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Le blog de lapalettedecouleurs.over-blog.com

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Des centaines de vidéos pour vous aider à comprendre le dessin et la peinture (aquarelle, huile, acrylique), mais aussi l'écologie des cours d'eau, la lecture en écoutant de la musique relaxante

Articles avec #peintres catégorie

Publié le par laurent
Publié dans : #peintres, #techniques peinture

 

 

la paserelle de bry

 

Dans cet article, vous allez découvrir comment peindre un paysage à la manière des impressionnistes. l’impressionnisme est un courant pictural du 19 ième siècle, Les peintres impressionnistes peignaient souvent en plein air, ils ont eu une production artistique abondante. S'inspirer de leur technique peut vous faire progresser plus rapidement, tout en prenant énormément de plaisir.  

La plupart du temps, on éprouve des difficultés à trouver les couleurs pour peindre un paysage et la végétation qui le compose.

 Il existe cependant, des raccourcies qui peuvent être utilisés pour peindre efficacement cette végétation avec des pinceaux spécifiques, et une technique d’observation basée essentiellement sur l’intuition, bien plus que sur l'analyse.  

 Cette méthode, assez simple, est inspirée du style pictural de Claude Monet. La vidéo est explicitée ,étape par étape. Chaque séquence va vous permettre de vous exercer à la ,réalisation. A votre rythme, vous allez pouvoir reprendre toutes ces étapes, vous entrainer et les mettre en application dans vos propres réalisations. 

N’hésiter pas à revoir la vidéo plusieurs fois , même au ralenti, Pour observer plus en détail le mouvement du pinceau. 

 

Comment Peindre un paysage impressionniste  

 

   

 

A retenir : 

– faire un premier glacis, en plaçant les couleurs dominantes sur la toile. 

-Réaliser une ébauche rapide, ou l’on retrouve les lignes directrices de la composition. 

– Remplir chaque zone à peindre, dans l’ordre d’importance des couleurs.  

-Commencer à peindre le ciel et la végétation, puis terminer par les plus petits détails. 

-Marquer les zones d’ombre et de lumière par touches grossières. ( avant de commencer, observer l’emplacement exact de chaque zone à peindre sur la toile). 

-Peindre par petites touches, pour affiner l’image. 

-Terminer par les rehauts de lumière et les plus petits détails de la composition. 

 

Cette toile à été réalisée avec de la peinture acrylique. A l’huile, à cause du temps de séchage, décomposer toutes les étapes citées ci-dessus en plusieurs séances , selon l’épaisseur des couches de peinture. attendre plusieurs jours, si nécessaire, avant de réaliser l’étape suivante, je vous conseille aussi de mettre du siccatif dans vos glacis à l’huile pour accélérer le séchage. 

 

Apprendre à observer 

 

 

Cette technique se base avant tout sur l’observation. Avant de peindre, vous devez d’abord vous consacrer à l’observation des paysages que vous souhaiter peindre et être attentif à l’évolution des éclairages et aux mouvements de la lumière et de l'ombre. 

Les impressionnistes devaient peindre rapidement pour pouvoir restituer le maximum d'éléments essentiels du paysage qu’ils réalisaient à un instant "T" et saisir ainsi l'harmonie générale, en quelques  coups de pinceaux rapides . 

Ainsi ils composaient des toiles à la fois efficaces et puissantes de réalisme. ils synthétisaient en quelques grandes lignes, l’ensemble du tableau. C’est par ces peintures d’une véracité étonnante, qu’ils ont réussi à faire progresser l’art du paysage. 


 

Cette technique va vous permettre de peindre rapidement et efficacement un paysage en prenant certains raccourcis. Vous avez simplement besoin de faire une ébauche rapide sur la toile , la composition prend forme avec la peinture et avec l’œil de l'observateur qui synthétise l'ensemble. 

Un peu de technique et beaucoup d'observation seront les ingrédients indispensable pour arriver à votre but.

 

La peinture de paysage, c’est 80 % d’observation ,et 20 % de technique. 

 

L' Impressionnisme, par laurentsaintgermain

 

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Publié le par laurent
Publié dans : #peintres, #oeuvre expliquée

 

IMG_3105_thumb.jpg

Jean Dubuffet est un artiste peintre né au Havre le 31 juillet 1901 et décédé à Paris le 12 mai 1985, il est le fondateur de l’art brut . Il s’intéresse de près aux productions artistiques marginales, en dehors des circuits classiques.

Pour en savoir plus ,vous pouvez consulter sa biographie en cliquant sur ce lien .

 96/ Barres, Lignes de Séparation ....

J’ai choisi pour vous cette semaine  l’art brut .pour vous présenter  un style ludique et simple. En vous inspirant de ses figures ,vous allez pouvoir peindre des motifs intéressants, tout en vous amusant. 

 

Vous pourrez aussi découvrir  une méthode pour vous fixer des repères visuels et dessiner rapidement des motifs à la fois puissants et très simples à faire. 

 

 

Les motifs de Jean Dubuffet sont pensé un peu à la manière d’un puzzle, avec des combinaisons quasiment illimitées. C’est un ensemble d’éléments que vous pouvez réutiliser pour  faire des variations à volonté. pour créer encore et encore de nouveaux motifs. 

 

Les couleurs à utiliser : 

 

Pour peindre à la manière de Jean Dubuffet et  pour vous inspirer de ses compositions, ,vous aurez besoin de Noir, de rouge, de bleu et de blanc.

 

La technique est très simple, vous aller commencer par tracer des formes qui s’imbriquent les unes dans les autres en fonction de l’espace que vous aller remplir, gardez à l’esprit l’image d’un puzzle à compléter..

 

Une fois que vous aurez dessine“ toutes les pièces du puzzle” vous allez passez au remplissage des figures, en variant au maximum les couleurs et le graphisme (Par exemple commencer à peindre certains éléments en noir, puis en rouge, puis en bleu).

 

Une fois que vous avez peint certains éléments avec une couleur unie, vous allez en suite remplir d’autres éléments avec du rouge et du bleu mais partiellement en peignant des lignes horizontale et verticales. 

 

A retenir : 

 

1 – dessiner chaque élément comme un puzzle

2- remplir certains éléments de la composition avec des couleurs unies en (noir, rouge ou bleu )

3 -peindre  des lignes horizontales et verticales  (rouge et bleu) .

Il est important de laisser certains éléments en blanc.

Pensez en terme d’harmonie, éviter  de superposer deux blocs d’une même couleur, ou bien remplissez l’un des deux avec une même teinte pendant que l’autre est striée de lignes colorées verticales ou horizontales .

96/ Barres, Lignes de Séparation ....

Jean Dubuffet, par laurentsaintgermain96/ Barres, Lignes de Séparation ....

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Publié le par laurent
Publié dans : #peintres, #oeuvre expliquée

 

Résultat de recherche d'images pour "tete de clown de bernard buffet"

 

Bernard Buffet peint des clowns depuis les années 1950 environ. Ces clowns sont toujours très colorés et toujours reconnaissables à leurs traits. Cette technique lui est propre c’est d’ailleurs ce qui rend reconnaissable les œuvres de ce peintre : des lignes droites et sèches créant un réel style pictural.

 

Malgré leurs expressions tristes ou plus ou moins joyeuses,  ces clowns sont contrastés. D’un coté, ils sont pleins de vie notamment grâce aux couleurs utilisées dans le fond et les vêtements, mais d’un autre coté, ils ont l’air crucifiés : leurs teints sont grisâtres et leurs fronts ridés.

 

La silhouette de clown ainsi que ses vêtements rappelle Arlequin avec les losanges qui les composent. Ses tableaux de clowns sont remplis de contrastes : comme évoqué précédemment, les clowns de Bernard Buffet présentent soit visage triste et des couleurs vives soit des couleurs plus sombres et un visage plus joyeux.

 

Bernard Buffet reste politiquement neutre  avec les contrastes qu’il a créés. Avec ces clowns, Bernard Buffet conçoit un monde particulier, lugubre mais également enfantin.

 

Comme certaines de ces œuvres ont été exposées pendant l’après guerre, son style de peinture a beaucoup plu au public : sa capacité à rendre l’humeur de la société française de l’après-guerre en peinture a augmenté sa popularité.

 Œuvres clownesques: 

« Tête de clown » datée de 1955

Résultat de recherche d'images pour "tete de clown de bernard buffet"

« Clown fond vert » datée de 1978

Résultat de recherche d'images pour "Clown fond vert"

« Clown au chapeau melon » datée de 1978

JPEG - 27.9 ko

« Clown au fond bleu » datée de 1991

Bernard BUFFET ( 1928 - 1999 ), Clown au fond bleu, 1991:

« Clown fond orange » datée de 1991

Bernard BUFFET ( 1928 - 1999 ) , Clown fond orange, 1991:

« Le clown au chapeau vert » datée de 1998

Bernard Buffet: Clown au Chapeau Vert, 1998 - Painting

« Clown militaire » datée de 1998

Bernard BUFFET ( 1928 - 1999 ) - Clown militaire - 1998:

« Deux clowns, un saxophone » datée de 1998

bernard buffet clowns tristes

 

Bernard Buffet, par laurentsaintgermain

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Publié le par laurent
Publié dans : #peintres

 

Pourquoi Vincent Van Gogh s'est-il coupé l'oreille

96/ Barres, Lignes de Séparation ....

 

C’est par l’intermédiaire de sa belle sœur Johanna Van Gogh-Bonger, épouse de Théo, le frère de Vincent, que le talent de cet artiste impressionniste, mort trop jeune, est reconnu post-mortem. La jeune femme se retrouve , après le décès des Van Gogh,  en possession d'une importante collection de tableaux, peu cotés à l'époque.

Ayant pour but de mieux faire connaître la peinture de Vincent, elle organise des expositions en Hollande, en Allemagne, aux États-unis et en France. Elle mit ainsi en relation, sans vendre les toiles, les marchands d'art de l'époque avec l’œuvre de son défunt beau-frère, pour pouvoir contrôler le prix des tableaux en circulation. Johanna a en outre réuni et édité la correspondance de Théo et de Vincent publiée en 1914.

De son vivant, Vincent Van Gogh, n'a jamais connu la notoriété. Ce sont les marchands d'art qui plus tard, ont permis la reconnaissance et le respect de ce prodigieux maître de la peinture.

 

 

Vincent van Gogh, par laurentsaintgermain

96/ Barres, Lignes de Séparation ....

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Publié le par laurent
Publié dans : #aquarelle, #peintres

 

 

Dessin et peinture - vidéo 2032 :

 

 

Aquarelliste japonais, né à Kumamoto. Il a commencé à travailler ce médium à l'âge de 32 ans. Il transmet avec compétence et précision la transparence de la couleur de la lumière et de l'espace. Spécialiste des paysages, C’est dans cette discipline que l’on admire la capacité de l'artiste à transmettre l’atmosphère par des contours précis, grâce à la méthode « mouillé sur mouillé » et par la véracité de la végétation.

 

Le sous-bois près du cours d'eau (5 vidéos)

 

 

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Publié le par laurent
Publié dans : #huile, #peintres, #paysage

 

File:John Constable - Flatford Mill.jpg

 

 10/ Spécial : MYLENE FARMER : Archives, Année 2013.

Version Française

John Constable, par laurentsaintgermain

John Constable est l'un des principaux peintre de paysage du XIX siècle. Delacroix et Gericault ont admiré son art et il a influencé les maîtres de Barbizon et même les impressionnistes. Il n'a pourtant rencontré que peu de gloire et d'honneur durant sa vie dans son Angleterre natale.

John Constable est né à Est Bergholt, Suffolk, le 11 juin 1776. Il est le le quatrième enfant et le deuxième fils d'Ann et Golding Constable. Son père était un marchand de grain local prospère qui avait hérité l'affaire d'un oncle en 1764. John Constable est élève de l'école secondaire de Dedham, où il se distingue par son talent de dessinateur. En 1793 son père décide de le former comme meunier et Constable passe une année à travailler au moulin familial. Cette année affirme sa décision : il sera artiste.

Version Anglaise

 

10/ Spécial : MYLENE FARMER : Archives, Année 2013.

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Publié le par laurent
Publié dans : #huile, #peintres, #paysage

 

Dessin et peinture - vidéo 2034 : Comment peindre selon le style des maîtres anciens du XIX ième siècle ?- John Constable: le grand paysagiste 2.

 

10/ Spécial : MYLENE FARMER : Archives, Année 2013.

Version Française

John Constable, par laurentsaintgermain

Version Anglaise

10/ Spécial : MYLENE FARMER : Archives, Année 2013.

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Publié le par laurent
Publié dans : #peintres, #techniques peinture, #Peinture acrylique

Dessin et peinture - vidéo 1955 : Une oeuvre expliquée par le maître Donato Grieco, à partir de la réalisation d'un tableau de style baroque.

55/ BEDARIEUX in the snow ....

Par le maître Donato Grieco

1.     Un support de toile sur châssis sur lequel est déposé une première couche d’un ton ocre rouge. L’acrylique est ce qu’il y a de mieux pour cette réalisation, étant une peinture à l’eau, elle a l’avantage d’être bien absorbée par la toile et de sécher rapidement. La teinte pour le fond n’est pas choisie par hasard, le « rougeâtre » ou l’ocre rouge était couramment utilisé jusqu’au XIXe siècle (jusqu’à l’arrivée des Impressionnistes). Cette teinte permet de réchauffer les couleurs et donc de donner une ambiance plus intimiste au sujet, cela favorise entre autre l’emploi du « clair-obscur ». Vélasquez, le Greco et Rembrandt par exemple utilisaient ce genre de fond brun-rougeâtre.   

 

 Rembrandt-Velasquez- Le greco

Rembrandt-Velasquez- Le greco

 

 2.     Le dessin est exécuté à la craie de manière très sommaire. Il met en place le « squelette de la composition, ».

3.  Tracer les lignes principales à la peinture, dans une teinte foncée avec un pinceau fin, afin de marquer cette composition. 

4.    La 4e étape est celle où l'on place les ombres et les lumières qui vont construire l’œuvre. Un brun sombre pour les ombres et un mélange d’ocre jaune et blanc pour les zones de lumière. Le maître Donato Grieco appelle cela la « grisaille« , c’est-à-dire peindre en camaïeu, utiliser différents tons d’une seule couleur, bien que normalement ce soit le gris, d’où son nom. La grisaille doit affirmer la structure et progressivement accentuer les contrastes. C’est ainsi que le clair-obscur sera obtenu.

 peindre style baroque

5.       Une fois la structure faite, voilà l’étape de mise en couleur, « pour enrichir la texture ». On peut voir dans la vidéo qu’il place grossièrement par aplats les couleurs, puis avec un autre pinceau ou bien même avec ses doigts, il les estompe pour créer des effets de fondu, réaliser ce qu’on appelle picturalement un « modelé » (déf : Forme et relief donnés à une figure à l’aide des couleurs, des valeurs, des ombres et des lumières, Dictionnaire technique de la peinture : Pour les arts, le bâtiment et l’industrie par André Beguin

6.  Puis la vidéo le montre appliquer une couche d’un liquide blanchâtre sur toute la surface du tableau. Apparemment la peinture semble sèche. Après cela il met en place les glacis.    

peindre a l'ancienne

 

Pour finaliser le tableau par les glacis, il faut éventuellement attendre que la peinture soit sèche afin d’appliquer les couleurs sans qu’elles se mélangent aux précédentes. Dans le respect de la règle du gras sur maigre je pense que le produit qui est appliqué est un vernis à retoucher, pour ainsi reprendre le travail dans le frais. Le vernis à retoucher du commerce ou un vernis de finition est utilisé
Les vernis acryliques ou aquaréthanes en phase aqueuse sont blancs et laiteux, en séchant il deviennent incolores. Le dernier nommé, s’il est mat, peut être peint ou ciré.
 

7.    Et enfin, dernière étape, l’application des glacis. Ceux-ci permettent de préciser le travail, de donner vie au sujet par les éclats de lumière placés judicieusement. A la fin de la vidéo, on voit le travail de tous les détails, le tableau est net et précis.

 

peindre avec clair obscure   

 8. Quant au style ou mouvement baroque, apparu au début du XVIIe siècle, il vient par l'intermédiaire de l'église catholique romaine s'opposer au courant religieux Luthérien du nord de l’Europe qui bannit toute représentation par l'image et donc par la peinture. Ce courant va s'amplifier grâce à de fantastiques peintres et maîtres, comme Le Caravage pour le travail du clair-obscur, Le Greco pour la touche, et Vélasquez pour la technique qui inventent ce nouveau style, très présent en sculpture, architecture, musique et théâtre. Les « artistes » (terme inexistant à l’époque) voient la vie comme « le théâtre du monde », d’où le faste et les formes exubérantes. On abandonne la manière figée du Moyen-âge et la statique de la Renaissance . En peinture cela se traduit par des ambiances intimistes, notamment par l’emploi des couleurs chaudes, l’utilisation du clair-obscur, le mouvement et l’expressivité des personnages.

55/ BEDARIEUX in the snow ....

Le Baroque, par laurentsaintgermain

55/ BEDARIEUX in the snow ....

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Publié le par laurent
Publié dans : #peintres

Bernard Buffet:

signature manuscrite de Buffet Bernard

Il a connu la gloire puis la chute, avant d’accéder à la reconnaissance posthume. À l’occasion d’une grande rétrospective au musée d’Art moderne de la ville de Paris, une passionnante immersion dans la vie et l’œuvre de Bernard Buffet.

Imposteur ou précurseur ? Aussi célèbre que Picasso après-guerre, Bernard Buffet a connu précocement une immense popularité, inédite pour un artiste vivant, affichant un luxe dérangeant. Un succès phénoménal qui le prive dans le même temps de l’estime des milieux de l’art, lesquels le jugent de mauvais goût. Mais si ses fameux clowns tristes et autres chardons ont été reproduits et diffusés dans le monde entier au cours des Trente Glorieuses, l’essentiel de sa production monumentale et torturée – quelque huit mille toiles – reste largement méconnu. Jeune prodige radical, cet ami de Cocteau et Giono puise dans ses blessures d’enfant de la guerre une représentation tout à la fois cruelle et humaniste du monde, saturée de traits noirs. Des œuvres immédiatement identifiables, à l’image de sa signature calligraphiée. Pourtant, la vogue de l’abstraction démode bientôt ce grand figuratif, plébiscité à l’étranger et notamment au Japon, où un musée lui est dédié. Avant la reconnaissance posthume, qui le consacre précurseur du pop art.

 

Bernard Buffet, par laurentsaintgermain signature manuscrite de Buffet Bernard

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Publié le par laurent
Publié dans : #peintres, #oeuvre expliquée, #livres

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A la fin de sa vie, handicapé par une maladie des yeux, Degas a souvent traité un groupe de danseuses vues de près, tantôt attendant dans les coulisses, tantôt ajustant leur vêtement, parfois se reposant entre deux figures de danse. Il semble qu’en vieillissant  Edgar Degas se soit désintéressé des mouvements violents des danseuses en scène. Il n’allait plus que rarement au théâtre, aussi ses tableaux de danseuses étudiées en atelier d’après des modèles sont, de toute évidence, plus posées.Peut-être est ce caractère qui a motivé la phrase irritée de Zola, se refusant de mettre à égalité de dignité et de puissance avec un Flaubert, un Daudet ou un Goncourt, un homme qui s'était enfermé toute sa vie pour dessiner des danseuses.

En fait, il y avait longtemps que Degas avait abandonné la recherche du réalisme dans le sens qu'admirait ou pratiquait  Zola dans sa littérature et ses romans (la saga des Rougon-Macquart).

Emile Zola, par l'équipe livres audio, pdf et musique relaxante

 Dans les "Danseuses", il exprime plus qu'il ne décrit des effets curieux de lumière derrière les personnages; il étudie avec puissance la façon dont plusieurs couleurs jouent entre-elles; il exagère les reflets; il dessine largement ses personnage; il superpose des rangées de  touches pour obtenir de nouveaux effets de contexture.Le résultat est un renforcement de la couleur rompue des impressionnistes en même temps que le traitement du théâtre et de ses danseuses avec une fantaisie à la fois nouvelle et irréelle.

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Edgar Degas, par laurentsaintgermain

 

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