Une Aquarelle à base de Miel.
Le miel a de multiples vertus. Symbole du soleil et de la clarté, emblème de la Science et de la Poésie, le miel a été utilisé dès l'Antiquité pour embellir la peau et soigner les blessures. A l'aquarelle extra-fine SENNELIER, outre ses agents conservateurs, le nectar apporte une onctuosité et une luminosité incomparables. A la recherche de l'excellence, Sennelier à mis au point son aquarelle en intégrant plus de miel pour renforcer la résistance dans le temps des couleurs et leur donner davantage d'éclat et de luminosité.

Une fabrication française et artisanale. L'aquarelle Sennelier est fabriquée sur les même bases depuis plus d'un siècle, les meilleurs pigments ont été sélectionnés, la gomme arabique de qualité supérieure en provenance de Kordofan est utilisée comme liant.
Ce mélange de produits nobles permet d'obtenir des couleurs à la texture onctueuse, brillante, et donne des nuances vives et colorées. La gomme arabique et le miel procurent une qualité d'application incomparable et permettent la réalisation de superbes lavis.
Cette base crémeuse est ensuite mélangée aux pigments, puis broyée avec précaution. Sennelier prend soin de mouiller les pigments à l'eau purifiée (sans sels minéraux) pendant 24 heures avant de les incorporer au liant. Ce mouillage préalable donne une meilleure fusion des couleurs et du liant, ce qui donnera aux teintes toute leur plénitude.

Le broyage des aquarelles Sennelier est réalisé dans la tradition avec des meules qui tournent lentement pour ne pas échauffer la pâte, ce qui altérerait la pureté de la nuance. L'opération réalisée en plusieurs étapes jusqu'à l'obtention de la finesse maximum permet d'éliminer la présence de particules pouvant dégrader la perfection du lavis.

Avec cette aquarelle exceptionnelle de très grande qualité, vous donnerez à vos œuvres encore davantage de force par la vivacité et la pureté des tons. Les couleurs se mélangent parfaitement entre elles et donnent de superbes nuances. Ces couleurs onctueuses et intenses seront un plaisir à appliquer. Grâce au miel vos tubes et godets d'aquarelle Sennelier seront très résistants dans le temps et vous retrouverez à chaque utilisation des couleurs qui vous permettront de traduire avec fidélité les diversités de la lumière et des formes.

3 Etapes pour peindre un paysage au couteau. 

Dans cet article, vous allez découvrir comment peindre un tableau au couteau, à l’acrylique. en trois étapes avec une astuce pour ne pas gâcher de la peinture . Grâce à cette approche ,vous pourrez trouver de nombreux sujets pour vos futures toiles. 

Bien souvent la peinture au couteau ou à la spatule est souvent réservée à la peinture à l’huile qui met beaucoup de temps à sécher. Pire, vous êtes obligé d’attendre une éternité pour retravailler votre tableau et vous finissez par abandonner .

Rassurez vous, car maintenant il existe des techniques pour l’acrylique. Vous pourrez ainsi faire des effets de matière tout en vous amusant. La peinture acrylique sèche très vite et vous n’aurez pas l’inconvénient de la laisser sécher pendant des semaines pour retoucher le tableau. Quelques heures suffiront pour que la peinture sèche en profondeur en fonction de l’humidité ambiante.

Donc la technique à la spatule n’est pas uniquement réservée à la peinture à l’huile. Et vous pourrez, tout aussi bien, produire des effets similaires avec de la peinture acrylique, en mettant peu être un peu plus de matière. 

Le matériel à utiliser :

– Une toile ou tout autres supports

– De la peinture acrylique (aux choix, dans l’exemple)

– Une série de spatules ( couteaux à peindre n°2 à n°7 )

– Des chutes de bois, ou du carton entoilé

La peinture au couteau se travaille dans le frais et en épaisseur, pas besoin de faire une esquisse vous allez peindre directement sur la toile.

Etape 1: Peindre le ciel et le fond  

– Commencer par le haut du tableau avec trois couleurs (dans l’exemple de la vidéo )

Puis mélanger les couleurs avec la spatule. Réaliser un léger dégradé. Travailler sur la matière ,ne pas hésiter à mettre de l’épaisseur.

– Puis remplir avec les mêmes couleurs toutes les parties du tableau ou la dominante de couleur apparait.

 Si vous utilisez de l’acrylique en épaisseur le temps de séchage peu varier de 1 à 6 heures.

Si vous peignez à l’huile le temps de séchage sera beaucoup plus long de 10 jours à 1 mois .

Etape 2: Peindre les éléments principaux  

– Commencer à peindre le phare, le  rocher et les vagues. Reproduire le mouvement d’une grosse vague qui s’échoue sur un rocher en deux étapes , commencer d’abord avec les couleurs pour peindre le ciel puis rajouter un peu de vert très léger.

– Travailler sur le phare. Puis les rochers (travailler les ombres et les lumières)

– Revenir sur les vagues.

Répéter l’exercice pour l’étape 3 en affinant petit à petit la composition.

Etape 3 : Peindre les détails 

– Comme il s’agit d’une technique à la spatule ne pas peindre un détail au millimètre près .

– Chercher cependant la précision , en peignant les formes générales.

Peindre par touches, les détails seront  rendus  par un ensemble de touches de couleur, judicieusement placées sur la toile.  Terminer par des rehauts de blanc qui vont apporter tout le relief à la composition sur les rochers, le phare, les vagues. 

Maintenant essayer en se fixant un thème.. 

 Se Fixer un thème précis, chercher un mot ou une phrase, puis commencer à faire une recherche sur le net, en image, sur ce thème.

S’inspirer de plusieurs images qui correspondent à ce que vous aimez (très important ), puis commencer à observer les teintes et la répartition des éléments sur l’image . Observer les différends éléments et les masses de couleurs .

Dès que vous tenez le sujet qui vous inspire, Place à la peinture, afin de rester pleinement dans l’action. Se fixer, si nécessaire, un délai au delà duquel votre toile devra être achevée.

La démonstration ne s'attarde pas sur la réalisation du ciel, vous pouvez vous faire aider en utilisant les liens qui se référent à ce type de sujet sur ce blog et dans la rubrique qui traite des sujets sur les paysages, il y a suffisamment de "tutos" consacrés au ciel, aux nuages, qui feront votre bonheur. 

La démonstration commence par l'utilisation du bleu outremer, au niveau de l'horizon, dans cette partie du tableau l'océan est profond et la couleur utilisée est un mélange de bleu et de rouge cramoisi, le violet qui en résulte, est sombre. La préparation préalable de la sous-couche associait bleu et blanc de titane, le résultat de la superposition des 2 couches est l'obtention d'un bleu, moins foncé que celui de l'horizon. Le bleu clair passé au rouleau a une teinte bleutée, légèrement différente. Le sable du rivage est d'une couleur orangée, complémentaire du bleu marin, ces 2 couleurs se renforcent (loi sur le contraste simultané des couleurs, de Chevreul). 

Un vert émeraude, par transparence, indiquera la partie de la vague sur laquelle la lumière va venir éclairer la déferlante. L'écume de la vague qui se forme est d'un blanc pur sur la partie la plus lumineuse et légèrement bleutée à la limite du bleu foncé ou du vert émeraude (partie ombrée). Le bleu le plus foncé étant au pied de la déferlante. Les remous causés par la précédente vague sont peints en blanc, avec un pinceau fin et pointu, ils ont des formes aléatoires et vont créer l'irrégularité de la surface de l'eau.   

Enfin La vaguelette qui va se retirer sur le rivage, prend du relief et du volume, grâce au blanc de titane, elle sera suivie des petits remous qui vont finement zébrer cette partie de la toile.    

Peindre vagues océan marines - anglais, par laurentsaintgermain

La nature morte, par laurentsaintgermain

La nature morte, par laurentsaintgermain

La nature morte, par laurentsaintgermain

REaliser la composition d’une nature morte rEside dans la capacitEéde simplifier gEomEtriquement les objets reprEsentEs dans :

-       L’éEquilibre qui s’instaure et s’Etablit entre ces divers objets, pour obtenir une harmonie et un éEquilibre dans la composition finale.

-       L’utilisation du jeu de l’ombre et de la lumiEre, pour les positionner sur la toile, en crEant des volumes qui viendront s’imbriquer dans cette composition, pour obtenir la profondeur de champ.

-       L’apport de sa touche personnelle qui fait que chaque objet sera A la bonne place.

AQUARELLE : Le MATERIEL par david boursicot

LE PAPIER

Choisir le papier est selon moi un acte important. C'est aussi un acte difficile compte tenu du large choix chez les commerçants. J'ai réussi à choisir les miens en essayant plusieurs marques, plusieurs types. J'ai appris à observer leurs réactions selon différents degrés d'humidité, selon la couleur appliquée, j'ai été attentif aux comportements des pigments...

L'essentiel étant de trouver le ou les papiers qui corresponde à la sensibilité de chacun.

Ma préférence va aux papiers ayant un poids de 300g/m2. J'utilise des blocs collés aux quatre côtés ou, pour les très grands formats, du papier en rouleau tendu sur un châssis nu. Ce dernier procédé a l'avantage de fournir un support très léger et donc facilement manipulable. Je trempe le papier, découpé dans un format légèrement plus grand que le châssis, une dizaine de minutes dans l'eau. Devenu souple, je l'agrafe sur les quatre côté du cadre. Le papier est tendu comme une peau de tambour une fois sec. La toile ainsi constituée ne gondole pratiquement pas même lors d'un travail dans l'humide.

Voici les papiers qui ont ma préférence :

Arches:

Je tiens à mentionner le papier Arches, même si je ne l'utilise plus, car il m'a été d'une aide précieuse à mes débuts. C'est en effet un papier docile, au grain rugueux qui tiens bien l'humidité. En revanche, il ne permet pas d'ouvrir des blancs (c'est-à-dire enlever le pigment du papier, devenu mat dans le processus de séchage, à l'aide d'un pinceau rigide de type acrylique), et son odeur est désagréable lorsqu'il est humide. De plus, il a tendance à "griser" les couleurs en séchant.

Cela dit, le papier Arches demeure un papier idéal pour débuter.

 
Le Bockingford

Le papier Bockingford est plus exigeant que le précédent et nécessite d'être apprivoisé. Il conserve son humidité relativement longtemps, ce qui demande de garder un certain sang-froid !. Le rendu des couleurs est très bon et l'ouverture des blancs largement possible.

Le Langton

The Langton, lui, se rapproche beaucoup des caractéristiques du Bockingford. Ces deux papiers permettent d'obtenir des couleurs éclatantes au prix d'un réel effort de concentration tant ils sont exigeants. La récompense après la "souffrance" en quelque sorte ! 

Fabriano Artistico

Le Fabriano Artistico est un papier plutôt nerveux. Il restitue l'éclat des couleurs mais demande à travailler vite car il a tendance à sécher rapidement. C'est un support très agréable à travailler ; il est, avec celui qui suit, l'un de mes préférés.

le Montval

Voici le papier le plus difficile à mon avis : le Montval. Il exige une grande maîtrise de l'aquarelle. La difficulté majeure vient du fait qu'une simple petite goutte d'eau peut provoquer de grandes auréoles ! Cette caractéristique permet donc d'ouvrir des blancs en retrouvant celui du papier. C'est un support qui conserve, lui aussi, l'éclat des couleurs mais qui demande de travailler en une couche. Un second lavis a tendance en effet de diluer le premier. Il faut travailler vite sur un tel papier car il sèche vite. A noter : il peluche s'il est trop frotté ou manipulé. Un papier également difficile par sa fragilité.

LES PINCEAUx

Les pinceaux que j'utilise sont de plusieurs sortes.

- En poils de martre pour les détails ou les passages délicats,

- Petits-gris pour mouiller le papier ou effectuer des retraits,

- Pinceaux chinois pour les détails et les graphismes,

- Synthétiques, de type acrylique, pour ouvrir les blancs.

Autre outil qui ne me quitte jamais : le pulvérisateur. Il me permet d'obtenir certains effets très graphiques, il m'aide à raviner le papier et enlever la couleur.  

LES COULEURS

J'utilise avant tout les aquarelles Blockx pour leur qualité légendaire, le "grain" des couleurs et les magnifiques gris colorés que l'on peut obtenir. 

Les couleurs Winsor & Newton sont mes préférées par la qualité et la concentration des pigments, Blockx mis à part. Elles viennent en complément des premières.

Ma palette comprend un nombre restreint de couleurs. Lorsque je peins, je mets un point d'honneur à n'utiliser que 3 ou 4 couleurs. Cela me permet de garder une harmonie de couleurs et d'obtenir des tons subtils par mélange direct sur le papier. Je choisis autant que possible des couleurs transparentes.

Voici mes choix toutes marques confondues :

Jaune de Naples, gomme-gutte, rouge quinacridone, laque rose, magenta, violet dioxazine, bleu de cobalt, outremer, bleu Blockx, bleu turquoise, sienne brûlée, ombre brûlée, rouge et brun de mars, brun van dick. 


Tel est le matériel avec lequel j'ai beaucoup de plaisir à peindre mes aquarelles. Mon choix s'est porté sur ces marques après de nombreux tests, d'observations, de prises de notes... Elles répondent bien à mes attentes, à ma façon d'aborder la technique. C'est un passage obligé face à l'offre pléthorique de fournitures pour qui souhaite trouver ses outils.