aquarelle

Cette peinture est une combinaison de gouache blanche pour les nuages et de couleurs ààA l ’aquarelle pour donner du dynamisme et du peps avec des teintes plus flashy, comme du bleu phtalo ou du rose à (A base de rouge cramoisi).

La gouache blanche est semblable àA l'aquarelle, sauf qu'au lieu d'ê Eêtre transparente, elle est opaque.

La méEthode  dite classique consiste àA fortement humidifier le support papier pour permettre àau bleu phtalo et au rose de  fusionner et de former des masses de couleurs  alEatoires. Le pinceau plat est biseautéE.

Le ciel  qui se reflEte dans  l'eau  est séEparE par une ligne d'horizon imaginaire. Pour donner du volume et de la profondeur de champ aux nuages,   oter de la couleur rose en l absorbant   avec un papier .

  Pour bien marquer la ligne d'horizon, procEder de la mEème façCon avec un pinceau sec. La gouache intervient dans les nuages pour donner plus de consistance et de volume.

Passer dans eiel, une seconde couche de bleu phtalo et de la gouache blanche pour contraster  les teintes.

  Les branches  foncEes  et le feuillage vont venir complEéter le dessin en  lui donnant un premier  plan.

Entre chaque opEration, laisser sEcher la peinture.

Le liquide à masquer est un latex naturel utilisé pour la technique de la réserve pour l'aquarelle et le dessin à base d'encre.

• Dans le cas qui nous concerne, plonger un porte plume, dans le latex et marquer les emplacements, des gouttes d’eau, en suivant les traces d'un dessin sur la surface désirée.
• Laisser sécher.
• Peindre tout l'objet y compris les traces de latex.
• Quand la couleur est sèche enlever le latex en frottant avec les doigts. Nettoyer immédiatement la plume.
• 

La mEthode habituelle voudrait que l on rEalise, comme sur la vidEo proposEe, ce bouquet de roses avec un pinceau classique. Cependant, l’ astuce qui consiste A utiliser une Eponge de bEbE PERMET D EVOQUER LE FEUILLAGE DE MANIERE PLUS AERIENNE ET SANS DIFFICULTE.

1.    L  EPONGE DOIT ETRE TRES ALVEOLEE ET SOUPLE 

2.   ELLE DOIT ETRE ENTIEREMENT TREMPEE DANS L EAU AVANT DE COMMENCER ; SANS CHERCHER A L ESSORER. 

3.  Poser QUELQUES PICOTS DE L EPONGE SUR LA SURFACE DU SUPPORT DE MANIERE A CREER DE MANIERE ALEATOIRE, DANS LA PARTIE CONCERNEE, DES ZONES HUMIDES. 

4.  PUIS DIRECTEMENT AVEC L EPONGE PRENDRE DE LA PEINTURE SUR LA PALETTE OU LES GODETS POUR AVOIR UNE MATIERE DENSE. DEPOSER LA COULEUR RECUEILLIE SUR LES PARTIES PREALABLEMENT HUMIDIFIEES. NE PAS APPUYER TOUTE L EPONGE SUR L EMPLACEMENT DU FEUILLAGE AFIN D EVITER L’ UNIFORMISATION DE L EFFET. 

5.   COMMENCER PAR LES JAUNES PUIS LES VERTS ET LES BLEUS FINIR PAR LES TEINTES FONCEES. 

EN PROCEDANT AINSI ON DONNE UN ASPECT PLUS REALISTE.

Objectif
Ce n'est jamais facile de réellement mettre en valeur les reflets sur un eau calme..La technique Doit donner l’illusion du reflet dans le miroir, bien que la surface du liquide ne soit pas uniforme A cause des petites vaguelettes ...

ETAPE 1
Descendre Par petites touches, un semblant dE coque de bateau dans l'eau. La peinture doit Etre plus claire que celle de La Barque..

ETAPE 2
Avec un pinceau un peu plus large, rendre les reflets un peu flous en partant de la base du bateau pour descendre verticalement. 

ETAPE 3
Avec le même pinceau, repasser une couche mais très légèrement et de manière horizontale pour suggérer l’irisation...

Un paysage qui prend vie au fil du temps, grAce au jeu de la lumIEre qui ajoute une multitude de tons et de valeurs dans les couleurs vertes de la vEgEtation Et le bleu du minEral

Fleurs des champs de Andrew Wyeth 1959

Ce didacticiel  vous apprendra  13 techniques qui peuvent vous aider à créer la texture et les différents effets dans la réalisation de vos peintures à l'aquarelle. Si vous êtes  débutant ou pas, ce tutoriel est pour vous!

Vous apprendrez à :

- Créer  un lavis de couleur  uniforme en utilisant une peinture très diluée et un pinceau brosse, en déposant à plat, la peinture sur le support avec la partie la plus large du faisceau de poils .

- Obtenir un lavis  dégradé, en reprenant la peinture de la couche supérieure déposée sur le support, sans ajout de couleur.

-   Préparer un support, pour travailler la peinture "humide sur humide" en le  mouillant abondamment

-   Donner du volume à la peinture, en jouant sur le contraste et la tonalité des couleurs.

- Masquer certaines  surfaces sur le support, en utilisant du fluide ou du liquide de masquage. Intéressant pour obtenir un blanc pur ou la couleur du support de base, en retirant cette gomme à la fin de la réalisation .

-  Utiliser des objets pointus (aiguilles) pour gratter  le papier et donner du volume par le jeu d'ombre et de lumière sur des premiers plans.

  -  Effectuer des effets sur un support humide et coloré en déposant des grains de sel qui vont absorber la couleur en séchant.

-  Utiliser une solution alcoolique qui va, comme le sel, éclaircir les zones qui en seront imbibées.

- Peindre un ciel nuageux, en retirant  avec un papier absorbant ou un chiffon, un peu de la couleur de ce ciel pour y former des nuages.

- Intégrer des couleurs sur une surface mouillée où elles vont entièrement se fondre entre-elles ou bien sur une surface sèche où elles vont se juxtaposer.

- Appliquer des techniques de brossage à sec, pour former des lignes parallèles.

- Projeter des gouttes de peinture avec le pinceau plat.

- Former des figures géométriques ou pas, avec des objets imprégnés de couleur ou en soufflant avec une paille sur une goutte de liquide coloré ( structure d'un arbre).

 Après avoir essayé ces techniques, la prochaine étape est de peindre quelque chose en les utilisant.

Regardez les aquarelles de Georgia O Keefe, de Winslow Homer ou de Andrew Wyeth  pour  voir comment ils ont mis en applications  ces techniques dans leurs peintures.

"Les eaux intérieures, les Bermudes" de Winslow Homer 1901

Avez-vous déjà remarqué qu’un orange placé aux côtés d’un bleu devient bien plus lumineux et qu’il en va de même pour un rouge placé tout contre un vert ou un jaune juxtaposé avec un violet ?

Pour cette démonstration à l'aquarelle, la juxtaposition des couleurs qui dominent dans cette peinture: le bleu et l'orange est la mise en application de la théorie de Chevreul.

Cette loi dite « loi du contraste simultané des couleurs » a été abondamment exploitée par les peintres impressionnistes et post-impressionnistes à la fin du XIXe siècle. Renoir, Monet, Van Gogh, Seurat… ont tous construit un grand nombre de leurs tableaux autour de cette fameuse loi.

Prenons l’exemple de Claude Monet, pour Coquelicots (1873, musée d’Orsay), il juxtapose des touches de rouge et de vert ; pour Impression Soleil Levant  (1872, musée Marmottan), il choisit un soleil orange qui illumine le ciel bleu ; enfin dans La Gare Saint-Lazare (1877, musée d’Orsay) les façades des immeubles baignées par une lumière jaune émergent des fumées violacées émises par les trains.

Cette loi du contraste simultané des couleurs est un phénomène optique lié à notre perception des couleurs. Notre œil, lorsqu’il perçoit une couleur, exige en même temps (simultanément) sa couleur complémentaire et, si elle ne lui ait pas donnée, il la crée lui-même. Ainsi lorsque nous voyons un orange, notre œil crée automatiquement autour de cette couleur un halo avec sa couleur complémentaire (le bleu), si bien que si le peintre a placé à côté du orange, la couleur bleue, celle-ci apparaît à notre œil plus lumineuse, plus saturée encore qu’elle ne l’est réellement. A l’inverse, si le peintre a placé une autre couleur que le bleu à côté du orange, celle-ci est ternie, en quelque sorte « salie » par ce léger halo bleu que notre œil crée automatiquement.

Ce phénomène optique a été théorisé par un chimiste français, Michel-Eugène Chevreul au début du XIXe siècle. En 1824, Louis XVIII nomme Chevreul Directeur des teintures aux Manufactures royales des Gobelins. Dès le début de ses fonctions, il reçoit des plaintes sur la qualité de certaines couleurs sorties de son atelier. Après de nombreuses expérimentations, il découvre que le problème n’est pas lié à la qualité des pigments utilisés mais d’ordre optique. Lorsqu’on juxtapose deux objets colorés, chacun influence la perception qu’a l’œil de la nuance et du ton de l’autre. Ampère l’encourage à formuler ses observations sous forme de loi. C’est ainsi qu’en 1839 il fait paraître un son ouvrage « De la loi du contraste simultané des couleurs » qui influencera significativement les peintres de la fin du XIXe siècle.

Van Gogh est lui aussi un fervent adepte de la théorie du contraste simultané des couleurs comme le montre très clairement l’opposition jaune-violet qu’il utilise dans ce tableau intitulé Terrasse du café, le soir (1888, Otterlo, Musée Kröller-Müller).

La loi du contraste simultané des couleurs en peinture (théorie, par laurentsaintgermain 

Le plus gros soucis rencontré, c’est lorsque le globe est de profil ou incliné. L’iris se déforme et prend une forme ovoïde. Il est difficile de le reproduire exactement son contour mais voici une astuce.

Lorsque l’oeil est vu de profil, l’iris s’allonge (s’étire en longueur) et le point noir se rapproche du bord de l’iris.

En gros, plus la boule tourne, plus on voit le petit cercle en raccourci :).

Ce n’est pas parce qu’un élément est blanc sur le modèle qu’il ne doit pas comporter d’ombres sur le dessin. Ça reste une surface dont on doit en sentir le volume. Certes les ombres doivent êtres plus discrètes et subtiles mais elles doivent être présentes (pareil pour les dents par exemple). Ajoutez donc un léger dégradé sur le blanc des yeux.

Vous savez que l’oeil est recouvert d’une couche de chair qui s’appelle la paupière? Dans le cas contraire je vous donne 10 secondes pour aller le constater avec un miroir dans votre douche ;).

On voit toujours un des bords de la paupière quand il s’agit de dessiner des yeux. 

Demandez-vous quel bord de l’oeil je vois lorsque celui-ci est :

– de face?

– de profil?

– incliné vers le bas?

– incliné vers le haut?

– …

Pensez à ce petit détail pour dessiner des yeux réalistes ;).

Ils sont perpendiculaires au plan de la boule et forment un angle droit avec la paupière. Naturellement les femmes ont des cils plus longs que ceux des hommes.

Dessiner les yeux, par laurentsaintgermain

ou

le retour vers le passé

Papier : Arches 300g 30x45 (une feuille 56x76 coupée en deux)  

Couleurs   

Intérêt : Travail délicat à l'aquarelle du "mouillé sur mouillé", dont l'intérêt pour l'harmonie générale, réside dans la  fusion de couleurs .

Faire le dessin…

 Commencer par l'environnement « le fond » en travaillant de haut en bas. 

   Suggérer quelques vagues tout en laissant des parties vierges pour l'écume. Sur un papier granuleux, faire un contour pas très net avec le ventre du pinceaux. Travailler avec beaucoup d'eau afin de pouvoir y revenir. Couleurs : céruléen + cobalt cassé avec une pointe de sienne brûlée. 

 Continuer en mouillant à l'eau claire où très légèrement teintée (pour le pas à pas) toute la partie de l'environnement ainsi que les ombres des personnages afin de permettre une meilleure intégration harmonieuse dans le paysage. 

Faire ce travail avec beaucoup d'eau, au besoin réalimenter en eau, revenir plus tard pour travailler dessus. 

L'opération mouillage terminée, passer à l'étape couleurs : 

Incliner la feuille et poser des pigments dans le mouillé afin de suggérer quelques vagues au loin et des reflets au premier plan (cobalt + sienne brûlée, cobalt + rose). 

Penser à avoir moins d'eau sur le pinceau que sur le papier, pour poser des pigments plus forts en testant auparavant pour voir la diffusion des pigments.

Poser quelques reflets des personnages en sienne brûlée et cobalt+rose puis peindre les seaux ( auréoline et vert émeraude, laque écarlate et alizarine +cobalt ) en prolongeant leur reflet sur le sol. 

Le papier sèche petit à petit, renforcer quelques contrastes à ce stade avec des pigments plus où moins bruts, en faisant attention à ne pas ajouter un surplus d'eau sur le papier. 

Quand le papier devient mat, faire quelques retraits sur le foncé avec un petit pinceau plat synthétique pour suggérer quelques rigoles. 

Laisser sécher complètement 

Peindre maintenant les personnages de haut en bas. 

Commencer par mouiller les têtes à l'eau claire en laissant quelques espaces de papier vierge pour les parties lumineuses, puis poser de l'orange et de la sienne brûlée… 

ombrer les cheveux avec du pigments brut (alizarine + outremer ) et dégrader les visages (orange, rose et sienne brûlée). 

Peindre les parties « chairs » (orange, sienne brûlée) et les vêtements des petites filles (rose, cobalt + rose) en essayant de faire fusionner les couleurs les unes dans les autres pour ne pas faire trop précis.

Attention à bien laisser des filets de papier blanc pour conserver certaines couleurs claires et lumineuses et apporter de l'éclairage. Il faut sans cesse réfléchir à ce que l'on va faire et travailler assez vite avant que le papier ne sèche. Toute la difficulté est là !!! 

Dans le mat, contraster davantage les parties foncées avec des pigments plus bruts. .

Les visages étant secs, revenir dessus en peignant une ombre (alizarine + outremer) puis laisser tomber une goutte de sienne brûlée dans cette ombre, en laissant quelques cheveux en négatif. 

Continuer avec le même principe pour réaliser le visage de la seconde petite fille.  

Ce sont ces contrastes qui vont mettre en évidence ces demoiselles et faire ressortir le contraste et la luminosité des personnages. 

Continuer à contraster le personnage de gauche en mouillant les ombres, puis en posant des pigments sombres (violet, sienne brûlée) qui feront ressortir les parties lumineuses, par contraste. 

Vous pouvez revenir sur les parties « chairs » pour donner du modelé. 

Peindre les ombres du personnage de droite. 

Ces ombres permettent de modeler le relief en indiquant la tonalité du sujet.

Ne pas oublier de peindre les anses des seaux… et ajouter, à sec, au besoin quelques reflets sur le sol. 

A ce stade, il faut s'occuper de la tonalité générale. Pour détacher la couleur du dos  des fillettes, par rapport à la tonalité du fond. Poser un léger jus le long des deux dos afin de faire ressortir le blanc des tee shirts.

C'est maintenant le stade des détails, revenir partiellement sur certaines parties, afin d'améliorer l'aquarelle, mais n'en faites pas trop pour ne pas abîmer la spontanéité du premier jet.

L'aquarelle est terminée.

Un enfant jouant dans l'eau, à la peinture à l'huile.

Ce cours de peinture en vidéo s'adresse à toute personne qui désire améliorer sa façon de peindre. Du plus débutant à l'avancé, chacun y trouvera de bons conseils. Tout en peignant ce tableau, vous y trouverez les notions importantes que vous pourrez appliquer à vos propres sujets. Vous découvrirez une approche particulière basée sur l'analyse et l'étude du sujet, afin de le reproduire avec facilité et ressemblance. Du dessin initial à la dernière touche du pinceau, vous assisterez à la réalisation du tableau en intégralité, avec des explications claires et précises, vous permettant de réaliser à votre tour une magnifique peinture à l'huile. Préparez votre palette et bonne peinture !