Tous les artistes connaissent ce produit, mais beaucoup de peintres aquarellistes n'osent pas s'y aventurer, en pensant que cette technique est trop proche du dessin. Si dans un premier temps, le dessin semble parfois inévitable, la peinture aquarelle vient vite prendre le relais, grâce à ses nombreuses possibilités techniques.  

Nous aborderons, dans les nombreuses vidéos proposées, les sujets liés au matériel et à la technique.

Qu'est-ce que le crayon aquarelle?

Par définition, le crayon aquarelle est un crayon de couleur qui mélangé à de l'eau, nous permet d'imiter la technique de l'aquarelle, mais grâce à un traitement plus rapide, plus simple et plus sûr.

Ce crayon, de par ses caractéristiques, nous permet de l'utiliser et d'obtenir des résultats secs et humides. Autrement dit, une fois que l'illustration est faite avec le crayon de couleur, nous pouvons arrêter dans cette phase avant de mouiller, en laissant un dessin réalisé à sec ou nous pouvons ensuite effectuer le mouillage pour "aquareller" le travail.

Comment le crayon aquarelle est-il utilisé?

Typiquement, lorsqu'un artiste souhaite peindre un dessin, c'est utiliser des crayons de couleur permanents. C'est peut-être la technique la plus utilisée et la plus habituelle pour effectuer ce travail, mais ici nous parlerons de l'alternative et des possibilités offertes par le crayon aquarelle.

a) Faites le dessin à sec, avec le crayon aquarelle. (Le crayon ne doit jamais être humidifié, car la mine se dissoudrait).
b) Humidifiez le pinceau avec de l'eau.
c) Arrosez les zones souhaitées avec le pinceau humide. Passez-le sur les zones conçues que vous souhaitez "aquareller".

1.- Pour peindre avec des crayons aquarelles, il est important d'utiliser un papier aquarelle, qui doit être fixé à la table avec du ruban de papier afin qu'il ne se recourbe pas lorsqu'il entre en contact avec l'eau. (Processus similaire à celui utilisé en aquarelle).

2.- Les crayons peuvent être utilisés avec la pointe de la mine, pour les lignes ou légèrement de côté pour couvrir des surfaces.

3.- Faites le dessin et coloriez-le, puis, sur ce dessin, passez le pinceau humidifié dans l'eau pour obtenir une aquarelle. (Lorsque vous effectuez un travail à sec, vous ne devez pas appuyer trop fort).

4.- Une autre façon de faire le travail peut être de pré-humidifier avec une éponge. Lorsque nous dessinons ensuite avec les crayons, nous obtenons un effet similaire à celui de fibres colorées.

Quelles techniques puis-je utiliser avec le crayon aquarelle ?

a) Si nous faisons le dessin avec le crayon, puis glissons le pinceau humidifié, on obtient l'effet aquarelle désiré.
b) Si avec le pinceau imbibé d'eau, on le fait glisser sur la pointe du crayon de couleur aquarelle, on augmente la quantité de pigment sur les poils du pinceau. On pourra alors peindre directement sur la surface du papier ou du support.

Récupération à sec du pigment coloré sur la pointe du crayon: 

Avec un papier de verre à grain fin, nous frottons la pointe du crayon aquarelle. On utilisera cette poudre, pour les zones où nous voulons déposer de la couleur. Ensuite, avec le pinceau humide, nous dissoudra cette poudre.

  Récupération mixte :

 
En suivant la procédure précédente, mais en utilisant plusieurs couleurs, on  pour obtiendra une large gamme de mélanges.

Doutes fréquents sur la dureté des mines de crayon.

Puis-je utiliser des crayons aquarelle sur la peau ?

Les couleurs aquarelles ne peuvent pas être utilisées sur la peau. Elles ne sont pas toxiques, mais ne sont pas indiquées pour cela et pourraient provoquer des réactions allergiques ou des irritations.

Quel papier dois-je utiliser pour peindre avec des crayons aquarelles ?

Il est conseillé d'utiliser des papiers aquarelles, c'est-à-dire des papiers poreux ou épais qui peuvent absorber correctement l'eau.

Nous voulons maintenant vous montrer quelques vidéos avec des exemples de différents travaux réalisés avec des crayons aquarelles.

 

 

 

 

Nous espérons que ces informations vous guideront pour commencer à travailler avec ce matériel artistique.

 

Crayons aquarellables, par laurentsaintgermain

 Cette vidéo va vous permettre de comprendre la manière de réaliser des vases de fleurs, en verre.

Se référer à l'article précédent sur la conception de bouquets de fleurs en peinture.

Dessin et peinture - vidéo 3093 : Peindre des bouquets de fleurs ? - toutes les techniques.

Je vous propose, en outre, une démonstration "pas à pas"

de la réalisation d'une nature morte de style provençal,

représentant les délices locaux:

tapenade, huile d'olive et olives.

Peindre des bouquets de fleurs, par laurentsaintgermain

L'art figuratif, qui se manifeste par la représentation du visible, est souvent opposé à l'art abstrait, qui depuis 1910 avec Vassily Kandinsky

Wassily Kandinsky, par laurentsaintgermain

ne cherche pas à représenter la nature, les objets du réel, et même, cherche à ne pas les représenter, en particulier l'art qui se définit comme non-objectif ou non-figuratif. Pourtant, une partie de l'art abstrait s'est nourrie d'une observation attentive du visible, c'est le cas de Piet Mondrian, entre autres, dans les années 1910.

Piet Mondrian, par laurentsaintgermain

Par ailleurs, la nature peut aussi servir de modèle lorsque l'artiste, comme la nature créatrice, crée , lui-même, au mieux des matériaux auxquels il donne forme.  

Du concret à l'abstrait, par laurentsaintgermain

Elsa Préau est une retraitée bien ordinaire. De ces vieilles dames trop seules et qui s'ennuient tellement - surtout le dimanche - qu'elles finissent par observer ce qui se passe chez leurs voisins. Elsa, justement, connaît tout des habitudes de la famille qui vient de s'installer à côté de chez elle. Et très vite, elle est persuadée que quelque chose ne va pas. Les deux enfants ont beau être en parfaite santé, un autre petit garçon apparaît de temps en temps - triste, maigre, visiblement maltraité. Un enfant qui semble l'appeler à l'aide. Un enfant qui lui en rappelle un autre... Armée de son courage et de ses certitudes, Elsa n'a plus qu'une obsession: aider ce petit garçon qui n'apparaît ni dans le registre de l'école, ni dans le livret de famille des voisins. Mais que peut-elle contre les services sociaux et la police qui lui affirment que cet enfant n'existe pas? Et qui est vraiment Elsa Préau? Une dame âgée qui n'a plus toute sa tête? Une grand-mère souffrant de solitude comme le croit son fils? Ou une femme lucide qui saura croire à ce qu'elle voit? Sophie Loubière, en reine du roman psychologique, brosse un bouleversant portrait de femme en proie à la violence ordinaire et touche en plein cœur.

Sophie Loubière, par l'équipe Polars français

Il existe trois périodes propre à l'art cubiste :

La première période (1906-1908) marque le cubisme cezannien qui porte le même nom que le célèbre peintre Paul Cézanne, peintre impressionniste précurseur du cubisme. Cette période est représentative par une peinture qui traite plus du volume en 3D et sur une base 2D.

La seconde période (1908-1910) est marquée par le cubisme analytique qui traite la peinture avec l'amplification du volume fractionné en facettes.

La troisième période (1910-1912) est marquée par le cubisme synthétique, les tableaux ne sont plus que des peintures. Des éléments du quotidien viennent s'intégrer dans la peinture, papier découpé (comme des journaux), ou même des textes.

Une autre période cubiste, peut être moins connu que les précédente, vient marquer la fin de ce mouvement artistique, le cubisme orphique. Robert Delaunay sera le seul artiste de cette pratique particulière.

Picasso, Braque, Cézanne, Delaunay, ont marqué cette période artistique par des œuvres connues dans le monde entier.

Le cubisme, par laurentsaintgermain

Les peintres cubistes, par laurentsaintgermain

Pablo Picasso, par laurentsaintgermain

Peindre des paysages et des arbres en automne, par laurentsaintgermain

Vidéo 3

Vidéo 4

Les peintres qui recherchent le potentiel des couleurs vives et des couleurs grises peuvent choisir parmi de nombreuses autres palettes limitées, chacune ayant ses propres forces et faiblesses.
Pour une large gamme de couleurs, une palette simple composée de pigments saturés de rouge, de bleu et de jaune, plus le blanc, est la clé. Chaque fois que les pigments sont combinés, ils perdent un peu de leur chromatisme, donc commencer par des couleurs à haute teneur en chromatisme garantit que vos mélanges seront intenses.
Cette palette de couleurs combine le rouge cadmium clair, le bleu outremer, le jaune cadmium clair et le blanc. Comme avec la palette Zorn, il peut faire une version de chaque teinte, mais le niveau de saturation est beaucoup plus élevé.

La lumière jaune de cadmium mélangée à la lumière rouge de cadmium produit des oranges propres et très chromatiques ; mélangée à de l’outremer, elle donne des verts saturés et légèrement chauds. La faiblesse de cette palette est dans les violets. C’est excellent pour représenter quelque chose comme ces pavés vieillis, mais incapable de peindre les fleurs violettes à haute teneur en chrome.

En remplaçant l’alizarine froide permanente par de l’alizarine froide à la lumière rouge cadmium chaude, on obtient des violets à haute teneur en chrome qui pourraient rendre justice à la floraison.

Cependant, l’alizarine modifierait l’échelle orange. En mélangeant ce rouge froid avec du jaune de cadmium, on obtient des terra-cottas et des siennes froides, plutôt que de l’orange véritable.

Chaque palette primaire tricolore aura des faiblesses dans le rendu des couleurs, et les artistes qui veulent pouvoir obtenir des violets, des oranges et des verts purs devront y ajouter des couleurs. Une façon de remédier à cette faiblesse est d’ajouter un seul pigment manquant, comme le vert ou l’orange, ou en choisissant d’utiliser une palette primaire divisée en six couleurs.
La palette de six couleurs contient des versions chaudes et froides de chacun des primaires – rouge, bleu et jaune. Une palette d’échantillons peut contenir du jaune de cadmium et du jaune de cadmium clair ; du bleu outremer et du bleu phtalocyanine ; du rouge de cadmium clair et de l’alizarine permanent.

La cartographie des verts à elle seule montre la vaste gamme de teintes – de l’olive chaude à la chaux fraîche – que l’on peut obtenir avec deux jaunes et deux bleus. Aucun vert que vous achetez ne peut atteindre une telle variété.

La palette d’un peintre est, en fin de compte, l’expression de la façon dont il voit le monde et les couleurs qu’il aime. En explorant une variété de palettes limitées, de terreuses à intenses, les peintres peuvent découvrir la combinaison de couleurs qui les aide le mieux à transmettre leur vision du monde.

Vidéo 1/4

Vidéo 2/4

Peindre les couleurs de la peau, par laurentsaintgermain

Les palettes limitées ne sont pas réservées aux peintres débutants. De nombreux artistes professionnels limitent le nombre de pigments avec lesquels ils travaillent. L’artiste le plus connu est peut-être Anders Zorn, un peintre suédois actif à la fin du XIXe siècle et au début du XXe qui a développé une palette de couleurs qui porte son nom. Cet autoportrait de 1896 a été réalisé avec la « palette Zorn » en quatre couleurs, que l’on peut également voir dans le tableau.

 

Bien que les érudits aient débattu des couleurs exactes utilisées par l’artiste, la palette Zorn est souvent considérée comme étant composée d’ocre jaune, de vermillon, de noir ivoire et de blanc. Certains croient qu’il a utilisé du rouge de cadmium plutôt que du vermillon ; quoi qu’il en soit, le rouge de cadmium est un substitut moderne au vermillon, qui est toxique.
Ces quatre pigments sont capables de faire une gamme complète de couleurs, malgré le fait que la palette ne contient pas de bleu. La nuance bleuâtre du noir ivoire lui permet d’agir comme un bleu ; il peut être mélangé avec du vermillon pour créer des violets sourds, et avec de l’ocre jaune pour suggérer le vert. La palette Zorn est également efficace pour créer de riches couleurs sombres et de beaux gris.

La palette Zorn donne lieu à des peintures subtiles et tonales, mais elle peut ne pas satisfaire les artistes passionnés par la couleur. Même Zorn lui-même ne l’utilisait pas exclusivement.

La palette Zorn pour les couleurs de peau, par laurentsaintgermain

 Dans cette vidéo, un peu particulière, je vous amène observer les arbres, avec leurs formes particulières et leurs branches structurées selon des schémas différents. Avec cette approche, vous améliorerez votre façon de dessiner et de peindre les arbres dans vos tableaux. En espérant que cette vidéo vous sera utile, pour vos peintures de paysage, autant en peinture à l'huile, qu'en peinture acrylique et en aquarelle.

Peindre les arbres, par laurentsaintgermain

Vidéo peindre arbres végétation herbe ruisseau, par laurentsaintgermain

Documentation : Peindre arbres végétation herbe, par laurentsaintgermain

Peindre la forêt, par laurentsaintgermain

Peindre des paysages et des arbres en automne, par laurentsaintgermain