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En regardant de nombreux dessins réalisés par des peintres amateurs sur la façon de dessiner la tête d'un personnage, je me suis rendu compte que la plupart du temps, les cheveux étaient représentés individuellement par des lignes courbes et que par conséquent, les chevelures étaient plates et sans volume.

Quelles sont les erreurs les plus courantes faites en dessinant ou en peignant des cheveux ?

Le rendu des volumes

C'est l'erreur la plus commune que je constate chez les peintres autodidactes. Il y a plus de 100 000 mèches de cheveux sur la tête. Ainsi, certaines personnes oublient le volume et tracent un tas de lignes aux multiples courbures, sans pour autant créer l’illusion du volume. Ce sont les dégradés et les différences de valeur qui montrent les changements de plan, qui créent l'illusion de volume. Ne pas tracer un tas de lignes. Au lieu de cela, concentrez-vous sur les volumes pour obtenir un style de cheveux longs et soignés.

Trop de texture

Il ne faut pas s'emballer sur la quantité de lignes dessinées pour essayer de rendre la texture du cheveu, dans les parties lumineuses, dans les ombres et même les demi-teintes. Il faut laisser des zones mortes, notamment dans les ombres où le volume sera moins marqué.

Toutefois si l'on peint des cheveux blonds dans une lumière intense, la texture aura son rôle à jouer essentiellement dans les ombres.

L'impatience est un mauvais choix

Il y a tellement de petites formes aléatoires dans les cheveux, qu'un bon dessin est une nécessité. Toutes les formes qui composent une chevelure sont parfois difficiles à transcrire et il est facile de devenir impatient et négligé. J’ai constaté que la confiance en soi était un élément important pour un bon dessin.

Contours trop nets

Je parle de la séparation entre les cheveux et le fond et aussi de la connexion entre les cheveux et le crane. Sauf si le sujet a une coiffure parfaitement peignée ou gélifiée, il y aura des mèches qui seront plus floues entre le contour et l'arrière-plan. Mais même si je vois un bord net, je vais le rendre plus doux pour faire bouger les plans. Cela ajoute également de la profondeur et de l'atmosphère et relie le sujet à l'environnement. La variation de la netteté est également importante dans les zones proches de la peau. Dessiner un contour trop net fera ressembler la chevelure à une perruque.

Considérer la forme du crane, l'ondulation des cheveux et l'orientation de la lumière

La plupart des styles de cheveux que vous dessinerez dépendront de la présence du crane. Il est donc important de penser à la forme de la tête et à la lumière qui se projette sur la chevelure.

Les groupes de mèches de cheveux s'enroulent et créant l'ondulation grâce à la lumière. Dans l'exemple ci-dessous, je me suis assuré d'ombrer le crane, pour qu'il ressemble à une boule, avant d'y ajouter toute la texture du dessus. Le côté gauche de la masse de cheveux est dans l' ombre, tandis que tous les volumes et le relief sont à droite.

hair wraps around the forms underneath

Ajout de volume dans les cheveux

Les cheveux sont représentés sous forme de mèches, de boucles ou d'ondulations, à l'image d'un ruban. Il est important de simplifier et de réfléchir à leur forme géométrique simplifiée, bien avant d’ajouter la texture. L'ajout de la texture des brins ne doit pas enlever l'illusion de volume. Nous pouvons simplifier une mèche de cheveux, en utilisant 3 éléments essentiels: La partie lumineuse, les demi-teintes et les ombres.

Voici un exemple basique de mèche de cheveux

Lock of hair as simple form

La mèche de cheveux représentée précédemment aide à comprendre globalement le processus de mise en valeur d'une touffe de cheveux ou d'une boucle. C'est la lumière qui crée des ombres et des demi-teintes. Si l'on veut obtenir plus de véracité dans la réalisation, il faut ajouter un quatrième élément qui est la texture ou la matière. Cela nécessite que soit plus approfondi et détaillé, les alternances entre groupes de cheveux, en y creusant des reliefs formés par la lumière, les demi-tons, les ombres. L'association de tout ces groupes de cheveux forment alors la texture.

Les Ombres

Que vous dessiniez des cheveux lisses, bouclés, ondulés, courts, à pointes ou des mèches, il y aura toujours des ombres. Il est important d’obtenir une séparation attrayante et bien équilibrée de la lumière et de l’obscurité. C'est l'association de toutes ces formes creusées, mais homogènes, qui va vous donner un beau rendu.

Demi-teintes

Lorsque je dessine des cheveux, je pense d’abord aux demi-teintes comme un dégradé entre les ombres et les rehauts de lumière. Plus tard, c’est là que je vais ajouter la plupart de la texture dans ces zones intermédiaires.

Les parties lumineuses de la mèche

Ce sont les formes qui attireront le plus l’attention, c’est pourquoi un bon dessin est important. On appliquera le même principe que pour les ombres. L'ensemble doit être harmonieux en faisant varier la longueur, l'épaisseur, la forme des mèches.

Texture

Quelques conseils pour dessiner la texture des cheveux:

    Dessiner ou peindre l'illusion de la chevelure. N'essayez pas de dessiner chaque cheveu, mais oser les courbures et les formes.
     Cela se produit lorsque vous tracez des mèches qui tombent sur le front. Les gens ne veulent pas gâcher le visage. Mais peu importe si c’est à l’endroit parfait. Les cheveux ont la particularité de bouger.
    Commencer le trait à la racine et le laisser s'affiner vers la pointe.

Peindre les cheveux et la barbe, par laurentsaintgermain

Publié le 3 Août 2019 par laurent

Publié dans : #corps humain, #huile, #techniques peinture

Dessin et peinture - vidéo 2910 : Comment réussir un portrait en estompant progressivement les couleurs ? - peinture à l'huile.

1ere étape : Le dessin

Le choix de la préparation du dessin dépend des capacités du peindre à entreprendre cette étape qui est cruciale pour la ressemblance. La technique peut se réaliser soit:

- A main levée en prenant des repaires pour donner la ressemblance au visage.

- A mettre au carreau le dessin en utilisant la proportionnalité, si l'on utilise une photo.

- Avec l’aide d’un projecteur. Cet outil permet d’avoir un dessin reproduit rapidement à l’identique.

2e étape : Le Lavis

Le lavis permet de positionner les nuances, les ombres et les lumières grâce à un « jus » formé par des couleurs diluées. On place des surfaces de différentes valeurs que l'on va fondre entre elles avec un pinceau sec et propre. Cette étape est en quelque sorte un repère pour la mise en couleur, pour le corps de la peinture. Il est important que le jeu de lumières soit effectué avec justesse, car il est d’autant plus difficile de rectifier ses erreurs, par la suite.

On peut utiliser du brun, du blanc et du liquin. Le liquin est un médium pour peinture à l’huile composé de résine alkyde qui accélère le temps de durcissement, fluidifie les couleurs en les rendant plus souples, plus transparentes, en permettant aux tons de se fondre avec facilité, sans pour autant les amaigrir; Contrairement à l’utilisation seule de l’essence (térébenthine ou White Spirit par exemple) qui fait perdre de la consistance à la couleur est donc de la qualité.

Rubens par exemple, utilisait une seule couleur pour son lavis, uniquement de la terre de Sienne brûlée. Il n’utilisait donc pas de blanc car il se servait de la couleur du fond (comme en aquarelle). Rubens diluait sa terre de sienne brûlée avec de l’huile ou du vernis copal, on peut aussi utiliser un mélange essence de térébenthine et huile d'oeillette.

« Cette teinte (terre de sienne brûlée) doit être étendue d’huile et de vernis copal, afin de donner un jus transparent à travers duquel le panneau blanc apparaîtra lumineux ». Xavier de Langlais

3e étape : L’ébauche

L’ébauche sert à mettre les différentes teintes en place, comme une sorte de répétition avant le spectacle. Cette étape peut être appliquée sur un lavis encore frais. L’artiste utilise ici la terre d’ombre naturelle, le blanc de titane, le liquin, le jaune de cadmium pâle, le rouge de cadmium et le bleu outremer. Le choix dans les couleurs se ressent dans l’aspect même du tableau. Si l’on se réfère aux Maîtres flamands, les couleurs utilisées pour les portraits étaient : Blanc d’argent (remplacé par le titane) / Ocre jaune / Laque de Garance, vermillon ou ocre rouge / Bleu outremer ou bleu de cobalt / Terre verte / Terre de sienne brûlée / Noir d’ivoire.

Une fois les couleurs du fond mises en place, le fond peut être estompé avec un pinceau propre, sec et doux (blaireau, putois ou même synthétique), afin que celui-ci devienne uniforme et que soient supprimées toutes les traces de poils.

4e étape : L’application des couleurs

Cette fois-ci, les couches précédentes doivent être bien dures et ce même en profondeur, c’est pourquoi mieux vaut attendre au minimum 24h. Cette étape est également appelé le « corps » de la peinture, c’est ici que la pâte picturale sera la plus épaisse et la plus déterminante pour le résultat final.

Cennino Cennini nous explique comment procéder :

« Prends trois vases, mets dans l’un, supposons du rouge pur, pour les deux autres, une des couleurs sera plus claire et la troisième, pour les demi-tons, sera faite du premier vase et de ce second clair.

Prends maintenant le premier, c’est-à-dire le plus obscur avec un pinceau un peu gros et un peu pointu, suis les plis de ta figure dans les lieux les plus obscurs et ne dépasse jamais le milieu de la grosseur de cette figure : Ensuite prends la couleur du milieu, couvre tes plis en partant du ton obscur. Alors prends la couleur la plus claire et couvre le côté de la lumière, en conservant toujours le nu sans coloris. Puis avec un autre vase de blanc pur, termine avec soin les reliefs les plus saillants.«

5e et dernière étape : Les glacis

Pour cette ultime étape, le tableau doit être dur en surface, alors attendez plusieurs jours ou peut-être même plusieurs semaines avant d’appliquer les glacis. Selon André Béguin, un glacis « est une peinture colorée, destinée à rester transparente de manière à ne pas recouvrir un fond mais à en modifier simplement la teinte. ».

NB: Le médium utilisé est le Liquin

liquin : médium pour peinture à l'huile

Il existe dans le commerce des médiums spécialement pour glacis qui sont de très bons produits tout à fait efficaces et un peu plus adaptés, car plus riches. Le glacis est utilisé pour rehausser certaines teintes afin de donner plus d’effets de profondeur, de réalisme, d’éclat et de contraste et donc créant un rendu plus beau. C’est étape est cruciale et essentielle pour sublimer votre travail à l’huile.

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