'on trouve en Bretagne et dans les Pyrénées.
Taillée au couteau, elle est utilisée comme crayon depuis la fin du XVème siècle.

L'usage de la pierre noire apparaît en Italie à la fin du XVe siècle et devient au siècle suivant une technique très en vogue adoptée par tous les grands artistes de la Renaissance. On l'appelle aussi "pierre d'Italie".

Elle permet un tracé ample et souple que les artistes utilisent pour les esquisses. La pierre noire est aussi associée à la craie blanche et forme ainsi la technique dite "des deux crayons" (cf la vidéo). En ajoutant à cette association la sanguine, on la nomme alors la technique dite "des trois crayons". Ces techniques furent beaucoup utilisées notamment pour le portrait, le nu et le dessin anatomique.
Appliquée sur un papier à grain (la sanguine et la craie ne se fixant pas sur un papier lisse), souvent teinté pour créer les teintes intermédiaires, la pierre noire permet la mise en place du dessin, des ombres et modelés, la sanguine est utilisée pour la coloration, la carnation et la craie blanche ou le crayon blanc permet d'ajouter les lumières. Les artistes ou portraitistes préfèrent utiliser la technique des 2 crayons et laisser à la feuille de couleur grise le rôle des teintes intermédiaires.

La pierre noire sera très utilisée jusqu'au XVIIIe siècle. Elle sera petit à petit supplantée par l'utilisation du fusain et de la mine de plomb.

Dessiner à la pierre noire, au crayon blanc et à la sanguine (technique des 2 ou 3 crayons), par laurentsaintgermain

 Peindre avec des points et des taches
 
Pour peindre le portrait du chien, j'utilise l'aquarelle et la gouache

 Que portaient les artistes du vingtième siècle, en peignant à l'extérieur?

Une question que je me suis souvent posée.

Après le dernier article sur Sorolla peignant à l’extérieur, quelques lecteurs se sont demandé si les artistes du 19ème ou du début du 20ème siècle portaient réellement une veste et une cravate lorsqu’ils peignaient à l’extérieur.

Bror Ljunggren (suédois, 1884-1939)

 Prendre une photo était un événement important à l'époque et les gens posaient pour une photo. Il est donc possible qu'ils posent et mettent en place certains éléments. qu'ils ne faisaient peut-être pas exactement tout ce qu'ils faisaient quand ils travaillaient, comme porter un costume par exemple.

J'avais l'habitude de penser que les artistes qui paraissaient habillés de manière formelle portaient des costumes pour la caméra. Mais plus j'ai lu et appris, moins je pense que cela est vrai, surtout dans ces photos en plein air. Les dames portaient de belles robes et des chapeaux lorsqu'elles peignaient.

Parfois, ils avaient des blouses ou des tabliers, mais il y avait de beaux vêtements en dessous.

William Merritt Chase et ses étudiants

Au XXe siècle, les appareils photo Kodak portables et compacts étaient très répandus et il existe de nombreuses photos franches de personnes en train de peindre en extérieur. Si ça a l'air franc, c'est franc.

John Singer Sargent en train de peindre en plein air

S'ils étaient entre amis, membres de la famille ou autres hommes, les messieurs pouvaient retirer leur veste, mais ils gardaient leur chapeau, une cravate et leur gilet à l'extérieur. Des récits écrits disent que les hommes s'excusaient auprès d'une dame quand ils étaient en chemise. Donc, Sargent est très informel sur cette photo. Il était également connu pour murmurer «bon sang, bon sang, bon sang» quand un tableau n'allait pas bien, mais il vérifiait d'abord si des femmes étaient présentes.

Au milieu du 20ème siècle, toutes les règles ont changé.

Vidéos: peindre les pivoines, par laurentsaintgermain

 Avec des étapes simples à suivre, le tutoriel vous guide ( en anglais ) à travers des instructions simples que tout le monde peut suivre. Vous apprendrez mieux à peindre avec les doigts avec une peinture à l'huile épaisse, miscible à l'eau, qui se nettoie avec un chiffon. Choisir des huiles de qualité, vous pourrez ainsi créer cette scène animée par de petites carpes koï.

Cette technique peut être une thérapie, car elle vous met directement en contact avec le sujet, sans intermédiaire ( pinceau ou couteau, etc...).

Vous aurez besoin d'une dizaine de couleurs, d'une toile, de gants et d'une palette.

 La peinture utilisée est de la peinture à l'huile miscible à l'eau.

Peindre avec les doigts, par laurentsaintgermain

La lumière

Le soleil est source de vie. Sans sa chaleur, sa lumière, il n’y a qu’obscurité et mort. Un tableau, sans une belle lumière n’a pas de vie, ni d’éclat, elle est déterminante pour le résultat final. Mais pour que celle-ci mette en valeur notre sujet, il faut bien la placer. Cela veut dire en premier lieu, définir une et seule source de lumière.

Comment faire si on travaille sur le vif en extérieur, en atelier, ou d’après photo. En atelier, on est souvent trompé par de multiples sources de lumière. Il y en aura autant qu’il y a de fenêtre, de spot, d’applique etc. dans la pièce. D’après photo en intérieur, c’est pareil, ou alors nous avons un sujet éclairé avec une lumière frontale due au flash. Celui ci a la particularité d’écraser les volumes. En extérieur, le soleil tourne et des nuages passent, donc la lumière change.

 La lumière que l’on peint n’est pas celle que l’on voit.

Car l’idéal est de placer la lumière ainsi : derrière nous, décalé vers la droite ou la gauche au choix, et en hauteur.

Il ne faut pas qu’elle soit latérale, ni trop basse, ni frontale.

Rappelez-vous, la peinture n’est qu’une interprétation du réel.

Pour mieux comprendre cette règle, observez les tableaux de maître et chercher d’où vient la lumière, comme sur cette étude.

Les couleurs

Les couleurs des objets lisses interférent entre elles. Si vous cherchez un rendu réaliste des lumières sur les divers objets de la composition, il faudra en tenir compte.

Une masse ou objet de couleur claire, importante, sera équilibrée par une petite plus foncée.

Une masse colorée, de faible intensité, sera équilibrée par une de couleur vive.

Une couleur chaude dont la gamme ira du brun au beige en passant par les rouges et les jaunes, sera contrebalancée par une couleur froide.

Éviter la monotonie dans les couleurs, chercher l'équilibre.

Le fond et la forme

Le noir en peinture n'est jamais que noir, il peut être obtenu par l'association d'un bleu de Prusse avec de la terre d'ombre brûlée. Sur notre image, la lumière vient de la gauche, le fond est donc plus sombre à droite, derrière la la bouteille. Noter comme le blanc de la nappe se reflète à gauche sur la surface noire, mais lisse.

Penser toujours en termes de contraste, entre le fond noir (dans notre image) et la forme.

Vidéos natures mortes, par laurentsaintgermain

 Quelques recommandations

Il n’est pas toujours évident d’organiser différents éléments pour trouver le juste équilibre des masses et volume d’une nature morte. Un petit truc qui fonctionne à tous les coups, consiste à insérer nos éléments dans un triangle. Sur notre toile, traçons un triangle non droit et non isocèle (le format isocèle convient que pour les toiles carrées). Ensuite il ne reste plus qu’à disposer les objets à l’intérieur, en utilisant les points nodaux du nombre d'or, en veillant à ce que les plus hauts soient en arrière plans. On peut légèrement déborder de ces contours, mais pas trop. Il ne faut pas que des éléments touchent l’extrémité de la toile. On laisse ainsi un petit espace pour que ceux-ci ne paraissent pas étriqués dans le cadre. Si l’on a une toile de format panoramique, on tracera cette foi ci, deux triangles dont les sommets sont opposés et d’inégales hauteurs. Un à droite et l’autre à gauche. Puis, idem, on insert nos éléments à l’intérieur de ces deux ensembles. 

 Autre recommandation : Il faut créer un effet de profondeur, de perspective. Ainsi il ne faut pas aligner les éléments sur un même plan mais à différentes distances. Cela créer une certaine dynamique dans le tableau, comme sur ce dessin, ou l’on observe le plan 1, 2 et 3.

Si l'horizon est bas: On peut dire que vos yeux se situent au niveau du sujet. Les volumes sont peu marqués. C'est la vue la plus facile, mais l'image est plate.

Si l'horizon est moyen: Vous êtes assis, les ombres apparaissent plus nettement et prennent de l'importance. Le point de vue est normal.

Avec l'horizon très haut, vous êtes debout, c'est sous cet angle que les volumes et les ombres sont les mieux rendues

Enfin on évitera de coller nos éléments côte à côte. Les poser ainsi donne une lecture plate de l’ensemble et ne produit pas de profondeur. Sur ce dessin on voit bien que placer les objets l’un derrière l’autre produit cet effet de profondeur. De plus il souligne l’importance d’un premier plan, comme sujet principal d’une composition. Cette disposition lie également tous ces sujets entre eux, renforçant l’idée de cohésion et d’unité.

 Mon dernier conseil s’adresse à ceux qui ne maitrisent pas le dessin : le plus difficile dans le dessin d’une nature morte est d’avoir de bonnes ellipses. Chaque objet de forme cylindrique (verre, assiette, bol, bouteille, etc.), par l’effet de perspective produit une ou plusieurs ellipses (à la base et au sommet généralement). Il n’est pas évident de bien les représenter. Une ellipse fausse casse complètement le dessin. Pour contourner cette difficulté, le mieux est de placer la ligne d’horizon très bas. Comme si vous regardiez les objets sur une table en plaçant vos yeux juste à hauteur de la table. La corbeille de fruit du Caravage en est le parfait exemple.

Sinon, écrasez au maximum votre perspective et préférez l’option 2 à la 1, comme sur ce dessin.

Et bien nous voilà armés pour ne plus rater nos tableaux. Enfin c’est vite dit ! Faut expérimenter tout ça maintenant !

 Sur l'image présentée ici, l'on voit l'importance de la bande verticale de droite, où s’insère la paroi rocheuse et la bande horizontale du bas, qui constitue le premier plan, l'encadrement formé par ces deux masses met en valeur l'arrière plan, à l'image d'une fenêtre . Le point nodal en bas à droite est centré sur le gros rocher, celui situé en haut et à gauche attire le regard sur la maison. Enfin la ligne supérieure horizontale délimite la séparation ciel et forêt.  

Le nombre d'or

Pour placer les objets d'une nature morte sur un support (une toile en général) on peut tenir compte des points d'intérêt naturel sur la surface du tableau. Quel que soit le sens de cette surface (horizontale ou verticale), il existe des lignes de force sur lesquelles l’œil a plaisir à circuler.

La règle du nombre d'or est utilisée, on évitera d'aborder mathématiquement le sujet qui est rébarbatif pour un non initié, le peintre en faisant parti. Cependant elle est considérée comme une proportion particulièrement esthétique et nous allons la simplifier pour une meilleure compréhension.

La partie la plus longue à droite du nombre d’or correspond à 61,8 % de la longueur totale, la plus courte étant donc de 38,2% de la longueur totale.

le nombre d’or

Sur le rectangle d’une toile, ça donne ceci:

Le nombre d’or

Chacun des points rouges correspond au nombre d’or, donc à Φ=1,618.

En photo, on se simplifie souvent la chose en divisant tout simplement la surface en 9 parties égales ( les appareils photos ont presque tous cette grille). En principe, il est possible de faire la même chose sur une toile. Il s’agit alors de la règle des tiers, une autre forme de composition très proche du nombre d’or, si proche même qu’on les confond souvent.

Règle des tiers

Pour se rapprocher encore un peu plus du nombre d’or, on peut utiliser une autre méthode. Il faut alors diviser la toile en 5 parties égales aussi bien verticalement qu’horizontalement ou bien pour obtenir les lignes qui déterminent les 4 points d'or, il faut multiplier la hauteur et la largeur de l'image par 0,618. Cela nous donne 25 champs.

Division en 25 champs

Vous obtenez à l'intersection des 2 lignes horizontales et verticales du centre, les 4 points d'or. C'est sur ces points que vous placerez vos centres d'intérêt du tableau. Les autres traits divisent les espaces restants en deux et serviront à structurer l’œuvre.

S’il y a un des éléments sur lequel l'on veux particulièrement attirer l’attention. Prenons un objet de couleur contrastante, la pomme la plus rouge, par exemple . Pour renforcer l’attraction de l’œil sur cet objet, on le place donc sur l’un des quatre points de croisement du nombre d’or.  Voilà, un pôle d’attraction est créé. L’œil va d’abord se poser sur cette pomme avant d’explorer le reste de la composition. Ces points attirant le regard, il vaut mieux éviter d’y mettre quelque chose qui ne soit pas important pour la compréhension ou l’équilibre de l’ensemble.

La règle du nombre d'or simplifiée en règle des tiers

Même s’il s’agit d’une règle simplifiée, c’est vraiment un guide pour vous aider à composer une image qui semble naturelle dans un rectangle, ou un carré, je trouve que cela fonctionne toujours mieux, même dans un rectangle.

Tout ce que vous faites est de diviser votre page en tiers, horizontalement et verticalement. Et nous recherchons ces méchants garçons aux intersections. C’est ce sur quoi nous pouvons aligner les principaux points d’intérêt pour gonfler nos peintures et guider le spectateur vers l’endroit où nous voulons qu’il regarde…

Examinons cette peinture hollandaise du XVIIe siècle de Ruisdael et vous pouvez voir comment elle crée un point focal sur le moulin à vent à droite. Parce que la ligne d'horizon est si basse, un tiers de la peinture, vous avez ce ciel vraiment imposant, vous pouvez imaginer le vent traversant et frappant le moulin, les voiles sont en place sur le bateau, il a un réel sens du drame à elle et un sens du mouvement.

Lorsque nous superposons la règle des tiers au-dessus, vous pouvez voir comment il positionne son moulin jusqu’à l’une des lignes directrices et même les mâts du navire sont presque en place sur l’autre guide. La ligne horizontale au bas ne correspond pas au guide du bas, mais cela n’a aucune importance. Il ne l’a pas posée exactement sur la ligne, car il avait besoin d’équilibrer l’horizon avec cette zone de terre plus haute au premier plan. La partie droite de la peinture est plus haute, il a dû laisser tomber légèrement le terrain de gauche pour l’équilibrer et rappelez-vous qu’il s’agit simplement d’un guide.

View of Dedham, de Gainsborough, est une approche plus subtile mais respectant les règles. Il s’agit d’une scène automnale chaleureuse avec une masse d’arbres, une coupure dans le feuillage qui aide à faire passer l’œil à distance.

Lorsque nous remettons la grille en place, vous pouvez voir à quel point cette église se trouve au milieu du guide, ce n’est pas sur la ligne de mire, mais bien sur la ligne centrale. Ceci est un autre point clé à retenir pour ne pas être trop pris avec tout ce qui doit frapper exactement sur tous les centres.
Ce qui est intéressant à noter cependant, si nous nous concentrons sur la limite de l’arbre, même cet arbre a un petit retrait pour lui permettre de s’asseoir dans le guide, comme le disait Degas: «Même la nature doit être composée»

J'espère que cela vous a ouvert les yeux sur la règle des tiers. Ainsi, la prochaine fois que vous serez en vacances, cliquez sur la fonction de grille de votre appareil photo et essayez d'aligner certains des éléments clés de votre photo sur la règle des tiers. améliorez à la fois votre photographie et votre peinture.

Une nature morte est un genre artistique, principalement pictural qui représente des éléments inanimés (aliments, gibiers, fruits, fleurs, objets divers...) organisés d'une certaine manière dans le cadre et un format défini par l'artiste, souvent dans une intention symbolique.

Le format du tableau sera généralement de forme rectangulaire, un format vertical conviendra mieux à un objet en hauteur ( bouquet de fleurs, bouteilles... ) et inversement.

  A l'intérieur de ce format, on peut soit:

axer le ou les sujets représentés sur des lignes verticales, la lecture sera plus hachée. Sans doute faudra t-il y associer quelques lignes obliques pour aider le regard à circuler d'une ligne à l'autre.

On pourra aussi disposer les éléments en triangle quand leur format s'y prête.

ou en rectangle....

Composition en rectangle

Dans un cercle ou un ovale...

Souvent une diagonale décalée, qui apportera une impression de mouvement.

Le volume et la forme du rouleau de la vague qui déferle sont accentués par la lumière qui vient l'illuminer, en créant ombre et lumière, mais aussi une multitude de couleurs.

Peindre vagues océan marines - anglais, par laurentsaintgermain

Peindre les vagues l'océan, par laurentsaintgermain