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Lorsque la visibilité horizontale varie entre 1000 et 5000 mètres, on parle de brouillard. lorsqu'elle est inférieure à 1000 m, on parle de brume.

La vidéo nous permet de peindre ce phénomène météorologique particulier qui est la résultante de la condensation de fines gouttelettes d'eau ou de glace.

La brume sèche se forme en général pendant les périodes de beau temps, elle est accompagnée d'un peu de vapeur d'eau et elle est constituée par un mélange de fumée, de sable, de poussière et de particules d'impuretés dans les couches plus basses de l'atmosphère.

La brume humide est constituée de beaucoup de gouttelettes d'eau, cela peut entraîner rapidement du brouillard et diminuer la visibilité.

Avec la brume, les objets situés au premier plan d'un paysage sont visibles distinctement.

Le but est donc de réaliser, de manière diffuse, l'arrière plan du paysage voilé par la brume et d'y associer le premier plan qui en émerge à partir d'une peinture déjà esquissée.

Un médium est déposé sur la partie basse de la toile, pour pouvoir repeindre sur la peinture acrylique.

- A partir d'un mélange de blanc de titane, d'un peu de bleu de cobalt et de violet dioxazine, on crée ce voile léger et dilué qui vient couvrir, sans le cacher, cette partie du tableau pour créer cet atmosphère particulier.

La réalisation des détails du premier plan s'effectue alors de manière classique à partir de mélanges de couleurs:

- Vert clair (sap green) et un peu de terre de sienne brulée pour le fond végétal le plus foncé ( herbe, feuillage; etc..) qui sera éclairci par ajout de blanc, pour créer les contrastes jusqu'à la limite de la brume.

- le mélange, ocre jaune, blanc et vert, va être déposé sur les parties lumineuses du premier plan végétal, pour donner de la profondeur de champ en dégageant les bosquets. Dans ce mélange, l'ajout d'ocre jaune et de blanc va créer par différents tons, le relief nécessaire à la concrétisation de cette partie du champ.

- Le piquet de bois qui est implanté sur un point nodal (règle des tiers) sera peint avec le mélange le plus foncé (brun van dyck et bleu de cobalt) pour la partie sombre et avec de la terre de sienne brulée et du blanc, pour le poteau éclairé par la lumière diffuse. Il est un point de fixation du regard et invite l'observateur à entrer dans la composition. 

Dans cette leçon, nous allons apprendre à dessiner un cheval en mouvement avec des crayons de graphite. Bien que ce dessin puisse sembler difficile à réaliser pour un débutant, nous allons partager le processus en deux étapes simples.

La première étape se concentrera sur le dessin de la forme de base du cheval avec des lignes lâches et légères. On se focalisera sur les contours du sujet. Cette première étape est rapide mais essentielle. Nous sommes soucieux de trouver les bonnes proportions.

La deuxième étape se concentrera sur le développement de la tonalité et les contrastes pour la mise en valeur des volumes, donc des zones lumineuses et sombres du dessin. Cette étape qui prend du temps va donner vie à la forme du cheval et créer l'illusion nécessaire pour que la robe de l'animal soit réalisée avec exactitude.

Matériel pour le dessin

  Le dessin ne nécessite pas un investissement énorme pour le matériel. Un support de qualité (papier en principe) et quelques crayons de dessin sont tout ce qui est nécessaire pour créer un travail réussi. Alors que de nombreux fabricants de crayons vendent des ensembles de crayons avec une variété de dureté graphite, du H dur au B très tendre, en passant par le HB. Nous utiliserons pour ce dessin que du  "HB" et "2B".

Esquisse des contours

Nous esquisserons avec des traits légers les contours ou les lignes de construction du cheval (droites ou courbes), pour éviter de détériorer le grammage du papier.c. Il s'agit d'une esquisse qui pourra être modifiée à tout moment.  

 

Travail des ombres et de la lumière 

- Une fois les lignes de contours en place, on va approfondir le ton et la valeur en faisant apparaître le volume de l’animal au moyen de hachures espacées pour les zones lumineuses et plus rapprochées pour les ombres. Nous commencerons par la tête du cheval puis par la partie gauche du corps de l’animal, afin d'éviter le maculage (pour les droitiers), c’est à dire salir le dessin avec la pomme de la main posée sur la feuille. Les traits doivent être légers, car si l'on noircit trop vite le corps de l'animal, il sera difficile, voire impossible, d'effacer les erreurs commises.

 

-         Nous allons progressivement et patiemment travailler le long du corps du cheval, en prêtant attention aux changements subtils de ton et de valeur, nous pouvons développer l'illusion des muscles du cheval présents sous la peau.

Dans les parties du corps où les contours croisés sont un peu plus difficiles à dessiner par simple hachures classiques, sans utilisation de l'estompe, nous pouvons appliquer les traits du crayon graphite par des mouvements courbes, en épousant la forme de la zone à dessiner (par exemple le poitrail), pour créer des transitions homogènes de ton et de valeur. La pression sur le crayon doit être constante. C'est le resserrement de l'espace entre les hachures et la superposition des couches qui produit une transition de valeur uniforme.

 

Le mouvement

-         De nombreux facteurs jouent un rôle dans la façon dont nous approchons les parties du dessin et dans la manière d’aborder le sujet dans son milieu naturel :

-         Le cheval est à l'extérieur, les ombres projetées sous la tête, le corps et les parties de la jambe arrière, mais aussi le jeu de l’ombre et la lumière sur la robe de l’animal sont là pour montrer l’influence de la lumière du soleil naturel.

-         Le cheval court également dans un champ de terre sablonneuse . Ce mouvement est accentué par la présence de la poussière. L'inclinaison du corps du cheval contribue à accentuer  cette illusion.

 

La mise en relief se poursuit à l'arrière du cheval. Pour chaque partie du corps, nous portons toujours une attention particulière à la forme, car c’est elle qui dicte l’orientation des traits directionnels appliqués au crayon. La queue du cheval est dessinée avec des traits aux orientations multiples et Courbes, parfois très fines, aux variétés multiples.

 

 

-        L'ombre portée sous le cheval est un autre élément important qui indique la présence de la lumière naturelle et la renforce. Dans ce cas, il n'est pas nécessaire d'inclure plus d'informations autour du cheval, qui devient alors le sujet central de la composition où la structure détaillée de l'ombre vient compléter les informations nécessaires.

Il est temps à présent d’affiner les contrastes ombre-lumière pour élargir la gamme des valeurs, en utilisant le crayon 2B à la place du crayon HB. 

-         Une fois le dessin arrivé à son terme, nous pouvons utiliser une gomme "mie de pain", c'est la seule gomme qui permet d'effectuer des retouches ou d'enlever des taches ou des marques de crayons graphite.

 

Comme avec n'importe quel support de dessin, la réussite d'un sujet, avec le crayon graphite ou le fusain, exige de la patience et de l'attention aux changements subtils de valeur. En travaillant lentement, nous aurez le plein contrôle de l'effet recherché, peu importe le sujet que vous essayez d'aborder. Commencer par les hachures les plus espacées et par conséquent les plus claires, terminez par les ombres aux hachures plus serrées en devenant plus précis.

 Peindre Les chevaux en vidéo, par laurentsaintgermain

                                                                                 Le dessin                                                                                       Le processus   

  La nature , par définition, est vivante, et en perpétuelle évolution. Alors qu'est ce qu'une "nature morte"? S'il fallait définir le genre, on dirait en guise de raccourci qu'une nature morte est une peinture inanimée. Mais là encore, il y a des subtilités. Les fleurs de notre peinture font partie d'une composition de nature morte. Dès lors, nous pouvons, sans nous tromper, affirmer qu'il s'agit de peindre des sujets, devenus objets, qui ont eu une existence ou bien, à contrario, de simples créations artisanales ou industrielles. Un autre principe est indissociable du genre: la vraisemblance. Dans toute nature morte il y a de fait un rapport très étroit entre la taille de l'objet et de l'image. Les amateurs des peintures académiques voulaient des oeuvres aussi ressemblantes que possible à l'original. C'est le mouvement impressionniste qui balaiera l'institution des copistes.      

 Le dictionnaire nous définit une nature morte, comme étant la représentation d'objets divers.Tout est dit ou presque, ce sujet exclut l'être humain et les paysages qui l'entourent comme centre d'intérêt principal de la toile.  Pourtant lorsqu'un artiste peint un sujet familier, considéré comme nature morte, il est présent sur le lieu et nous pouvons l'imaginer derrière son chevalet pris tout entier par la réalisation du but qu'il s'est fixé, agité, passionné, tendu. Le paradoxe est là, et l'exécution d'une simple nature morte ne révèle t-elle pas, plus qu'un autoportrait, le caractère de l'artiste.

                                                                                   L'esquisse                                                                               Le modèle                                                                                La réalisation   

    Pour l'artiste, la nature morte qui représente quelques fleurs dans un verre d'eau est l'occasion de peindre un objet courant que l'on côtoie souvent; pas de problème de modèle, pas de surprise liée à la météo pour peindre en extérieur, tout est là. Ces objets lui appartiennent, il est le seul maître d'orchestre de sa composition, de ses goûts.         

 Les couleurs utilisées : Noir pour le fond, les 3 couleurs primaires (rouge, bleu, jaune) et le blanc.

Le médium après chaque ajout de couleur et d'huile de silicone, doit être très fluide et le filet continu au moment de la constitution du mélange de toutes les couleurs.

Cliquer sur l'image pour l'agrandir et pour observer les grandes cellules formées.

Toutes les réalisations seront prochainement disponibles, pour aider le blog et le blogueur, dans la rubrique intitulée "Mes peintures en quelques clics"

   Les couleurs chaudes alternent entre les pigments naturels allant de la terre de Sienne brûlée à l'ocre jaune, en passant par la terre d’ombre brûlée ...

Le pigment blanc utilisé est de la gouache blanche opaque qui est plus pratique pour peindre les blancs que la méthode utilisée habituellement pour préciser les blancs avec la peinture aquarelle, en déposant de la gomme de masquage sur les parties non peintes puis en l’ôtant pour laisser apparaitre le blanc du papier.

• La dimension de la toile est de 25X36cm.

A ces peintures on ajoute:

• Une résine de synthèse, légèrement plus fluide que le gel alkyde qui augmente la transparence de la couleur à l'huile,et permet ainsi à la peinture d'être travaillée plus facilement, tout en réduisant le temps de séchage. et
•  un diluant à peinture, à faible odeur qui a les mêmes propriétés de base que le diluant à peinture. C’est un distillat de pétrole avec une vitesse d’évaporation similaire à celle de la térébenthine (relativement lente), en plus d’être un excellent solvant à usages multiples

  Il est utilisé pour diluer les peintures à base d’huile, nettoyer les pinceaux.

  Il ne coûte pas très cher, et il en faut peu pour être efficace. Le point d’éclair est plus élevé que 40 °C, ce qui en fait un solvant spécialisé des plus sécuritaires. L’absence d’odeur âcre en fait un produit agréable à utiliser.    

Peinture colorée, par laurentsaintgermain