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Le blog de lapalettedecouleurs.over-blog.com

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Des milliers de vidéos pour vous aider à comprendre le dessin et la peinture (aquarelle, huile, acrylique), mais aussi l'écologie des cours d'eau, la lecture en écoutant de la musique relaxante

Publié le par laurent
Publié dans : #huile, #oeuvre expliquée, #peintres, #techniques peinture

 

Dessin et peinture - vidéo 2927 : Comment copier le tableau de Johannes Vermeer ( 1632-1675 ) -  "la laitière" ( v 1660 ) ? - huile.

Cliquer sur l'image pour agrandir

Analyse de La laitière de Vermeer

Les scènes d'intérieur de Vermeer se situent presque toujours dans une pièce au sol carrelé, richement décorée de rideaux et de tableaux. Les personnages représentés appartiennent à la bourgeoisie riche ou à l'aristocratie de l'époque. Rien de tel ici, car, bien entendu, la laitière travaille dans une cuisine ou une arrière-cuisine. D'où un arrière-plan très dépouillé, que le peintre a cependant voulu très fidèle. Ainsi, Le mur situé derrière la laitière comporte des clous destinés à accrocher des objets et des trous de clous arrachés laissant apparaître la brique rouge sous la chaux.

 

Vermeer. La laitiere, détail (v.1660)Vermeer. La laitière, détail (v. 1660)

 

De même, la plinthe que l'on aperçoit dans l'angle inférieur droit est en faïence de Delft, ville natale de Vermeer où il passa toute sa vie. Une chaufferette est posée sur le sol avec son récipient en terre cuite contenant les braises. Le reflet sur le mur de la lumière venant de la fenêtre a été minutieusement traité, l'angle de la pièce restant dans l'ombre. Dans cet angle sont accrochés un panier d'osier tressé et un récipient en laiton ou en cuivre.

 

Vermeer. La laitiere, détail (v.1660)Vermeer. La laitière, détail (v. 1660)

 

La table placée devant la servante constitue une véritable nature morte intégrée à la scène de genre. Sur cette table, Vermeer a minutieusement agencé les différents objets de façon à suggérer le désordre relatif d'un travail en cours.

 Vermeer la laitiere detail3 v 1660Vermeer. La laitière, détail (v. 1660)

 

Mais ce sont les couleurs qui font tout le charme de cette nature morte : trois nuances de bleu pour la cruche, la nappe et l'étoffe posée sur la table, dégradés d'ocre et de brun pour le pain, le panier d'osier et les récipients en terre cuite. Des touches de blanc permettent de souligner les reflets lumineux. Le contraste des couleurs chaudes et froides et la maîtrise des reflets lumineux provenant de la fenêtre font de ce premier plan un élément essentiel de la composition tant sur le plan esthétique que sémantique. D'une part, le chromatisme de la nature morte répond à celui de la figure de la laitière ; d'autre part, les objets représentés introduisent un léger aspect narratif concernant l'activité en cours.

 

Vermeer. La laitière, détail (v.1660)Vermeer. La laitière, détail (v.1660)

 

Le personnage de la laitière comporte une dimension maternelle, nourricière évidente. Il s'agit d'une femme solide, proche des réalités du monde, qui s'apprête à confectionner avec du lait, du pain et peut-être autre chose encore, un met qui sera apprécié de tous. Couleurs et lumière sont traités avec un soin extrême. L'association du jaune et d'un bleu éclatant se retrouve dans plusieurs tableaux de Vermeer, en particulier dans un autre chef-d'œuvre, La jeune fille à la perle. La lumière tombe de la fenêtre sur le visage de la servante et sur son avant-bras, guidant le regard du spectateur vers le lait qui se déverse. Une profonde quiétude se dégage du personnage comme de toute la composition. La jeune fille est concentrée sur sa tâche qui représente son quotidien, son mode de vie simple et paisible.

La scène est présentée en légère contre-plongée, c'est-à-dire que l'observateur du tableau se situe fictivement un peu en contrebas de la laitière. Cet artifice de composition permet d'accentuer l'impression de présence du personnage. Les autres éléments de composition se retrouvent dans de nombreuses toiles de Vermeer : position centrale du personnage, éléments de décoration sur les murs (ici seulement deux objets), lumière venant d'une fenêtre située à gauche.

 

EMOTICON lait 1

 

 

 Tout savoir sur la conception du tableau " la laitière" de Johannes Vermeer.

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Johannes Vermeer, par laurentsaintgermain

EMOTICON art 31

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #fleurs, #huile

 

Dessin et peinture - vidéo 2926 : Comment peindre les cerisiers en fleurs ? - huile ou acrylique.

       

     

 

 

Au Japon, l’acte d’observer les fleurs et d’apprécier leur beauté est appelé hanami. Cette pratique serait née pendant l’ère Nara, au 8ème siècle. D’avril à mai, c’est la floraison du « sakura » (le cerisier ou sa fleur en japonais) qui attire tous les regards. Les dates précises varient selon la région et les conditions climatiques. De nombreux Japonais suivent avec intérêt les prévisions de l’agence météorologique afin de ne pas rater l’événement.

L’apparition de la fleur du cerisier japonais, et sa disparition quelques jours plus tard, évoque la beauté éphémère de la vie, et rappelle combien il est important de l’apprécier ici et maintenant. C’est pourquoi les Japonais se retrouvent sous les arbres en fleurs, dans les parcs et jardins, en famille et entre amis. Les visiteurs peuvent partager cette expérience sous le millier de cerisiers du parc Ueno, à Tokyo ; à Yoshino, dans la préfecture de Nara, dont les montagnes sont tapissées de sakura ; ou lors de la visite du palais impérial, situé dans l’arrondissement de Chiyoda.

 

Peindre les arbres en fleurs, par laurentsaintgermain

 Gifs spécial fleurs de cerisiers

 

Peindre des cerisiers, par laurentsaintgermain

 

roseBARRE.gif

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Publié le par laurent
Publié dans : #Divers

 

EMOTICON bienvenue 18

 

EMOTICON anniversaire 30

 EMOTICON salutations 479

Dessin et peinture : Nous avons dépassé sur le blog de "lapalettedecouleurs", les 5 millions d'articles vus.

 

EMOTICON anniversaire 62

 

EMOTICON anniversaire 76

EMOTICON salutations 312

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Publié le par laurent
Publié dans : #corps humain, #techniques peinture

 

Dessin et peinture - vidéo 2925 : Comment peindre les couleurs de la peau ? - la palette Zorn.

 

EMOTICON couleur 5

La palette Zorn fait référence à une palette de couleurs attribuée au grand artiste suédois Anders Zorn (18 février 1860 - 22 août 1920). Elle se compose de seulement 4 couleurs: ocre jaune (jaune), noir ivoire (bleu foncé), blanc de titane, vermillon (rouge). La couleur rouge de cadmium est couramment utilisée à la place du vermillon par les artistes modernes.

 

La palette Zorn fonctionne comme suit:

     Le blanc et le noir peuvent être utilisés pour les changements de valeur.
     Le noir d'ivoire est un noir relativement froid et peut être utilisé comme substitut très foncé du bleu. Dans un sens très étroit, vous pouvez penser à l'ocre jaune, au rouge de cadmium clair et au noir ivoire comme une version des couleurs primaires.
     La couleur rouge de cadmium est la couleur la plus saturée de la palette. En dehors de cela, la palette Zorn n'excelle pas en couleurs vives.

 

La palette Zorn pour les couleurs de peau, par laurentsaintgermain

EMOTICON couleur 3 

Tableau résumé

Rangée supérieure:
Couleurs directement sorties du tube dans les colonnes 1, 5 et 9. Les autres couleurs mélangées constituent une base de couleurs secondaires (oranges, violets et verts) en mélangeant des ensembles de deux couleurs primaires chacune - Jaune et Rouge; Rouge noir; Noir et jaune - dans les ratios indiqués sur le graphique Palette Zorn. N'ajoutez pas de blanc à la première rangée.

Quatre rangées suivantes:
Mélangez le blanc avec la couleur en haut de chaque colonne. L'objectif est de créer une valeur progressivement plus claire en cinq étapes de chaque couleur de la rangée supérieure. Le pourcentage approximatif de la couleur de la rangée supérieure mélangée avec du blanc pur pour chaque rangée est indiqué à gauche du guide. Votre objectif est de créer une série progressive mais claire allant de la couleur pure à une légère teinte de la même couleur.

Cinq dernières lignes:
Ici, vous explorez les couleurs tertiaires. Lorsque vous utilisez cette palette limitée, la couleur tertiaire appartient principalement à la famille du brun au rose. Vous découvrirez également de jolis tons chair. La progression est la même que celle de la grille supérieure mais avec l’ajout d’une troisième couleur. Dans cet exercice, vous allez ajouter le troisième mélange de couleurs. Par exemple, dans les colonnes où l'ocre jaune et le rouge ont été mélangés, ajoutez une trace de noir d'ivoire. Mélangez soigneusement un peu de pigment à la fois - juste assez de couleur pour que la teinte change. Vous devriez également voir la température changer de couleur lorsque la troisième couleur est ajoutée.
 
 

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Publié le par laurent
Publié dans : #Roman, #corps humain, #oeuvre expliquée, #peintres

 

Dessin et peinture - vidéo 2924 : Une oeuvre du peintre impressionniste français Edgar Degas ( 1834-1917 ) expliquée par le roman - La petite danseuse de 14 ans ( de 1875 à 1880).

 

 

 

 

Romans sur la petite danseuse de 14 ans de Edgar Degas, par l'équipe livres audio, pdf et musique relaxante

 

 

 

 

"Sa première sortie dans le grand monde provoqua le scandale. C’était en 1881, au Salon des Indépendants à Paris. Degas avait traîné, elle était en retard, était arrivée deux semaines après l’ouverture du Salon. Et dans quel accoutrement: une statue de cire, mais vêtue d’un vrai tutu, de vrais chaussons et d’un vrai ruban noué dans de vrais cheveux – un mélange de matières d’une modernité radicale. Elle était petite – 1 mètre! Mais elle narguait le public, nue sous son habit de spectacle, juchée sur son socle nappé d’audacieux satin, sous une cloche de verre, les yeux mi-clos, l’air absent, nonchalant, ou méprisant – on n’était pas bien sûr.

Une enfant «aux allures vicieuses» accuse la critique, avec son front fuyant et sa mâchoire prognathe, traits considérés comme typiquement criminels à l’époque. Une danseuse, mais peu gracieuse. «Raffinée et barbare», dira l'écrivain et critique d'art Joris-Karl Huysmans. Bref, un vrai scandale. Quand Degas rapportera chez lui sa Petite Danseuse, quasi plus personne ne la verra pendant plus de trente ans, même si sa réputation était établie. Ce n’est qu’après la mort du peintre, en 1917, que le fondeur Hébrard la récupérera parmi d’autres statuettes de cire et en tirera 22 bronzes, aujourd’hui dans les musées de Washington, Copenhague ou Paris."

 

Edgar Degas, par laurentsaintgermain

EMOTICON danser 122

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #aquarelle, #huile, #corps humain, #techniques peinture

 

Dessin et peinture - vidéo 2923 : La peinture "alla prima" et la technique du croquis préparatoire, simple, monochrome et coloré ?

 

Réaliser un portrait rapidement, technique "alla prima"

Le portrait est l’un des sujets les plus complexes car il se doit de retranscrire toute l’expressivité du visage aux travers de multiples nuances et détails. Deux méthodes picturales existent : la méthode « lente » dite traditionnelle, constituée de superposition de couches de peinture et la technique alla prima, c’est-à-dire peindre en une seule séance tant que la peinture est encore fraîche.

Zimou Tan est un artiste peintre chinois ayant fait sa renommée aux Etats-Unis, il est nommé Maître d’art en 2007 par le gouvernement chinois. Il réalise ici un portrait à l’huile alla prima d’après modèle vivant lors d’une séance d’une durée de plus 2h, le montage vidéo nous présente le processus en accéléré, résumé en à peine 10mn.

Le croquis

Le croquis en monochrome est l'exercice de base par lequel on doit d'habituer à commencer. Il est difficile d'approfondir un portrait, si l'on s'éloigne de la ressemblance. Il faut, pour réaliser un croquis réaliste, apprendre à extraire du sujet les caractéristiques et les proportions essentielles en:

° S'attachant à la composition.

° Simplifiant les formes, en les réduisant à leur plus simple expression.

° Rendant les volumes par les jeux d’ombre et de lumière.

° Dégageant le centre d’intérêt ( une attitude, une expression, etc... ), en un mot, mettre en valeur une partie du sujet.

Il faut accepter le fait que les premiers dessins soient ratés. La maitrise se fera dans la durée et la qualité viendra avec le travail et la persévérance.

 

Le croquis coloré

Le croquis peut aussi se décliner en couleurs, il est alors l'antichambre de la peinture "alla prima". Après avoir esquissé la structure, on synthétise les couleurs en aplats simples. la couleur doit être juste à travers sa teinte, sa valeur, sa chaleur et sa vivacité.

L'utilisation directe de la couleur ne doit pas laisser la place à une construction ou une composition bâclée. Le portrait sera impérativement raté.

La technique Alla prima

 Ce terme italien date de la Renaissance, il signifie « peindre dans le frais » ou peindre en « un seul jet ». Les étapes traditionnelles de l’ébauche et des glacis sont alors inexistants, rendant cette méthode quelque peu moderne, simple et pratique. Les Impressionnistes l’ont d’ailleurs bien compris, depuis lors, ce processus est devenue la principale manière de peindre à l’huile. Cette pratique étant favorisée par le temps de durcissement très long de l’huile. Voici en quoi consiste la technique alla prima :

  • Peindre dans la globalité et non détail après détail.
  • Superposer et juxtaposer les couleurs avant qu’elles ne durcissent, sans vraiment les mélanger.
  • Des gestes rapides et maîtrisés afin d’éviter les retouches et garder la spontanéité.
  • Donner « l’impression visuelle » plutôt que le réalisme par la forme et la ligne.

 

Portrait alla prima : 1ere étape

Portrait alla prima : 1ere étape, les formes

La première étape de la réalisation consiste à appliquer le volume général du sujet par la mise en place des ombres et des lumières, grâce à des couleurs neutres telles que les terres d’ombres et des ocres.

 

Portrait alla prima

Portrait alla prima : 2e étape, les volumes

Progressivement, l’artiste superpose ses teintes en les mariant les unes aux autres sans toutefois les mélanger complètement. Il enrichit ses couleurs en variant les teintes, certaines vont tirées vers le vert, d’autres vers l’orangé ou encore le violacé, etc. Les ombres ont également plusieurs degrés, leur intensité varie allant jusqu’au très sombre sans pour autant tomber dans le noir. Il travaille l’ensemble de l’œuvre et non zone après zone. Seuls les formes et les volumes sont mis en place, les détails ne viennent qu’en dernier.

 

Portrait alla prima : 3e étape, les ombres et lumières

Portrait alla prima : 3e étape, les ombres et lumières

Vient le moment de peindre le fond. Étant donné que la peinture est fraîche, la couleur va se se fondre avec celles du visage. Et pour une plus grande harmonie de l’ensemble, la couleur du fond se retrouve parmi les teintes utilisées pour le visage, pour une plus grande unité et cohérence picturale.

Zimou Tan continue la progression de son portrait en accentuant les ombres et les lumières. teintes claires allant parfois jusqu’au blanc pur. Toujours par superpositions et juxtapositions de petites touches fondues les unes aux autres, atténuant alors les traces de pinceaux, créant un modelé doux.

 

Portrait alla prima : 4e étape, les détails

Portrait alla prima : 4e étape, les détails

Et enfin, peu à peu les détails sont mis en place avec patience et minutie, ici l’artiste passe environ 1/3 du temps à placer des petites touches ça et là ; Quelques cheveux et poils de barbes, quelques rides renforcées, des éclats de lumière, des ombres assombries, etc… Plus il y de détails, meilleur sera le réalisme.

 

C’est l’attention apportée aux détails qui fait toute la différence. Dans une œuvre de maître rien n’est laissé au hasard, tout est maîtrisé, même cette impression d’inachevé ! En supprimant le superflu, vous montrez l’essentiel.

 "Plus les lignes et les formes sont simples, plus il y a de beauté et de force."

Jean Auguste Dominique Ingres à ses élèves.

 

La peinture "alla prima" par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #mixed media

 

Dessin et peinture - vidéo 2922 : Comment transférer une image sur une toile ?

 

 

Faire une bonne impression de l'image ou de la photo que vous voulez transcrire sur une toile, choisir le format d'impression correspondant le mieux au transfert.

Retourner la photocopie, coté blanc vers vous. Imprégner la surface avec du "binder" ou liant acrylique, déposer l'image sur le support, le résultat sera forcement une image inversée, coller la, en prenant soin de ne pas laisser de bulles d'air. Laisser sécher, puis avec une éponge et de l'eau, humidifier légèrement. Avec un doigt, en principe l'index, ôter les petits bouts de papier humides qui se détachent, en frottant légèrement. L'image inversée va apparaitre, les pigments seront imprégnés sur la toile. Vous pourrez par la suite, repeindre sur l'image.

 

TRANSFERT DE PHOTOS SUR TOILE OU TOUT AUTRE SUPPORT, par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #Divers, #mixed media

 

Dessin et peinture - vidéo 2921 : Comment faire du mixed média en recyclant des objets ? - toutes les techniques.

 

 

 

 

 

Objets recyclés: du café, du vernis à ongles, du thé, des bijoux cassés, des sachets de thé, des boutons, des capsules de bouteilles, du carton, du ruban adhésif chirurgical, du ruban de renforcement, etc.

Les produits mixed média:
Gesso
Gel mat doux
cire
  
 
 
Beaucoup de textures.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
EMOTICON engrenages 6 
 

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Publié le par laurent
Publié dans : #corps humain, #techniques peinture

 

 

 
Comment dessiner les cheveux
 
En regardant de nombreux dessins réalisés par des peintres amateurs sur la façon de dessiner la tête d'un personnage, je me suis rendu compte que la plupart du temps, les cheveux étaient représentés individuellement par des lignes courbes et que par conséquent, les chevelures étaient plates et sans volume.

 


Quelles sont les erreurs les plus courantes faites en dessinant ou en peignant  des cheveux ?

Le rendu des volumes

C'est l'erreur la plus commune que je constate chez les peintres autodidactes. Il y a plus de 100 000 mèches de cheveux sur la tête.  Ainsi, certaines personnes oublient le volume et tracent un tas de lignes aux multiples courbures, sans pour autant créer l’illusion du volume. Ce sont les dégradés et les différences de valeur qui montrent les changements de plan, qui créent l'illusion de volume. Ne pas tracer un tas de lignes. Au lieu de cela, concentrez-vous sur les volumes pour obtenir un style de cheveux longs et soignés.

 

Trop de texture
 
Il ne faut pas s'emballer sur la quantité de lignes dessinées pour essayer de rendre la texture du cheveu, dans les parties lumineuses, dans les ombres et même les demi-teintes. Il faut laisser des zones mortes, notamment dans les ombres où le volume sera moins marqué.
Toutefois si l'on peint des cheveux blonds dans une lumière intense, la texture aura son rôle à jouer essentiellement dans les ombres.
 
 L'impatience est un mauvais choix

Il y a tellement de petites formes aléatoires dans les cheveux, qu'un bon dessin est une nécessité. Toutes les formes qui composent une chevelure sont parfois difficiles à transcrire et il est facile de devenir impatient et négligé. J’ai constaté que la confiance en soi était un élément important pour un bon dessin. 
Contours trop nets

Je parle de la séparation entre les cheveux et le fond et aussi de la connexion entre les cheveux et le crane. Sauf si le sujet a une coiffure parfaitement peignée ou gélifiée, il y aura des mèches qui seront plus floues entre le contour et l'arrière-plan. Mais même si je vois un bord net, je vais le rendre plus doux pour faire bouger les plans. Cela ajoute également de la profondeur et de l'atmosphère et relie le sujet à l'environnement. La variation de la netteté est également importante dans les zones proches de la peau. Dessiner un contour trop net fera ressembler la chevelure à une perruque.

 

Considérer la forme du crane, l'ondulation des cheveux et l'orientation de la lumière

La plupart des styles de cheveux que vous dessinerez dépendront de la présence du crane. Il est donc important de penser à la forme de la tête et à la lumière qui se projette sur la chevelure.

Les groupes de mèches de cheveux s'enroulent et créant l'ondulation grâce à la lumière. Dans l'exemple ci-dessous, je me suis assuré d'ombrer le crane, pour qu'il ressemble à une boule, avant d'y ajouter toute la texture du dessus. Le côté gauche de la masse de cheveux est dans l' ombre, tandis que tous les volumes et le relief sont à droite.

 

hair wraps around the forms underneath

 

Ajout de volume dans les cheveux

Les cheveux sont représentés sous forme de mèches, de boucles ou d'ondulations, à l'image d'un ruban. Il est important de simplifier et de réfléchir à leur forme géométrique simplifiée, bien avant d’ajouter la texture. L'ajout de la texture des brins ne doit pas enlever l'illusion de volume. Nous pouvons simplifier une mèche de cheveux, en utilisant 3 éléments essentiels: La partie lumineuse, les demi-teintes et les ombres.

Voici un exemple basique de mèche de cheveux

 

Lock of hair as simple form

 

La mèche de cheveux représentée précédemment aide à comprendre globalement le processus de mise en valeur d'une touffe de cheveux ou d'une boucle. C'est la lumière qui crée des ombres et des demi-teintes. Si l'on veut obtenir plus de véracité dans la réalisation, il faut ajouter un quatrième élément qui est la texture ou la matière. Cela nécessite que soit plus approfondi et détaillé, les alternances entre groupes de cheveux, en y creusant des reliefs formés par la lumière, les demi-tons, les ombres. L'association de tout ces groupes de cheveux forment alors la texture.

 

hair elements: shadow, halftone, highlight, texture

 

Les Ombres

Que vous dessiniez des cheveux lisses, bouclés, ondulés, courts, à pointes ou des mèches, il y aura toujours des ombres. Il est important d’obtenir une séparation attrayante et bien équilibrée de la lumière et de l’obscurité. C'est l'association de toutes ces formes creusées, mais homogènes, qui va vous donner un beau rendu. 

 

Demi-teintes

Lorsque je dessine des cheveux, je pense d’abord aux demi-teintes comme un dégradé entre les ombres et les rehauts de lumière. Plus tard, c’est là que je vais ajouter la plupart de la texture dans ces zones intermédiaires.

Les parties lumineuses de la mèche 

Ce sont les formes qui attireront le plus l’attention, c’est pourquoi un bon dessin est important. On appliquera le même principe que pour les ombres. L'ensemble doit être harmonieux en faisant varier la longueur, l'épaisseur, la forme des mèches.

Texture

Quelques conseils pour dessiner la texture des cheveux:

    Dessiner ou peindre l'illusion de la chevelure. N'essayez pas de dessiner chaque cheveu, mais oser les courbures et les formes.
     Cela se produit lorsque vous tracez des mèches qui tombent sur le front. Les gens ne veulent pas gâcher le visage. Mais peu importe si c’est à l’endroit parfait. Les cheveux ont la particularité de bouger.
    Commencer le trait à la racine et le laisser s'affiner vers la pointe.
 

 

Peindre les cheveux et la barbe, par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #Peinture acrylique, #animaux, #gouache, #aquarelle, #huile, #techniques peinture

 

 

Dessin et peinture - vidéo 2919 : A la découverte des papillons en peinture - toutes les techniques.

 

 

EMOTICON papillons 209    

     

  

   EMOTICON papillons 209

 

 

EMOTICON papillons 232

Aquarelles Holbein: Sépia, Gris Payne, Bleu Phthalo, Bleu Marine, Nuance Viridian, Lumière Jaune Cadmium, Or Quinacridone, Bleu Royal, Vert Sapin, Teinte Rose Madder, Écarlate Quinacridone, Brun Imidazolone, Blanc - opaque aquarelle / gouache

Papier pour aquarelle: pressé à chaud, 140 lb, 100% coton, taille: 5X7 (bloc)

Brosses: Rondes 0, 8, Rigger 1

EMOTICON papillons 130

 

Peindre des papillons en vidéo, par laurentsaintgermain

EMOTICON papillons 180

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