Version courte

Liste des couleurs utilisées:
Blanc de titane, ocre jaune clair, terre de Sienne naturelle, bleu céruléen (ou bleu brillant), bleu cobalt, bleu nuit (ou bleu de Prusse), vert vessie (ou vert olive foncé), vert cinabre clair (ou vert olive clair).

Peindre des jacinthes, par laurentsaintgermain

Lucide, visionnaire, libre penseur... Les dystopies de l'auteur de "1984" résonnent avec une étrange familiarité. Espionnage de masse, "novlangue", "double pensée", rapport distendu à la vérité... Autant de thèmes et de questionnements présents dans l'œuvre de George Orwell qui frappent par leur actualité. Comment la pensée d'Orwell peut-elle encore éclairer notre présent ? Quel héritage pour l'œuvre de l'écrivain britannique ?

1984

1984, par l'équipe livres audio, pdf et musique relaxante

«  Au sommet de la pyramide est placé Big Brother. Big Brother est infaillible et tout-puissant. Tout succès, toute réalisation, toute victoire, sont considérés comme émanant directement de sa direction et de son inspiration. Personne n'a jamais vu Big Brother ; il est un visage sur les journaux, une voix au télécran. Nous pouvons, en toute lucidité, être sûrs qu'il ne mourra jamais. Big Brother est le masque sous lequel le Parti a choisi de se montrer au monde. Sa fonction est d'agir comme un point de concentration pour l'amour, la crainte et le respect, émotions plus facilement ressenties pour un individu que pour une organisation. En dessous de Big Brother, vient le Parti Intérieur. En dessous du Parti Intérieur, vient le Parti Extérieur qui, si le Parti Intérieur est considéré comme le cerveau de l'État, peut justement être comparé aux mains de l'État. Après le Parti Extérieur, viennent les masses amorphes que nous désignons généralement sous le nom de prolétaires. Dans l'échelle de notre classification, les prolétaires sont placés au degré le plus bas. » 

Ainsi se pose le cadre oppressant de 1984, le plus célèbre roman de George Orwell, considéré comme la référence du roman d'anticipation. Œuvre de science-fiction, mais tellement d'actualité, le livre s'impose aussi comme un témoignage singulier sur le XXe siècle, où l'on retrouve, de nos jours, les mêmes ingrédients dans cette mondialisation dévastatrice, à travers la figure inquiétante de Big Brother, devenu le symbole de l'oppression, le roman dénonce la tyrannie des grands systèmes politiques qui ont marqué et qui marquent l'Histoire contemporaine.

La ferme des animaux

George ORWELL est un génie, LA FERME DES ANIMAUX est une œuvre fascinante. Outre le parallèle avec l’URSS de Staline ce roman est surtout une critique de tous les régimes totalitaires politiques ou financiers et surtout de l’incapacité des peuples à y faire face.

La ferme des animaux, par l'équipe livres audio, pdf et musique relaxante

George Orwell, par l'équipe Science-fiction, Dystopie et Fantasy, des mondes à explorer...

Dans cette vidéo ,vous allez apprendre à dessiner et à peindre une fleur de cosmos avec seulement deux couleurs acryliques: le blanc de titane et le rouge magenta primaire.

Peindre des fleurs de cosmos, par laurentsaintgermain

Comment apprendre à peindre ou à dessiner une jeune fille manga à l'aquarelle, en essayant de nouveaux matériaux, tels que des crayons aquarelle pour dessiner les yeux et d'autres parties du corps ?

Peindre les mangas, par laurentsaintgerma

Les proportions

Les proportions sont un concept de base du dessin. Elles permettent de donner une harmonies à toutes les différentes parties du corps de telle sorte que le lecteur puisse s'identifier et croire au personnage.

En effet, si nous dessinons un personnage avec des mains qui font trois fois la taille de la tête, ou un œil plus grand que l'autre, ou des pieds plus grands que les jambes, nos lecteurs ne croiront jamais au personnage et penseront que l'auteur ne sait pas dessiner.

Les proportions servent donc à mesurer la taille du corps pour que celui-ci soit harmonieux pour le lecteur.

Mais comment peut-on mesurer un corps ?

  les dessinateurs utilisent la hauteur d'une tête comme unité de mesure du corps. Regardez bien l'exemple ci-dessous:

 

 

 

 

Vous pouvez voir tout à gauche des têtes empilées les unes sur les autres, elles nous permettent de mesurer en tête la taille de nos personnages.
Étudions le tableau de gauche à droite:

• 1er Personnage: Voici les proportions réelles d'un être humain. En dessin classique, les hommes et les femmes font entre 7,5 et 8 têtes de hauteur. Retenez bien ces chiffres car ils sont souvent posés comme question dans les concours d'entrer des écoles d'art. 
• 2ème Personnage: Ce personnage est ce qu'on appel en manga un "Chibi". C'est une version cartoonesque d'un personnage manga existant. Elle fait une taille de 3 têtes, mais ces proportions n'existent pas dans la réalité. Si vous désirez dessiner ces adorables personnages, vous pouvez consulter le cours: Comment dessiner des chibis de face
• 3ème Personnage: Elle fait 4 têtes et correspond à un enfant âgé de 8 ans dans les mangas. Mais dans la réalité ces proportions sont celles d'un bébé d'un an. 
• 4ème Personnage: La hauteur de 5 têtes correspond à un adolescent entre 12 et 16 ans dans les mangas. Dans la réalité, ces proportions correspondent à un enfant de 4 ans. 
• 5ème Personnage: Le rapport 1:6 est très utilisé dans les mangas. Ces proportions représentent un personnage âgé entre 14 et 20 ans. Mais dans la réalité cela correspond à un enfant de 8 ans. 
• 6ème Personnage: En manga, les adultes sont représentés avec une hauteur de 7 têtes. Mais dans la réalité cela correspond à un adolescent de 16 ans. 
• 7ème personnage: Ce dernier personnage fait une hauteur de 8 têtes. Dans la réalité, les adultes ont ces proportions mais dans les mangas elles sont rarement utilisées. C'est surtout les mangas réalistes qui utilisent ce genre de proportions.

Évidemment ces proportions ne sont pas absolues et varient d'un être humain à l'autre. Mais dans le dessin, ce sont des standards à maîtriser.

 

Vous aurez besoin de:
- Une planche à dessin.
- Un chevalet.
- Papier pastel.
- Pastels durs.
- Pastels tendres.
- Conte crayons.
- Gesso liquitex blanc.
- Peinture acrylique noire ou gris foncé.
- Un large pinceau.
- Fixatif.
- Ruban de masquage.
- Une sélection d'accessoires.

Paula Rego, par laurentsaintgermain

Paula Rego (Lisbonne, 1935) est l'un(e) des peintres figuratifs les plus pertinents sur la scène internationale et l'une des voix visuelles les plus lucides et combatives qui ont émergé dans la seconde moitié du 20e siècle. Classée parmi le courant artistique surréaliste, la production picturale de Paula Rego est enracinée dans des expériences et des souvenirs personnels, dans des fantasmes sinistres, dans l'histoire de l'art et dans la littérature. Au début des années 1950, elle s'installe en Angleterre pour étudier à la Slade School of Fine Art et adopte Londres comme sa principale ville de résidence. En dehors des modes passagères, Paula Rego a toujours pratiqué la peinture figurative sous des formes très différentes et est l'une des rares artistes modernes dont le travail tourne autour de la vie elle-même, comme l'ont fait ses prédécesseurs, Goya et Hogarth, révélant ainsi le meilleur et le pire de la condition humaine. Son œuvre a une volonté subversive et libératrice manifeste, avec une dimension évidente de lutte contre l'autorité. L'artiste y parle de domination, d'oppression et de violence, questionnant les stéréotypes socialement imposés. Avec une fidélité énorme de son expérience du monde, inspirée par les souvenirs de son enfance solitaire mais magique au Portugal et les nombreux rôles qu'elle a assumée dans sa vie, le peintre a créé une œuvre humaine profondément émouvante avec un langage passionné et énergique.

Tutoriel sur la peinture d'un autoportrait. 

° une introduction au matériel, 

° Des conseils sur la façon de positionner votre sujet, que ce soit l'autoportrait ou la peinture de portrait classique,

° Comment organiser sa palette.

° Mettre en valeur les volumes, les proportions et les formes.

Matériaux dont vous aurez besoin:

Les peintures:  ° Blanc de titane,

° Dioxyde de titane écrue,

° Jaune de cadmium,

° Rouge de cadmium,

° Bleu outremer, 

° Noir d'ivoire.

Les pinceaux: ° Brosses pur porc à tête plate

ou

° Brosses synthétiques.

Médiums:  ° Huile de lin,

  ° Zest It pour nettoyer les pinceaux: Zest it est un solvant respectueux de l'environnement non toxique fait avec le zeste d'agrumes. Odeur agréable, recyclable et plus sûr que l'essence de térébenthine,

° Planche / de la toile / du carton / du papier pour peindre à l'huile ou à l'acrylique, 

° Chevalet et / ou planche à dessin pour fixer le papier,

° Miroir si vous faites un autoportrait,

° Miroir à main pour voir les erreurs de conception et de réalisation.

Peindre un autoportrait, par laurentsaintgermain

Dans l'autoportrait, l'artiste choisit de montrer ce qui lui semble le plus caractéristique de lui-même au moment où il se peint: détails physiques, état d'esprit, relation à l'art, sentiment de la vie et de la mort. Observation de soi-même, l'autoportrait est aussi un face à face avec le spectateur, lorsque la peinture est exposée. 

Tutoriel sur la peinture d'un autoportrait. 

° une introduction au matériel, 

° Des conseils sur la façon de positionner votre sujet, que ce soit l'autoportrait ou la peinture de portrait classique,

° Comment organiser sa palette.

° Mettre en valeur les volumes, les proportions et les formes.

Matériaux dont vous aurez besoin:

Les peintures:  ° Blanc de titane,

° Dioxyde de titane écrue,

° Jaune de cadmium,

° Rouge de cadmium,

° Bleu outremer, 

° Noir d'ivoire.

Les pinceaux: ° Brosses pur porc à tête plate

ou

° Brosses synthétiques.

Médiums:  ° Huile de lin,

  ° Zest It pour nettoyer les pinceaux: Zest it est un solvant respectueux de l'environnement non toxique fait avec le zeste d'agrumes. Odeur agréable, recyclable et plus sûr que l'essence de térébenthine,

° Planche / de la toile / du carton / du papier pour peindre à l'huile ou à l'acrylique, 

° Chevalet et / ou planche à dessin pour fixer le papier,

° Miroir si vous faites un autoportrait,

° Miroir à main pour voir les erreurs de conception et de réalisation.

Peindre un autoportrait, par laurentsaintgermain

Une nouvelle réalisation basée sur la technique du "pouring méthode" et de la création de cellules. Un moyen de se détacher d'une copie, en faisant travailler son imagination.

Créer… quel doux mot!

Être créateur… wahou! Parlons d’abord de ceux qui ont déjà acquis une technique importante et qui souhaitent se détacher de la copie. Je parlerai ensuite des artistes qui débutent dans les deux domaines, technique et créatif.

J’adore les analogies, alors en voilà une que j’utilise souvent pour parler de cette transition artistique :

Une enfant qui est en dernière année de l’école primaire est en général dans une situation familière. Il connaît les autres enfants, les professeurs, les locaux, la routine. Il connaît les habitudes de certains, ce qu’il faut éviter, comment se comporter à tel ou tel moment. Cela ne veut pas dire qu’il fera « tout comme il faut », mais disons qu’il a beaucoup de points de repère pour que les journées soient fluides.

Puis, cette enfant grandit, et passe au secondaire (ou au collège en France).

Il a un an de plus, il a grandi et évolué, pourtant….

Pourquoi se sent-il perdu ? Il ne connaît presque personne, et encore moins les professeurs ! Il doit changer de salle toutes les heures, mais n’a aucune idée de comment s’y rendre ! Les consignes sont différentes, les horaires, les locaux, les couloirs, la cour de récréation… rien de tout cela ne lui est familier. Les cahiers de correspondance avec les parents sont compliqués, il a plus de devoirs, et il ne sait jamais à côté de qui il va être assis. Et puis il fait partie des plus jeunes de l’école, alors que l’année passée, il était dans les plus âgés…

C’est très déstabilisant, et même si il a "vieilli" d’une année, il a clairement l’impression d’être tout petit, d’avoir même régressé.

Plus vous êtes avancé dans la maîtrise technique, plus la « chûte » va être grande! Créer, c’est un autre univers, et si vous vous attendez à avoir un résultat aussi satisfaisant esthétiquement que lorsque vous faisiez de la copie, vous allez être très déçu ! Ce qui, en général, se traduit parfois, par un retour à la copie pour vous rassurer.

Mais est-ce que l’on propose à l'enfant de retourner en primaire ? Et même si on lui proposait, accepterait-il ? Non, il déciderait de continuer, même si c’est plus difficile.

Voici maintenant la deuxième situation.

C’est en général le processus qu’un enfant (ou un jeune) choisira. Reproduire parfaitement ne l’intéressera pas (ou moins). À la rigueur, avoir un modèle pour s’inspirer, mais avant la vingtaine, c’est rare qu’une enfant/ado dise « Je veux copier à la perfection telle ou telle image! ».

Alors cette personne (enfant, ado ou adulte qui ne sait pas copier) sera moins sujet à se saboter lorsqu’il créera. Il comprendra plus facilement que c’est normal si ce n’est pas super au début, que c’est normal si le résultat n’est pas un chef d’œuvre, et il acceptera plus facilement qu’il faut avoir des attentes cohérentes avec son niveau en peinture et ses apprentissages en créativité.

Bref, elle appliquera bien plus cet adage qui dit que la créativité est un muscle ! Donc, qu’il faut le travailler et que pour cela, il faut accepter d’être débutant !

Le moment de vérité

Revenons à nos moutons. Rappelez-vous: Je travaillais sans relâche sur la même toile, et même si le résultat était satisfaisant, je perdais au fur et à mesure le plaisir de peindre.

Et puis un jour, j'ai découvert la spontanéité. Que le but n’était pas de faire une toile finie, mais bien de sortir de sa zone de confort et peindre presque « sans réfléchir », en y associant ses propres couleurs, sa propre technique parfois peu académique, pour aboutir au résultat final.

J’ai alors découvert un nouveau monde! Un monde où le plaisir de peindre n’est pas relié à une maîtrise parfaite de la technique, mais au simple geste de peindre, au plaisir pur, sans attente!

J'ai décidé de pousser plus loin la création et donc de la faire imprimer sur tee shirt ( les modèles seront exposés sur pearltrees sur le compte  laurentsaintgermain dans la rubrique peinture ) .

Ma dernière réalisation avec le "pouring méthode" et la création de cellules.

Abstrait ou figuratif ?

L’art abstrait soulève bien des polémiques. Parfois il dérange, parfois il fascine, mais une chose est sûre, il ne laisse pas indifférent. Moi-même, je suis passé d’une certaine méprise pour l’art abstrait à une grande admiration. Et je ne suis pas le seul! Pourquoi est-si complexe comme « relation »? Dans cet article, je vais tenter de vous faire entrer dans le monde de l’abstraction. Que ce soit simplement pour mieux le comprendre ou parce que vous aimeriez en peindre. 

L’art abstrait: on adore ou on déteste

L’art abstrait, même s’il se détache des références de la réalité, utilise les langages classiques de la peinture (de l’art visuel en général, en fait) :

• Les couleurs;
• Les formes (incluant les notions de composition et de geste);
• La matière;
• La lumière.

Un artiste qui veut se lancer dans l’abstrait et réussir à donner de la puissance à ses œuvres devra donc maîtriser ces langages. Et souvent, la meilleure façon de les maîtriser et de les pratiquer via l’art figuratif : la plupart des Grands Maîtres en abstrait étaient d’excellents peintres figuratifs, et/ou d’excellents dessinateurs.

Les goûts et les couleurs ne se discutent pas. Mais voilà, même si je n’aime pas la plupart des œuvres de la Renaissance avec des scènes religieuses morbides, je suis impressionné lorsque je suis devant. Car cela fait référence à des codes que je connais : maîtrise technique des couleurs, du dessin, de la composition, de la lumière, des pigments. Et puis ce sont des tableaux immenses qui me plongent dans un univers différent… Il est plus facile pour moi d’accepter que ce soit reconnu comme de l’art, car je reconnais des standards de qualité établis. Même si je n’aime pas.

En art abstrait, comme la technique « paraît » facile (mais ce n’est pas le cas), notre esprit a plus de difficulté à accepter que c’est de l’art dans le cas où ça ne nous touche pas visuellement : notre cerveau reçoit comme info « Je n’aime pas », et n’ayant aucune référence sur la maîtrise des éléments utilisés (les codes de références « réalistes » étant absents) il nous paraît alors évident de conclure que ce n’est pas de l’art.

Un peu comme si vous essayez de juger l’histoire que votre voisin vous raconte, mais il la raconte en grec et vous ne parlez pas le grec… mission impossible.

Alors la première étape, c’est de remettre en question ce jugement rapide qui dit : c’est nul! Si on ne comprend pas, comment peut-on sincèrement dire que ce n’est pas bon? Au pire, on peut dire « Je n’aime pas », mais émettre un jugement catégorique sur ce qu’on ne saisit pas est un peu trop rapide à mon goût.

La deuxième étape, c’est de se fournir un « décodeur ». Tout comme vous vous procureriez un dictionnaire français/grec pour comprendre l’histoire de votre voisin. Cet article devrait déjà vous fournir quelques pistes de réflexion et d’approche concernant l’abstraction. Et si vous souhaitez aller plus loin et peindre de l’abstrait.

Peindre un ruisseau en forêt, par laurentsaintgermain