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Le blog de lapalettedecouleurs.over-blog.com

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Des centaines de vidéos pour vous aider à comprendre le dessin et la peinture (aquarelle, huile, acrylique), mais aussi l'écologie des cours d'eau, la lecture en écoutant de la musique relaxante

Articles avec #oeuvre expliquee catégorie

Publié le par laurent
Publié dans : #peintres, #oeuvre expliquée

 

Dessin et peinture - vidéo 2214 : Maurice Utrillo - "Le moulin de la galette" 1915.


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Parmi les peintres de Montmartre ayant laissé leur nom à la postérité, Maurice Utrillo est l'un des rares à être né sur la Butte, au 8 rue du Poteau à Montmartre. Il est de notoriété qu'il est lui-même le fils d'un peintre célèbre : Suzanne Valadon. Né de père inconnu, il fut reconnu par un des compagnons de sa mère, le peintre catalan Miguel Utrillo, qui lui donna son nom. Sur ses tableaux, Utrillo signe Utrillo V, V comme Valadon.

La mère du peintre fut le modèle de peintres renommés, tels Renoir, Puvis-de-Chavanne, Toulouse-Lautrec, et Degas. De son observation du travail de ces grands Maîtres vint sans doute le goût de Suzanne Valadon pour la peinture. Degas l'encouragera et lui achétera ses premiers dessins.

L'enfance de Maurice Utrillo se déroula auprès de sa grand-mère, dans l'actuel St-Denis. Atteint de troubles du comportement, Maurice Utrillo fit des séjours en hôpital psychiatrique à partir de l'âge de 18 ans. La mère du peintre, constatant ses prédispositions pour la peinture, encouragea son fils dans cette voie et lui apprit les bases de la peinture. On dit qu'à ses débuts, Suzanne Valadon obligea son fils à ne peindre qu'avec du vermillon, de la laque de garance, du jaune de chrome et du blanc de zinc lui permettant quelques touches de bleu ou de noir. En 1908, Maurice Utrillo peint ses premières oeuvre qui feront date : la porte St-Martin, et "L’église de Villiers le Bel" . A partir de 1910 Maurice Utrillo commença a vivre de sa peinture, devenant le peintre le plus célèbre des rues de la Butte.

De 1910 à 1914, la peinture d'Utrillo se distingue par des formes et des teintes où prédomine la couleur blanche, et l'on parle de "période blanche". De 1922 à 1955 la palette de l'artiste s'enrichit de couleurs vives. Certains estiment que 1917 marque la décadence de la peinture d'Utrillo, liée à ses problèmes d'alcoolisme. Il est remarquable d'ailleurs de constater que c'est à partir de cette période que la mère du peintre commencera à peindre de nombreux tableaux. Le peintre mourra en 1955, à 71 ans, alors qu'il faisait une cure à Dax.

Maurice Utrillo, par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #peintres, #oeuvre expliquée

 

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Jean Dubuffet est un artiste peintre né au Havre le 31 juillet 1901 et décédé à Paris le 12 mai 1985, il est le fondateur de l’art brut . Il s’intéresse de près aux productions artistiques marginales, en dehors des circuits classiques.

Pour en savoir plus ,vous pouvez consulter sa biographie en cliquant sur ce lien .

 96/ Barres, Lignes de Séparation ....

J’ai choisi pour vous cette semaine  l’art brut .pour vous présenter  un style ludique et simple. En vous inspirant de ses figures ,vous allez pouvoir peindre des motifs intéressants, tout en vous amusant. 

 

Vous pourrez aussi découvrir  une méthode pour vous fixer des repères visuels et dessiner rapidement des motifs à la fois puissants et très simples à faire. 

 

 

Les motifs de Jean Dubuffet sont pensé un peu à la manière d’un puzzle, avec des combinaisons quasiment illimitées. C’est un ensemble d’éléments que vous pouvez réutiliser pour  faire des variations à volonté. pour créer encore et encore de nouveaux motifs. 

 

Les couleurs à utiliser : 

 

Pour peindre à la manière de Jean Dubuffet et  pour vous inspirer de ses compositions, ,vous aurez besoin de Noir, de rouge, de bleu et de blanc.

 

La technique est très simple, vous aller commencer par tracer des formes qui s’imbriquent les unes dans les autres en fonction de l’espace que vous aller remplir, gardez à l’esprit l’image d’un puzzle à compléter..

 

Une fois que vous aurez dessine“ toutes les pièces du puzzle” vous allez passez au remplissage des figures, en variant au maximum les couleurs et le graphisme (Par exemple commencer à peindre certains éléments en noir, puis en rouge, puis en bleu).

 

Une fois que vous avez peint certains éléments avec une couleur unie, vous allez en suite remplir d’autres éléments avec du rouge et du bleu mais partiellement en peignant des lignes horizontale et verticales. 

 

A retenir : 

 

1 – dessiner chaque élément comme un puzzle

2- remplir certains éléments de la composition avec des couleurs unies en (noir, rouge ou bleu )

3 -peindre  des lignes horizontales et verticales  (rouge et bleu) .

Il est important de laisser certains éléments en blanc.

Pensez en terme d’harmonie, éviter  de superposer deux blocs d’une même couleur, ou bien remplissez l’un des deux avec une même teinte pendant que l’autre est striée de lignes colorées verticales ou horizontales .

96/ Barres, Lignes de Séparation ....

Jean Dubuffet, par laurentsaintgermain96/ Barres, Lignes de Séparation ....

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Publié le par laurent
Publié dans : #peintres, #oeuvre expliquée

 

Résultat de recherche d'images pour "tete de clown de bernard buffet"

 

Bernard Buffet peint des clowns depuis les années 1950 environ. Ces clowns sont toujours très colorés et toujours reconnaissables à leurs traits. Cette technique lui est propre c’est d’ailleurs ce qui rend reconnaissable les œuvres de ce peintre : des lignes droites et sèches créant un réel style pictural.

 

Malgré leurs expressions tristes ou plus ou moins joyeuses,  ces clowns sont contrastés. D’un coté, ils sont pleins de vie notamment grâce aux couleurs utilisées dans le fond et les vêtements, mais d’un autre coté, ils ont l’air crucifiés : leurs teints sont grisâtres et leurs fronts ridés.

 

La silhouette de clown ainsi que ses vêtements rappelle Arlequin avec les losanges qui les composent. Ses tableaux de clowns sont remplis de contrastes : comme évoqué précédemment, les clowns de Bernard Buffet présentent soit visage triste et des couleurs vives soit des couleurs plus sombres et un visage plus joyeux.

 

Bernard Buffet reste politiquement neutre  avec les contrastes qu’il a créés. Avec ces clowns, Bernard Buffet conçoit un monde particulier, lugubre mais également enfantin.

 

Comme certaines de ces œuvres ont été exposées pendant l’après guerre, son style de peinture a beaucoup plu au public : sa capacité à rendre l’humeur de la société française de l’après-guerre en peinture a augmenté sa popularité.

 Œuvres clownesques: 

« Tête de clown » datée de 1955

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« Clown fond vert » datée de 1978

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« Clown au chapeau melon » datée de 1978

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« Clown au fond bleu » datée de 1991

Bernard BUFFET ( 1928 - 1999 ), Clown au fond bleu, 1991:

« Clown fond orange » datée de 1991

Bernard BUFFET ( 1928 - 1999 ) , Clown fond orange, 1991:

« Le clown au chapeau vert » datée de 1998

Bernard Buffet: Clown au Chapeau Vert, 1998 - Painting

« Clown militaire » datée de 1998

Bernard BUFFET ( 1928 - 1999 ) - Clown militaire - 1998:

« Deux clowns, un saxophone » datée de 1998

bernard buffet clowns tristes

 

Bernard Buffet, par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #peintres, #oeuvre expliquée, #livres

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A la fin de sa vie, handicapé par une maladie des yeux, Degas a souvent traité un groupe de danseuses vues de près, tantôt attendant dans les coulisses, tantôt ajustant leur vêtement, parfois se reposant entre deux figures de danse. Il semble qu’en vieillissant  Edgar Degas se soit désintéressé des mouvements violents des danseuses en scène. Il n’allait plus que rarement au théâtre, aussi ses tableaux de danseuses étudiées en atelier d’après des modèles sont, de toute évidence, plus posées.Peut-être est ce caractère qui a motivé la phrase irritée de Zola, se refusant de mettre à égalité de dignité et de puissance avec un Flaubert, un Daudet ou un Goncourt, un homme qui s'était enfermé toute sa vie pour dessiner des danseuses.

En fait, il y avait longtemps que Degas avait abandonné la recherche du réalisme dans le sens qu'admirait ou pratiquait  Zola dans sa littérature et ses romans (la saga des Rougon-Macquart).

Emile Zola, par l'équipe livres audio, pdf et musique relaxante

 Dans les "Danseuses", il exprime plus qu'il ne décrit des effets curieux de lumière derrière les personnages; il étudie avec puissance la façon dont plusieurs couleurs jouent entre-elles; il exagère les reflets; il dessine largement ses personnage; il superpose des rangées de  touches pour obtenir de nouveaux effets de contexture.Le résultat est un renforcement de la couleur rompue des impressionnistes en même temps que le traitement du théâtre et de ses danseuses avec une fantaisie à la fois nouvelle et irréelle.

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Edgar Degas, par laurentsaintgermain

 

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Publié le par laurent
Publié dans : #peintres, #oeuvre expliquée, #Peinture acrylique

Dessin et peinture - vidéo 1911 : Une oeuvre expliquée de Edvard Munch (1863-1944) - "Le cri" 1893 - Une démonstration à l'acrylique (étape par étape).

400/ Montée au Feu LAC d' AYRETTE ...

 

Utiliser un médium mat ( gel transparent qui n’altère pas la couleur) pour améliorer la consistance des mélanges durant toutes les étapes de la création de cette copie, pour faciliter l' interpénétration des couleurs et pour travailler Les ombres et les reflets du visage.

l'esquisse du dessin est réalisée à la craie blanche, le dessin est très simplement composé de courbes et de traits rectilignes, ce qui montre déjà le caractère tortueux et angoissant qui relève de la psychanalyse. C'est sur une toile préparée avec une teinte composée de terre de Sienne diluée a laquelle on associera un peu d'orangé de cadmium que le décor est planté.

Pour donner de la force à la peinture, respecter les ondulations orangées et jaunes du ciel tourmenté (des courbes bleutées seront ajoutées en cours de réalisation).

Les montagnes sinueuses, à l'arrière plan du fjord, sont d'un bleu nuit très profond (noir, terre d'ombre et des rehauts de bleu de céruléen pour les reflets).

 La teinte qui illumine, Par son éclat, L'eau du fjord et la partie droite du tableau, est composée de bleu, de terre d'ombre associés à beaucoup de blanc de titane et de médium, on y ajoutera un peu d'orangé de cadmium dans un deuxième temps, après la réalisation des rambardes du pont.

En opposition à la partie supérieure de la toile, tout en ondulations et en courbures, le pont et sa rambarde vont, de manière rectiligne, transpercer la partie inférieure du tableau par une succession de coups de pinceau parallèles qui vont déposer de la couleur bleue et orangée, en faisant coexister ces 2 couleurs complémentaires, pour donner plus de force à la scène, autour du personnage. Les madriers qui constituent le revêtement sont précisés par ajout de blanc.

L'intense lumière qui provient de l'arrière plan vient éblouir la scène et rehausser de blanc, d'orangé et de jaune, les rambardes de l'ouvrage de bois et la tablier du pont.

Esquisser avec du noir ou du brun, les silhouettes des personnages qui s'éloignent de la scène, Puis celle du personnage principal avec un bleu-nuit.

La tête livide du personnage central s'exprime dans un gris blanchi par la douleur intérieure (blanc+bleu+brun). La même teinte est utilisée pour les mains qui effleurent le visage et pour le cou. Les orbites des yeux et la bouche sont d'un gris plus soutenu. Les yeux qui sortent de leur orbite sont blancs, un point noir vient marquer la pupille de l'homme en pleine souffrance, ce noir que l'on retrouve autour de la bouche grande ouverte. Une gamme de gris va enfin modeler la tête pour obtenir l'expression d'un visage exsangue.   

Le matériel utilisé se compose essentiellement de:

  • 3 pinceaux plats de taille variable en fonction de la dimension de la toile.
  • 1 pinceau plat à arête biseautée
  • 1 petit pinceau pointu et effilé.

  • Et ci-dessous, la palette de couleurs proposée.
     

Dessin et peinture - vidéo 1911 : Une oeuvre expliquée de Edvard Munch (1863-1944) - "Le cri" 1893 - Avec une démonstration à la peinture acrylique (étape par étape).

400/ Montée au Feu LAC d' AYRETTE ...

L'artiste a associé une note dans un de ses journaux a propos de cette œuvre: « J'étais en train de marcher le long de la route avec deux amis - le soleil se couchait - soudain le ciel devint rouge sang – j'ai fait une pause, me sentant épuisé, et me suis appuyé contre la grille - il y avait du sang et des langues de feu au-dessus du fjord bleu-noir et de la ville - mes amis ont continué à marcher, et je suis resté là tremblant d'anxiété - et j'ai entendu un cri infini déchirer la Nature ».

 

C'est une composition qui appartient au domaine de l'art figuratif . Elle possède un point de fuite situé à gauche et une grosse bande verticale le long du tableau à droite. On peut donc déduire le sens de lecture, de la droite vers la gauche. Le spectateur est inclus dans le tableau en se trouvant devant le personnage central ce qui nous donne l'impression de vivre la scène.
On peut distinguer plusieurs parties distinctes sur ce tableau.

 

En premier la partie inférieure gauche du tableau. C'est elle qui donne le point de fuite grâce à la barrière et au sol du pont qui sont peint de façon rectiligne. Au niveau du point de fuite on aperçoit deux ombres représentant des personnes qui semblent s'éloigner du personnage central (représentant l'artiste d'après la note associée à l'oeuvre). On retrouve dans cette partie des couleurs rougeâtres assez sombre.

 

Ensuite le ciel contrairement à la partie précédente est extrêmement sinueux les courbes sont horizontales et en le regardant on comprend aisément l'expression «  langues de feu » que l'artiste a employé.

 

Enfin la partie centrale de l’œuvre qui illustre le fjord, le précipice situé à droite et les montagnes au fond. Celle ci comme la partie précédente est extrêmement sinueuse mais ici les courbes sont verticales et nous donnent une impression de vertige. Cette zone centrale crée un contraste de couleur entre le bleu sombre du fjord qui vient choquer contre le rouge ardent du ciel qui est appuyé par l'alternance des courbes.

 

On peut remarquer que l'artiste a échangé les couleurs du ciel et de la terre comme pour troubler le spectateur et appuyer la sensation de « cri » déjà représenté par toutes ces courbes qui déforment l'image. Le fjord est tellement courbé qu'il en tombe dans le précipice à droite de l'image.

 

On ne semble pas pouvoir échapper au cri de la Nature, à moins de se boucher les oreilles; ce que fait le personnage central . Le spectateur ne peut échapper au vertige des courbes: à droite la barre verticale à gauche le point de fuite. Ce vertige s'exprime de l'angoisse provoquée par le personnage central, comme le pressentiment d'un malheur que les deux personnages à l'arrière-plan semblent ignorer.

 

Le personnage central est représenté vraiment étrangement, on dirait qu'il est déjà mort , une sorte de mélange entre un fantôme dont le corps ondule et flotte dans les airs et un squelette ou un cadavre de par sa tête qui semble être dépourvue de cheveux, ses yeux qui semble creux et sa bouche grand ouverte. Sa bouche semble penser qu'il est en train de crier lui aussi pourtant en même temps il se bouche les oreilles. Ce qui pourrait nous faire penser à une sorte de cri intérieur que l'artiste a essayer de représenter en se représentant de cette façon. Un cri pour montrer sa peur de la maladie et de la mort et par la même occasion de sa solitude d'où l'éloignement par rapport aux autres personnages.
On pourrait aussi renforcer l'idée de la mort par la position à gauche des hommes et à droite du précipice (l'enfer) et de la barre verticale marquant un arrêt : la mort.

 

Enfin on peut remarquer qu'aucune partie de ce tableau est complètement claire et nette, on a l'impression qu'un flou est présent sur toute l'image. Autant les personnages au loin que les bateaux, le village ou même que le personnage central du premier plan. Ce qui peux renforcer l'idée de la peur de la maladie de l'artiste qui était atteint d'une hémorragie du vitré .

 

On peut donc dire que ce tableau d'Edvard Munch de part son angoisse qu'il suscite ne peux pas laisser le spectateur indifférent. Il faut d'ailleurs savoir que l'artiste l'a représenté d'une cinquantaine de façon différentes et que c'est une œuvre qui a donné naissance au courant surréaliste

400/ Montée au Feu LAC d' AYRETTE ...

Edvard Munch, par laurentsaintgermain

400/ Montée au Feu LAC d' AYRETTE ...

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Publié le par laurent
Publié dans : #oeuvre expliquée, #peintres

 

Dessin et peinture - vidéo 1899 : Peindre à l'huile - portrait de Diego Velasquez.

 

49/ POEME 4 : Souvenirs d' Enfance ...

Dans cette version, Le processus est détaillé pour créer une copie d'un portrait de Diego Velázquez. On n'est jamais content du résultat final, mais à la demande de nombreux blogueurs, l'expérience a été tentée, Faites surtout attention à la manière dont les couleurs sont mélangées pour l'obtention des couleurs "chair" dans la lumière et dans l'ombre.

  Une fonction de Youtube permet d'accélérer la vitesse de la vidéo, dans les paramètres (dans le coin en bas à droite de la vidéo). 

Diego Vélasquez, par laurentsaintgermain

49/ POEME 4 : Souvenirs d' Enfance ...

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Publié le par laurent
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Eugène Boudin La jetée de Trouville au soleil couchant

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Analyse d'un tableau d'Eugène Boudin - "La... par liberation

Claude Monet avait dit vers la fin de sa vie : «Je lui dois tout.» Corot l’avait surnommé «le roi des ciels». Eugène Boudin (1824-1898), précurseur de l’impressionnisme, un peu oublié des institutions, est une figure marquante de ce mouvement.

Son œuvre Jetée de Trouville, soleil couchant (1862) illustre avec précision, le sens des «attitudes justes» de ce «peintre d'atmosphère», son «affection pour les figures et sa tendresse pour l'humanité».

Eugène Boudin, par laurentsaintgermain

 

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Publié le par laurent
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Bibliographie

Cliquer sur la première image ci-dessous pour l'explication du tableau "le serment du jeu de paume"

L'oeuvre de Jacques Louis David, par laurentsaintgermain

 

Ce dessin animé raconte les évènements qui ont abouti au serment du Jeu de Paume.

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Portrait de Berthe Morisot Par Edouard Manet

37/ SALAGOU : Village de CELLES ...

Les pinceaux

Les couleurs de la palette

Médiums

 

Berthe Morisot est une des seules femmes peintres de la période Impressionniste. Cette vidéo montre la manière de peindre et la sensibilité de son écriture picturale à partir d'une analyse de l'artiste contemporain Laurent Blandin. Une scène de plage pleine de quiétude et de lumière, à partir d'une photo de Nathalie Durand 

37/ SALAGOU : Village de CELLES ...

Berthe Morisot, par laurentsaintgermain

37/ SALAGOU : Village de CELLES ...

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Publié le par laurent
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28/ CAROUX : TABLE d' ORIENTATION, TOURBIERE ...

Hans Holbein le jeune : son histoire et son œuvre

 



Hans Holbein "le jeune" naquit en 1465 à Augsbourg dans l’actuelle Bavière. Il suivit une formation de peintre auprès de son père, l’un des derniers grands maîtres du gothique. À partir de 1515, il travailla à Bâle en Suisse où il passa près de 20 ans avant de partir pour l’Angleterre où il fit une carrière prodigieuse comme peintre de Henri 8. Il réalisa une grande quantité de tableaux pour la cour, de décorations de châteaux, de projets de bijoux et textile. Il mourut en 1543 de la peste à 78 ans. 

Le tableau accroché devant nous fut justement réalisé à Londres. Il est typique de l’école du nord, car il a besoin d’être décrypté. Alors, livrons-nous à un exercice amusant : bien regarder le tableau –dans le détail s’il le faut- et clairement dire ce qu’on ressent. Et déjà que voyons-nous ? Il montre le portrait à mi-corps de Georg Gisze.
Première impression : nous avons devant nous un homme arrivé. Trouvons les signes qui nous donnent cette impression : il y a bien sûr ce riche costume de la Renaissance. Admirez en particulier les belles manches bouffantes de sa chemise et le chapeau recouvrant une coiffure à la mode comme les gentilshommes la portaient au 16ème siècle. Regardons aussi tous les objets autour de lui : tout respire le luxe. Les livres déjà : c’est un signe de luxe extrême. Ensuite, voyez ce tapis oriental posé sur la table. D’ailleurs, détaillons cette table. Nous trouvons toutes sortes d’objets qui nous donnent en plus des informations sur l’activité de cet homme : un livre relié de cuir, peut être un livre de comptes, des ciseaux, un encrier de cuivre assorti de son sablier pour empêcher l’encre de baver, de ses plumes à écrire et d’un bâtonnet de cire rouge servant à cacheter les lettres. Et à côté, nous voyons une bague à sceau ainsi qu’un long sceau. À gauche du sceau, nous voyons une petite boite circulaire et dorée avec une petite porte ouverte. Il s’agit d’une petite pendule nécessaire au travail de Gisze pour ses rendez-vous par exemple. Pour l’époque, c’était le summum du luxe, car ce type de pendule venait d’être inventé. Sur le bord gauche de la table se dresse un délicat vase en cristal avec un bouquet de fleurs sauvages. Or ce genre de travail sur le verre n’était fait qu’à Venise, à Murano plus précisément. 
Donc, résumons-nous : un homme riche, très riche même ; dont le métier est certainement banquier ou marchand comme le montrent les livres, cachets et sceaux, et même la pendule qu’on voit accrochée derrière. Notez qu’il s’agit d’une caractéristique de l’œuvre de Holbein qui accompagne très souvent les personnages des instruments de leur fonction. Et dans ce tableau, il ajoute encore des explications : regardez en effet sur le mur, à l’arrière-plan et au-dessus de la tête de Gisze : il y a un bout de papier sur lequel est inscrit un texte en latin. Ce dernier dit : «portrait de Georg Gisze : Ce que tu vois ici montre les traits et l’image de Georg : aussi vivant est son regard, aussi formés sont ses joues. Dans sa trente-quatrième année en l’an du seigneur 1532 »
Comme si cette description n’était pas suffisante, Holbein à inscrit sur le mur à gauche sous l’étagère : «Nulle sine merore voluptas », ce qui veut dire : «pas de joie sans prix». Ce peut être la phrase qu’un marchand dit à ses clients qui rechignent à payer. 

Mais nous verrons aussi que cette formule peut parfaitement s’appliquer au personnage représenté. Regardons le visage de Georg : tout d’abord, on ne peut manquer d’être surpris par sa jeunesse. Et même, sa peau lisse et sans ride lui donne un air juvénile. Et ses traits !! , regardons ses traits !! Ils apparaissent crispés et son regard de coin semble presque apeuré ou malheureux. Est-ce que Georg se sent coincé dans sa fonction ? Est-ce qu’il a des rêves secrets qu’il regrette de ne pas pouvoir vivre ? On ne sait pas bien sûr. Mais en tout cas, à voir son visage, à le voir ainsi presque prisonnier de sa fonction, on ne peut s’empêcher d’y penser. Et du coup, on se dit en effet que la formule « pas de joie sans prix » peut aussi s’appliquer à Georg, et que son environnement luxueux se paye peut être par des renoncements.
Et puis, les choses sont fragiles : regardons ce cristal de Murano par exemple, si fin. Il est au bord de la table à gauche et, à le voir aussi près de la lourde étoffe du manteau, on craint de le voir tomber au moindre mouvement du marchand. Et en plus, comme souvent dans la peinture nordique, il y a un second degré d’interprétation, car certains éléments de la composition possèdent une valeur symbolique. De même que la fragilité du vase qui, s’il tombe, se brise, la montre et l’horloge rappellent le caractère éphémère de la vie. Il s’agit d’une nature morte surnommée « Vanité », un thème très apprécié dans la peinture nordique.
Le vase ne contient pas un luxueux bouquet de roses, mais de simples plantes sauvages : romarin, œillet et un crucifère jaune. Ces plantes font symboliquement référence aux qualités et vertus de Gisze : amour, fidélité, pureté et modestie. La balance à l’arrière-plan gauche fait également référence à la justice et donc à l’honnêteté du marchand. Pour finir, revenons sur l’œillet se trouvant dans le vase. Au moyen âge cette plante était synonyme d’amour et de fidélité conjugale. Il est donc possible de supposer que le tableau fut commandé par Gisze au moment de ses fiançailles avec sa future épouse Christine. 
Et maintenant, une remarque encore sur ce travail: le niveau de détail atteint est proprement incroyable. Il suffira d’un exemple pour l’établir: regardez à nouveau la bouteille de cristal. Sur son ventre se reflète la croix d’une fenêtre. Vous la voyez?? Oui!! Bien!! Avec cela, on devine que la lumière qui éclaire cette scène vient d’en haut à droite du spectateur présent dans la pièce. 
Donc Holbein, c’est tout cela : un sens du détail énorme, une aisance dans l’utilisation des symboles et dans la mise en situation du personnage ; avec pour finir cette capacité à suggérer une deuxième lecture derrière une première de façade. La deuxième, plus énigmatique, laisse planer un parfum de mystère sur l’œuvre.
En tout cas, avec ce tableau, Holbein prouve sa parfaite maîtrise du portrait et il deviendra le portraitiste attitré du roi d’Angleterre Henri 8 et aujourd’hui les collections royales britanniques renferment le plus important fond de tableaux d’Holbein.

28/ CAROUX : TABLE d' ORIENTATION, TOURBIERE ...

 

Hans Holbein le jeune, par laurentsaintgermain

28/ CAROUX : TABLE d' ORIENTATION, TOURBIERE ...

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