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Le blog de lapalettedecouleurs.over-blog.com

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Des milliers de vidéos pour vous aider à comprendre le dessin et la peinture (aquarelle, huile, acrylique), mais aussi l'écologie des cours d'eau, la lecture en écoutant de la musique relaxante

Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #peinture abstraite

 

 

Dessin et peinture - vidéo 2945 : Des techniques combinées pour réaliser une peinture abstraite - peinture acrylique.

 

 

les différentes techniques:

 

- Le papier cellophane pour créer par retrait, des figures aléatoires.

- La superposition de glacis transparents ( voir code sur les tubes de peinture)

- Le dessin de figures géométriques ( cercles, ovales, carrés, rectangles, etc...), pour les peindre et les estomper.

- L'utilisation de plastique, pour créer des formes arbitraires.

- La projection de gouttelettes de peintures diluées avec un pinceau brosse.

Seul, le manque d'imagination vous freinera dans votre délire pictural.

Liste des fournitures:

Pébéo blanc gesso
Peinture acrylique Pébéo: Mars Black
Peinture acrylique Pébéo: Blanc de titane
Peinture acrylique Pébéo: vert bleu irisé
Peinture acrylique Pébéo: Or irisé
Peinture acrylique Pébéo: Jaune orange irisé
Peinture acrylique Pébéo: bleu violet irisé
Peinture acrylique Pébéo: bleu rouge irisé
Peinture acrylique Pébéo: bleu turquoise
Peinture acrylique Pébéo: violet oriental
Peinture acrylique Pébéo: rose vif opaque
Peinture acrylique Pébéo: jaune primaire
Peinture acrylique Pébéo: terre d'ombre brûlée.

 

EMOTICON couleur 13

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #huile, #nature morte

 

Dessin et peinture - vidéo 2944 : Nature morte à l'ail, au citron et aux feuilles de laurier 1 et 2 ( le dessin) - acrylique ou huile.

 

Nous avons vu lors des précédentes vidéos, la mise en place, dans un premier temps, des ombres et des lumières à  l'aide d'un crayon noir, plutôt gras. Puis répéter la même opération avec de la peinture noire et blanche, pour obtenir des gris intermédiaires ,pour le fond (teinte moyenne), puis des gris clairs pour les zones lumineuses et enfin des gris profonds pour les ombres. Le sujet est ainsi finalisé en N§B. 

 

 

Cette mise en peinture monochrome, avec un blanc plus opaque, est la préparation de la "velature" ou "velatura" (succession de glacis).

 

 

La technique de la velature ou velatura (peinture à l'huile ou à l'acrylique), par laurentsaintgermain

Cette technique très ancienne, datant de la renaissance Italienne, consiste à superposer des couches de peintures diluées ou transparentes à faible opacité  (C'est le cas dans notre exemple du jaune citron). C'est une indication présente sur les étiquettes des tubes de peinture.

 

 Les couleurs utilisées pour la nature morte sont: Le jaune de cadmium clair ou le jaune citron (plus transparent), le jaune de cadmium moyen, le rouge primaire, le rouge carmin ou le rouge cramoisi, le bleu céruléen et le bleu outremer.

Vous ne rencontrerez pas de grandes difficultés à mettre en évidence, par la couleur, les ombres et les parties lumineuses, car le travail a déjà été effectué avec les différents gris déposés, dans un premier temps.

 

 

 

 

 ail-image-animee-0008

 

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #huile, #nature morte

 

Dessin et peinture - vidéo 2944 : Nature morte à l'ail, au citron et aux feuilles de laurier 1 et 2 ( le dessin) - acrylique ou huile.

 

 

 

 

Mise en place, dans un premier temps, des ombres et des lumières à  l'aide d'un crayon noir, plutôt gras, puis répéter la même opération avec la peinture noire et blanche, pour obtenir des gris intermédiaires pour le fond (teinte moyenne), puis des gris clairs pour les zones lumineuses et enfin des gris profonds pour les ombres. 

Cette mise en peinture monochrome, avec un blanc plus opaque, est la "velature" ou "velatura".

 

 La technique de la velature ou velatura (peinture à l'huile ou à l'acrylique), par laurentsaintgermain

 

 

 

 

EMOTICON citron 9

 

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #huile, #animaux

 

Dessin et peinture - vidéo 2943 : Comment peindre un oiseau en plein vol ? Acrylique ou huile.

 

      

           

 

L'arrière plan

Par petites touches de pinceau, ajouter du noir, du bleu outre-mer, du rouge, du jaune et du blanc pour créer la végétation du flanc de la montagne, survolée par l'oiseau. Avec du blanc, on obtient tout une gamme de gris colorés plus ou moins sombres qui couvriront le carton entoilé. La partie supérieure droite représente le ciel. La parie inférieure, le pied de la montagne.  

L'Oiseau

Dessin et peinture - vidéo 2943 : Comment peindre un oiseau en plein vol ? Acrylique ou huile.

 

Les rectrices ou plumes de la queue.

Un premier lavis s'effectue avec du bleu turquoise ou à partir d'un mélange de bleu outremer et de blanc.

Les pointes des plumes sont peintes avec un gris foncé (noir et blanc) ou avec un gris de payne, en l'intégrant progressivement avec un petit pinceau fin, dans le bleu turquoise, avant que la peinture ne sèche.

Le bleu turquoise est renforcé puis bordé le long des plumes, avec un bleu outremer.

Sur le bleu, on pose des touches de jaune de cadmium transparent (indiqué sur le tube de peinture, par un code) pour donner du volume à chaque rectrice encore humide.

On borde l’extrémité du plumage avec un blanc de titane, que l'on dépose aussi sur chaque plume pour accentuer le relief.

Les tectrices ou plumes couvrantes.

petites plumes qui recouvrent la tête, le corps, la base des ailes et de la queue, elles protègent le corps de l'animal, à la manière de tuiles. Elles sont de couleur jaune, puis rouge.

Les rémiges ou plumes des ailes.

On commence, comme pour les rectrices, par peindre l'étendard de la plume (le centre) en partant du corps vers l’extérieur de l'aile, du bleu turquoise au violet clair ( bleu turquoise, rouge et blanc).

Les autres couleurs et les processus sont les mêmes que pour les plumes de la queue.

Les tectrices primaires et secondaires, la petite couverture et les plumes de la tête seront d'un bleu ou d'un gris de payne plus clair, additionné de rouge en bordure.

Des touches de peinture jaune vont venir se superposer à ce gris initial.

Penser à :

- Bien séparer les rémiges avec des bordures noires.

- Rehausser ces plumes, d'un peu de blanc pour simuler leur brillance. 

L'autre aile est peinte de manière identique.

 

 

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Publié le par laurent
Publié dans : #techniques peinture

 

Dessin et peinture - vidéo 2973 : Comment peindre en monochromie ? - acrylique ou huile.

 

Dessin et peinture - vidéo 2973 : Comment peindre en monochromie ? - acrylique ou huile.

 

Définition de l’œuvre monochrome

Monochrome signifie que l'illustration a été créée en utilisant les nuances d'une couleur.

dessin monochrome au crayon

Votre voyage artistique commence avec un crayon et une gomme et quelques notion de dessin.

Nous pouvons les créer sur n'importe quel support.

Monochrome signifie une seule couleur.

paysage monochrome rouge peint à l'aquarelle

Vous pouvez peindre un paysage en rouge ou dessiner une nature morte en utilisant uniquement des variations de bleu.

Nature morte bleue monochrome dessinée au crayon
 

Bien sûr, vous pouvez utiliser n'importe quelle couleur pour créer la peinture de votre choix.

Il y a cependant un facteur à ne pas négliger que vous devrez  prendre en compte avant de sortir vos pinceaux et de commencer à peindre.

Les couleurs véhiculent des émotions
couleur rouge véhiculant un danger

Chaque couleur traduit un sentiment ou une émotion différente. Par exemple, le rouge fait penser à la chaleur et au danger.

couleur verte véhiculant le froid

Le vert est une couleur froide qui vous fait penser à l’herbe, à la mousse et par conséquent à la fraicheur.

Si vous voulez une belle œuvre d'art paisible pour la chambre à coucher, le rouge n'est probablement pas la couleur à choisir.

 Vous devez vous demander, quel effet émotionnel l’œuvre finale aura sur le spectateur.

oeuvre monochrome rose de fleurs exprimant une émotion paisible

Dans ce cas, une couleur pastel serait un meilleur choix.

 

 

Monochrome ou Mono-ton
Doit-on dire,  monochrome ou mono-ton lorsqu'on se refere à une œuvre d'art créée à l'aide de nuances d'une seule couleur ?
 Mono-ton, n'est pas le mot approprié.
trois couleurs monotones

 Mono-ton signifie la même valeur tonale. Pas de rehauts, d'ombres ou de tons moyens.

 Si vous n'utilisez qu'une seule valeur tonale, vous devrez utiliser plusieurs couleurs de la même valeur tonale

pour créer votre illustration.

Cela vous laisserait une œuvre intéressante, mais très plate.

En fait, si vous deviez prendre une photo en noir et blanc de l'œuvre d'art, vous ne verriez rien.


 

palette avec peinture monochrome dessus

Ici, j'ai pris 4 couleurs, clair moyen et foncé, puis ajusté leurs valeurs tonales pour qu'elles soient identiques.

Les couleurs d'origine sont en haut et les couleurs que j'ai mélangées pour obtenir des valeurs tonales égales sont en dessous.

 Voici la même photo en noir et blanc :

palette avec des couleurs monotones montrées en niveaux de gris

Comparez la photo couleur et la photo noir et blanc et remarquerez

que les couleurs de même valeur tonale sur la photo noir et blanc sont identiques.

 

Manières d'utiliser la monochromie?

Pourquoi voudriez-vous peindre ou dessiner en monochromie

quand vous avez toutes les couleurs de l'arc-en-ciel à votre disposition?

La réponse est en fait assez simple:

cheval peint en monochrome

Pour l'effet.

Nous avons déjà évoqué les effets de la couleur sur les émotions et l’humeur de la personne regardant l’œuvre.

 De la même manière, vous pouvez exprimer vos propres émotions et votre humeur dans l’œuvre.

oeuvre monochrome utilisée pour transmettre l'émotion

Si vous trouvez quelque chose de terne et triste, peignez-le avec des bruns ou des gris.

Vous voudrez également travailler en monochromie pour d’autres raisons plus banales.

L'une d'elles est que vous souhaiterez peut-être que la couleur de l'illustration corresponde à la palette de couleurs de votre intérieur.

sous-couche monochrome

Une autre consiste à créer une sous-couche monochrome avant d'ajouter la couleur à l'illustration.

Pourquoi voudriez-vous faire cela?

Un des plus gros problèmes que je trouve chez les nouveaux artistes est qu’ils ont peur des contrastes.

Ils ne veulent pas devenir trop sombres au cas où l'œuvre aurait l'air terne et morte.

 Le contraire est aussi vrai. Vous avez besoin d’ombres sombres pour que vos  lumières paraissent plus lumineuses.

Travailler en monochrome vous oblige à ignorer la couleur et à regarder les valeurs tonales sous-jacentes.

peinture avec trop peu de contraste

Ce sont les contrastes qui font que l’œuvre évite d'être plate.

La méthode la plus courante de faire un monochromie est d'utiliser la méthode de "la grisaille",

utilisée par les anciens maîtres du Baroque et de la Renaissance.

 Avec cette méthode, la composition est peinte en utilisant uniquement des nuances de gris neutre.

peinture grisaille avec glaçures sur couche monochrome

Une fois sèche, la couleur est ajoutée à l'aide de glacis transparent.

 

 

 
Monochrome ou Mono-ton
Doit-on dire,  monochrome ou mono-ton lorsqu'on se refere à une œuvre d'art créée à l'aide de nuances d'une seule couleur ?
 Mono-ton, n'est pas le mot approprié.
trois couleurs monotones

 Mono-ton signifie la même valeur tonale. Pas de rehauts, d'ombres ou de tons moyens.

 Si vous n'utilisez qu'une seule valeur tonale, vous devrez utiliser plusieurs couleurs de la même valeur tonale

pour créer votre illustration.

Cela vous laisserait une œuvre intéressante, mais très plate.

En fait, si vous deviez prendre une photo en noir et blanc de l'œuvre d'art, vous ne verriez rien.


 

palette avec peinture monochrome dessus

Ici, j'ai pris 4 couleurs, clair moyen et foncé, puis ajusté leurs valeurs tonales pour qu'elles soient identiques.

Les couleurs d'origine sont en haut et les couleurs que j'ai mélangées pour obtenir des valeurs tonales égales sont en dessous.

 Voici la même photo en noir et blanc :

palette avec des couleurs monotones montrées en niveaux de gris

Comparez la photo couleur et la photo noir et blanc et remarquerez

que les couleurs de même valeur tonale sur la photo noir et blanc sont identiques.

 

 

 

Une méthode différente s'appelle Verdaccio.

portrait peinture montrant une couche de verdaccio monochrome

Ici, on ajoute du jaune au gris pour obtenir une sous-couche monochrome verdâtre.

chevaux dans un paysage peint avec Sienna brûlé sous la peinture

Les paysagistes aiment aussi souvent utiliser la terre de Sienne brûlée, 

paysage de chevaux achevé avec monochrome sous peinture montrant à travers

L'avantage de travailler en monochromie est que vous supprimez l'aspect couleur de l'illustration.

 Il est aussi beaucoup plus facile,  pour les débutants de maîtriser un médium.

Ils sont moins submergés lorsqu'ils doivent se concentrer uniquement sur les valeurs tonales.

il est beaucoup plus facile d'ajouter des couleurs. une fois ces valeurs choisies

C’est pourquoi la plupart des professeurs d’art commencent par dessiner au crayon avant de passer à la peinture.

 
Ajout de tons directs aux œuvres monochromes

Voyons maintenant ce que nous pouvons faire pour que nos œuvres monochromes se démarquent davantage.

oeil monochrome avec couleur d'accompagnement ajoutée

Une façon de créer du drame dans vos œuvres monochromes consiste à ajouter un point de couleur supplémentaire

au point central.

 Faire cela oriente l'œil du spectateur vers ce point focal.

Une méthode répandue consiste à créer l’ensemble de l’œuvre en niveaux de gris colorés,

puis à ajouter de la couleur au point focal central.

peintures de chats monochromes avec des yeux aux couleurs complémentaires et harmonieuses

Lorsque vous ne travaillez pas en niveaux de gris, vous pouvez également utiliser la couleur opposée dans la zone focale.

 Cela fera apparaître le point focal qui semblera très vivant.

 

Mélange de couleurs

Mélanger 5 versions de la couleur choisie.

palette indiquant la couleur de base, les tons clairs, les tons ombrés et moyens

Je commence par mélanger la couleur de base. La couleur que je veux avoir dans l’ensemble des œuvres.

Ensuite,

Les couleurs adjacentes peuvent être mélangées pour créer les tons moyens.

Cela me donne une bonne variété de valeurs tonales à choisir lors de la peinture,

que l'on placera aux endroits correspondants.

peinture monochrome montrant différents types de mélanges

Pour fusionner les couleurs, vous devez voir comment elles se juxtaposent.


 

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Publié le par laurent
Publié dans : #aquarelle, #musique zen, #paysage

 

 

Dessin et peinture - vidéo 2942 : Comment peindre un ruisseau dans un sous-bois ? peinture aquarelle.

 

      

 

 

Ce sous-bois est extrêmement réaliste, la palette n'est pas limitée et permet  l'utilisation de différentes nuances de couleurs, tout en harmonie, en créant une composition plus réaliste. la profondeur de champ est spectaculaire et offre une dimension supplémentaire à la réalisation. Les petits détails viennent donner vie à la peinture. 

- Pigments pour cette peinture:
Cadmium Jaune citron, jaune orangé, orange profond, vert foncé, nuance neutre, rouge foncé, bleu intense, bleu de  cobalt, bleu clair, rouge clair

- Papier pour aquarelle de 300g / m2 28x38cm.

Quoi de plus agréable que de peindre ce sous-bois en écoutant de la musique relaxante et apaisante.

 

Musique relaxante : ruisseau et sous-bois, par l'équipe livres audio, pdf et musique relaxante

    

    

 

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Publié le par laurent
Publié dans : #aquarelle, #techniques peinture

 

Dessin et peinture - vidéo 2941 : Comment peindre à l'aquarelle ? les techniques.

 

 

 

 

    

    

 

Paysage, nature morte ou portrait… plus que la technique, c’est votre interprétation, à travers le choix des couleurs et la composition, qui fera la différence. 6 étapes-clés pour vous aider à réaliser une aquarelle.

 

1. Le choix du sujet

 

  • Vous débutez ? Optez pour des sujets simples, vous éviterez de vous perdre dans les détails : un verre, un fruit, un bouquet de pâquerettes, etc. Rien ne sert de vous lancer trop tôt dans l’abstrait
  • Travaillez plutôt d’après photographie que d’après modèle vivant. Vous pourrez reprendre votre œuvre à tout moment, sans contrainte de temps ni de météo. Pour plus de facilité, pensez à photocopier votre photo en l’agrandissant.
  •  Envie de prendre l’air ? L’aquarelle est une des techniques qui se prête le mieux au nomadisme ! En extérieur, un horizon lointain ou le détail d’un reflet suffisent à donner vie à votre tableau. Mais attention, ne peignez que ce qui se trouve dans votre champ de vision, sans tourner la tête de droite à gauche.

 

Astuce : En été, installez-vous à l’ombre pour éviter que le papier blanc ne vous éblouisse !

 

2. L’observation du sujet

 

Prenez le temps de la réflexion et de l’observation, posez-vous un maximum de questions.

  • Stimulez votre créativité en vous focalisant sur les jeux de couleurs, les différentes nuances et leurs variations : quelle est la tonalité générale du sujet ? Quelle impression générale cherchez-vous à retranscrire ?
  • Observez les ombres et la façon dont se propage la lumière.

 

Aquarelle - la composition du tableau

3. La composition du tableau 

 

  • Plus que les règles géométriques, c’est votre sens de l’équilibre qui doit vous guider. Cherchez toujours la meilleure mise en page possible, en ayant à l’esprit qu’un petit sujet dans un trop grand format donne une sensation de vide et que l’inverse créé une sensation d’étouffement. 
  • Pensez à inclure les ombres portées : placez votre sujet de telle manière qu’elles animent le tableau sans déséquilibrer la composition.
  • Ne cherchez pas à remplir à tout prix votre surface de papier : isolé sur fond blanc, votre sujet peut gagner en élégance.

 

 

4. Le dessin préparatoire

 

Rares sont les artistes qui se lancent sans effectuer la moindre esquisse préparatoire ! Tracez d’abord légèrement les grandes lignes au crayon : c’est lors de la mise en couleur que vous ajouterez au besoin quelques détails.

  • Votre trait doit être très léger : en aquarelle, dès la première couleur passée, le crayon est fixé et ne peut être gommé. Un tracé trop épais salira vos teintes.
  • Si votre esquisse ne vous satisfait pas, ne gommez pas. Reprenez directement le tracé ou recommencez.

 

Astuce : vous n’avez jamais dessiné et craignez de vous jeter à l'eau ? Utilisez un papier calque pour reporter sur le papier les contours du sujet.

 

Aquarelle - La mise en couleur

5. La mise en couleur 

 

​La technique humide exige que le maniement du pinceau soit le plus sûr possible, les erreurs étant délicates à rattraper.

  • Ayez le geste ferme, quitte à déborder légèrement des différentes zones du dessin préliminaire.
  • Travaillez rapidement, car l’aquarelle sèche vite.
  • Exercez-vous encore et encore, pour explorer toutes les possibilités offertes par votre palette !

 

6. Ajout des détails

 

L’objectif de cette dernière étape est double : renforcer la présence de certains éléments et donner plus de corps à votre œuvre.

  • Rehaussez les éléments du premier plan
  • Travaillez avec des couleurs peu diluées.

 

La technique, par laurentsaintgermain

    

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Publié le par laurent
Publié dans : #aquarelle, #techniques peinture

 

Dessin et peinture - vidéo 2940 : Comment réussir un paysage à l'aquarelle ?

 

 

 

 

         

    

 

 Le matériel, par laurentsaintgermain

 

Trains transparentes alphabetsTrains transparentes alphabetsTrains transparentes alphabets  Trains transparentes alphabetsTrains transparentes alphabetsTrains transparentes alphabetsTrains transparentes alphabetsTrains transparentes alphabetsTrains transparentes alphabetsTrains transparentes alphabets

 

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Publié le par laurent
Publié dans : #oeuvre expliquée, #peintres

 

 

Le massacre des innocents

Nicolas Poussin, Le massacre des Innocents, huile sur toile, 1625-29, 147x171, musée Condé, Chantilly.

 

L’œuvre:

Description formelle :Cette œuvre de grand format (147x171) présente au premier plan trois personnages : un soldat vêtu de rouge qui lève son épée au dessus d’un bébé immobilisé au sol et une femme à genou, accrochée au flanc gauche du soldat et tentant d’empêcher l’acte meurtrier. Son visage exprime la terreur et sa bouche ouverte laisse échapper un hurlement de douleur, « Le plus beau cri de toute la peinture » : c´est ainsi que le peintre du 20e siècle Francis Bacon rendait hommage à ce tableau de son devancier. Au second plan, une deuxième mère s’enfuit emportant sous son bras le cadavre d’un enfant.

 La scène est campée dans un décor épuré : une large colonne, située à gauche stabilise la verticalité de la composition. Le sol au premier plan nous fait directement entrer dans la scène. A l’arrière plan, on aperçoit une façade de temple gréco-romain.

Sujet de l’œuvre : Cette toile illustre un épisode précis de la Bible : le « Massacre des Innocents ». Le roi Hérode, furieux que les mages ne reviennent pas l’informer du lieu où se trouve le jeune Jésus, ordonne à ses soldats de tuer tous les enfants de moins de deux ans présents dans le royaume. L’artiste représente ici l’instant tragique de la mise à mort d’un bébé, sa mère implorante tentant de le soustraire au soldat.

 

Le sens de la composition : Nicolas Poussin présente ici une synthèse de l’épisode biblique du massacre des Innocents en une seule scène, concentrée dans les trois personnages du premier plan. Toute la composition est construite de manière à concentrer le regard sur le visage de la mère vêtue de jaune et à déclencher un grand émoi chez le spectateur. Pour créer cette émotion, Nicolas Poussin répartit les trois personnages principaux autour de deux grandes diagonales ascendantes. L’une dirigée vers la gauche, démarre du corps de la mère située au sol, se poursuit sur le buste du soldat et se termine dans la main meurtrière et l’épée (ligne rouge). L’autre dirigée vers la droite, débute par l’enfant à terre, remonte le long de la jambe du soldat, passe sur le visage de la mère et aboutit sur la femme éplorée vêtue de bleu (ligne jaune). Ces deux lignes se croisent au centre de la toile, sur la bouche hurlante de la mère. Nicolas Poussin a donc construit sa composition afin que le cri, la terreur et l’émotion que dégage cette œuvre, prennent toute leur puissance et deviennent LE sujet du tableau.

 

Le massacre des innocents

Ces deux éléments fondamentaux qui consistent à :

• concentrer un épisode historique en une seule scène et

• accentuer les émotions des personnages par les attitudes des corps, les visages et expressions, seront deux lignes directrices de la technique propre à Poussin, qu’il nommera ainsi : « l’expression des passions» et « le choix des modes ».

L’artiste au moment de la création :En 1624, Nicolas Poussin arrive à Rome après peut-être un voyage à Venise. Après peut-être un moment de réelle pauvreté, il obtient plusieurs commandes importantes dont Le Massacre des Innocents. Cette toile a été réalisée pour Vincenzo Giustiniani qui construisait au début du XVIIe siècle, son palais à Rome et en constituait le décor. L’œuvre de Poussin était placée en dessus de porte et donc bien moins visible qu’aujourd’hui. Cette hauteur justifie sans doute le choix de Poussin d’accentuer si fortement les « passions » ou émotions. Cette première commande destinée à un collectionneur privé, sera beaucoup admirée par les amateurs d’art éclairés de l’époque. Ce succès influencera peut-être Nicolas Poussin dans le choix de sa future clientèle. En effet, il décida rapidement d’abandonner les grandes commandes publiques pour se concentrer davantage sur des tableaux de petits formats, illustrant des sujets intellectuels complexes et destinés une clientèle de collectionneurs privés et avertis.

Les contextes de création du début du XVIIe siècle :En France, la situation politique est mouvementée. En 1610, le roi Henri IV est assassiné et Marie de Médicis assure la Régence de son fils Louis XIII qui n’a que 9 ans. Cette régence sera très difficile. La reine considère son fils comme « trop faible de corps et d’esprit » pour gouverner. Il prendra le pouvoir seulement en 1617, après avoir écarté sa mère des affaires du royaume, en l’exilant à Blois. Les commandes artistiques royales seront néanmoins nombreuses et importantes à cette époque. On peut citer par exemple, le célèbre cycle de toiles commandé par la Reine mère à Rubens pour son palais du Luxembourg à Paris (exposé au Louvre). Elle demandera également à Philippe de Champaigne de participer au décor. On apprécie donc le colorisme et les formes baroques hollandaises et l’art plus sobre et classique français. L’Italie à cette époque n’est pas unifiée, chaque province ayant sa propre situation politique. A Rome, qui se distingue par sa place de capitale des arts, le pape Urbain VIII Barberini (1623) mène une politique active de mécénat artistique. Les chefs-d’œuvre de l’antiquité font l’admiration de toute l’Europe et il est naturel pour les artistes, toutes disciplines confondues, de venir faire leur apprentissage dans la « cité éternelle ». Les grandes commandes émanent donc des cercles politiques publics mais également des collectionneurs privés issus de grandes familles telles que Dal Pozzo, ou Barberini

 La situation des arts en Europe au début du XVIIe siècle : En peinture, deux courants se côtoient. Le caravagisme (dont nous avons un exemple au musée Condé avec l’œuvre de Trophime Bigot, Le repas d’Emmaüs) qui s’inspire de l’œuvre du Caravage et la grande peinture lyrique, qui a comme sujets de prédilection, les épisodes bibliques et mythologiques. Nicolas Poussin fait partie de ce second courant

Le massacre des innocents

Trophime Bigot, Le repas d’Emmaüs, huile sur toile, 1ère moitié du XVIIe siècle, 121x173, musée Condé, Chantilly.

Le style baroque avec la peinture de Pierre de Cortone ou encore le sculpteur Bernin trouve son expression la plus parfaite dans ce début du XVIIe siècle (par exemple : 1624, le Bernin réalise le baldaquin de Saint-Pierre de Rome).

Un jalon pour l’histoire des arts: Nicolas Poussin nous donne ici une représentation universelle du massacre. Cette simplification du propos donne une force toute nouvelle à cette composition qui avait pour habitude d’être traitée par les artistes de manière très sophistiquée, mettant en scène des corps entremêlés au sein d’une action violente. Il propose ainsi une nouvelle manière pour représenter les épisodes historiques où s’illustrent de nombreux personnages.

Très admirée en son temps, cette toile continua à influencer les artistes au cours des siècles. Pablo Picasso étudia en détail cette composition pendant sa période méditerranéenne (1920-1922). On retrouve par exemple la femme debout au second plan du Massacre des Innocents dans Guernica, célèbre toile de Picasso qui elle aussi représente une synthèse d’un massacre moderne et un cri.

Le massacre des innocents

 

Le massacre des innocents

 Détails :

Femme agenouillée, proche de la femme vêtue de jaune de l’œuvre de Poussin.

 

Le massacre des innocents

Femme hurlante, tenant un enfant dans ses bras, proche de la femme vêtue en bleu de l’œuvre de Poussin 

 

 Nicolas Poussin, par laurentsaintgermain

 

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #aquarelle, #huile, #marine

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